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Provincial Reconstruction Teams wurden erstmals Anfang der 2000er Jahre von der US-Armee in Afghanistan eingesetzt. Zusammensetzt aus Militärs, Diplomaten und technischen Experten sollten sie in enger Zusammenarbeit mit der Bevölkerung vor Ort den Wiederaufbau vorantreiben und lokale Regierungen gegen die Taliban unterstützen. The Outpost erzählt die wahre Geschichte eines solchen Teams in einem Außenposten im Norden Afghanistans, der am 3. Oktober 2009 bei der Schlacht von Kamdesh durch einen Angriff der Taliban völlig zerstört wurde. Wegen seiner exponierten Lage in einer Talenge des Hindukusch galt der Posten de facto als Himmelfahrtskommando.

Darum geht es

Als die Soldaten der US-Armee in der Nacht aus den Helikoptern steigen, die sie am später Combat Outpost Keating genannten Außenposten absetzen, können sie nur erahnen, in welcher Lage sie sich nun befinden. Der nächste Morgen bringt Gewissheit: das Lager liegt in einem Talkessel und ist von steil ansteigenden Felswänden umgeben und nur durch eine schmale Straße erreichbar. Ein strategischer Alptraum.

Unter anderen Staff Sergeant Romesha (Scott Eastwood) und Specialist Carter (Cale Landry Jones) sollen unter dem Kommando von Captain Keating (Orlando Bloom) Kontakt zur lokalen Bevölkerung aufnehmen und sie von den Taliban separieren. Als Taktik wird darauf gesetzt, das Vertrauen der Dorfältesten zu gewinnen und sich auch durch Angriffe nicht provozieren zu lassen. Die Einwohner werden als friedlich eingeschätzt.

Es kommt immer wieder zu Zwischenfällen und kleineren Angriffen. Die Anspannung unter den Soldaten steigt, als sie merken, wie aussichtslos ihre Lage ist. Trotzdem bleibt man bei der defensiven Strategie. Wegen der Knappheit von Ressourcen im weit entfernten Basislager, liegt die Räumung des Camps aber trotzdem in weiter Ferne. Mehrmalige Warnungen eines lokalen Kontaktmannes über einen bevorstehenden Angriff werden nicht ernst genommen. Im Morgengrauen des 3. Oktober 2009 wird der Posten von mehr als 300 Taliban in der Schlacht von Kamdesh verwüstet.

Kommentar

The Outpost zeichnet sich wie Black Hawk Down oder andere Kriegsfilme der letzten 20 Jahre durch eine größtmögliche Authentizität aus. Kameraführung (Lorenzo Senatore) und Soundeffekte sollen beim Publikum den Eindruck erwecken, mitten im Geschehen zu sein. In Rod Luries Version der Kriegshölle verfolgt die Kamera (meist sind es Drohnenflüge) die Soldaten in langen Sequenzen ohne Schnitt, um möglichst hautnah an den Protagonisten dran zu sein. Die technische Finesse des Kriegsdramas ist beeindruckend.

Im Combat Outpost Keating ging es von Anfang an nur ums Überleben. Die Antwort, warum die Militärführung unter David Petraeus einen derart gefährlichen Standort gewählt hat, bleibt im Film unbeantwortet. Allerdings sind die engen mit reissenden Flüssen durchzogenen Täler eine für die Region typische Landschaft.

Langeweile und die permanente Bedrohung bestimmen den Alltag im Camp. Die Soldaten sind allesamt in ihren 20ern und unterscheiden sich in ihrer Geschichte im Wesentlichen kaum voneinander. Trotzdem stechen eine Handvoll Männer aus der Gruppe hervor, vor allem Scott Eastwood (Clints Sohn) und Cale Landry Jones. Natürlich stellt der Film das Heldentum in sein Zentrum. Beide realen Vorbilder bekamen mit der Medal of Honor die höchste militärische Auszeichung überreicht. Noch nie wurde zwei überlebenden Soldaten einer Operation gleichzeitig diese Ehre zu Teil.

Während die erste Hälfe des Filmes zur Orientierung dient, mehr oder weniger das Leben im Camp beschreibt und durch herbe Rückschläge einen mehrmaligen Wechsel der Führung notwenig macht, widmen sich die letzen 45 Minuten ausschließlich der finalen Schlacht. Dass man dabei nicht die Orientierung verliert, zeichnet die Regiearbeit von Lurie aus.

Einmal beklagt ein Dorfältester, dass die Besatzer nun schon seit Jahrzehnten im Lande seien, nur um dann aufgeklärt zu werden, dass es zuerst die Russen waren, die Afghanistan besetzt hielten. The Outpost ist kein Antikriegsfilm, der mit Kritik an der Invasion in Afghanistan aufwartet. Die Soldaten sind überzeugt davon, etwas gutes für ihr Land zu tun und für sie ist klar, wer die Guten sind und wer die Bösen. Auch klar ist, dass die afghanische Bevölkerung von den Taliban terrorisiert wurde. In diesem Spannungsfeld ist der Film mehr ein Bericht, der sich auf ein Ereignis konzentriert, ohne die Situation im Großen zu beurteilen. Das muss er auch nicht.

Als Zuseher bekommt man einen Eindruck davon, wie es sein mag, wenn man mitten im Krieg allein gelassen wird. Diese Frage nimmt The Outpost nämlich sehr wohl auf. Die Evakuierung von Combat Outpost Keating kam viel zu spät. Als die Taliban Wind von den Räumungsplänen bekamen, starteten sie ihren Angriff. Untersuchungen kamen zu dem Entschluss, dass es Mängel in der Kommandokette gegeben hatte. Am Ende starben acht US-Soldaten bei dem Angriff und 27 wurden verwundet. Ebenso verloren zehn afghanische Soldaten und Sicherheitsleute ihr Leben. Etwa 150 Taliban wurden getötet. Es war einer der blutigsten Einsätze in der 13 Jahre dauernden Operation Enduring Freedom.

The Outpost – Überleben ist alles [OT: The Outpost]

Kriegsfilm, USA 2020
Regie Rod Lurie
Kamera Lorenzo Senatore
Schnitt Michael J. Duthie
Musik Larry Groupé
Mit Scott Eastwood, Caleb Landry Jones, Orlando Bloom
Länge 123 Min.
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Von den Safdie Brüdern kommt ein Film, der das Attribut immersiv verdient wie kaum ein anderer der jüngsten Vergangenheit. Der schwarze Diamant nimmt uns mit auf eine Achterbahnfahrt, bei der über zwei Stunden keine Zeit zum Durchatmen bleiben wird. Ein Stresstest für Adam Sandler als spielsüchtigen Diamanthändler und für uns. Also fasten your seat belt!

Darum geht es

Howard Ratner (Adam Sandler) führt einen Juwelierladen im New Yorker Diamond District. Wegen hoher Spielschulden steckt er in der Klemme. Arno (Eric Bogosian), sein Schwager und Kredithai sitzt ihm im Nacken. Gemeinsam mit seinen Schlägertypen macht er Howard das Leben schwer. Doch Howard hat einen Coup gelandet. Aus Äthiopien schmuggelt er einen großen schwarzen Opal ins Land. Gerade als der Diamant eintrifft, befindet sich der NBA-Star David Garnett in seinem Laden und ist sofort besseren davon, ihn als Glücksbringer zu besitzen. Howard willigt einem vorübergehenden Tauschhandel ein und erhält im Gegenzug seinen Meisterschaftsring.

Gleich darauf versetzt Howard den Ring bei einem Pfandleiher und wettet noch am selben Abend eine große Summe auf David Garnett. Der Opal scheint tatsächlich als Glücksbringer zu wirken. Doch für Howard beginnt der Alptraum erst. Sein scheinbar perfekter Plan führt ihn direkt ins Chaos.

Kommentar

Das hier ist nichts, wobei man sich entspannt zurücklehnen kann. Der schwarze Diamant ist schrill, laut und chaotisch. Josh und Benny Safdie schaffen eine Atmosphäre des Unbehagens, die noch lange nach dem Film nachwirken wird. Es schmerzt zu sehen, wie Howard eine falsche Entscheidung nach der anderen trifft und immer mehr Richtung Abgrund schlittert. Obwohl wahrlich kein Sympathieträger, leiden wir mit ihm mit. Die permanente latent aggressive Stimmung wird durch das hohe Tempo des Filmes, es gibt nur wenige ruhige Momente und der hektischen elektronischen Filmmusik noch verstärkt. Der Geräuschpegel rumort in unseren Köpfen.

Das Brüderpaar war stark beeinflusst von der eigenen Familiengeschichte. Wie Howard entstammen sie einer jüdischen Familie und ihr eigener Vater arbeitete selbst im Diamond District in New York. Hier reihen sich an einem Häuserblock die Juweliere aneinander. Es ist ein Viertel, wo Geschäfte über enorme Summen noch per Handschlag besiegelt werden. Ihre Vorstellung von New York im Jahr 2012 ist eine ganz andere als man sie sonst für gewöhnlich in Filmen sieht. Dies hier ist kein Ort an dem man sein möchte. Die Stadt draußen nicht und schon gar nicht der beklemmend enge, fensterlose Laden Howards mit seiner doppelten Sicherheitstüre. Von Kameralegende Darius Khondji wird das Setting in ein grünliches Neonlicht getaucht.

Es wurde oft gesagt aber hier spielt Adam Sandlers die Rolle seines Lebens. Man möchte dem Mann in der schwarzen Lederjacke fast zu Hilfe kommen oder die Augen verschließen. Dies ist eine der spannendsten und beeindruckendsten schauspielerischen Leistungen der letzten Jahre. Dass Sandler bei den Oscars im letzten Jahr übergangen wurde, haben heute noch viele der Academy nicht verziehen. Nebenbei ist das gesamte Ensemble eine Erwähnung Wert: Idina Menzel als Howards Noch-Ehefrau Dinah, Jud Hirsch als Schwiegervater Gooey und Julia Fox als Howard Angestellte und Liebhaberin. Irgendwie ist Der schwarze Diamant auch ein jüdischer Familienfilm. Aber sehr speziell.

Immer wieder entsteht der Eindruck, Howard stünde kurz vor der Lösung all seiner Probleme. Die Erlösung scheint zum greifen nahe. Doch genauso schnell kommt die Ernüchterung und die Erkenntnis, dass daraus wohl nichts werden wird. Zu allem Überfluss steht auch noch seine Ehe vor dem Ende. Es ist seine Spielsucht, die ihn anreibt – das Spiel selbst und nicht die hohen Geldsummen, die in Aussicht stehen. Bald müssen wir erkennen, dass wir in Der schwarze Diamant selbst in Howards wirrem Kopf festsitzen und es keine Erlösung geben kann. Eine große Empfehlung für alle, die sich auf ein intensives und berauschendes Filmerlebnis einlassen möchten. Brutal genial.

Der schwarze Diamant [OT: Uncut Gems]

Thriller, USA 2019
Regie Benny Safdie, Josh Safdie
Kamera Darius Khondji
Schnitt Ronald Bronstein, Benny Safdie
Musik Daniel Lopatin
Mit Adam Sandler, Lakeith Stanfield, Julia Fox, Kevin Garnett
Länge 130 Min.
Streamingdienst Netflix

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Es ist ein historisches Detail mit großer wissenschaftlicher Tragweite. Die Ausgrabung handelt von der wichtigsten archäologischen Entdeckung Großbritanniens. Als zwei Seelenverwandte sind Carey Mulligan und Ralph Fiennes zu sehen, denen aus unterschiedlichen Gründen die Zeit davon läuft. Eingebettet in die wunderschöne Landschaft im Osten Englands erzählt der Historienfilm eine kleine Geschichte von der Vergänglichkeit.

Darum geht es

Es ist das Jahr 1939, als in Suffolk (im östlichsten Teil Großbritanniens gelegen) die Landbesitzerin und Archäologin Edith Pretty (Carey Mulligan) den lokalen Hobbyarchäologen Basil Brown (Ralph Fiennes) anheuert, um ein paar Erdhügel auf ihrem Grundstück zu untersuchen. Sie vermutet archäologischen Schätze darunter. Auch Brown hält das für möglich. Er hatte schon früh die Schule verlassen und für seine Theorie, die Hügel seien angelsächsischen Ursprungs und nicht Spuren der Wikinger (also bedeutend älter), wird er von seinen Kollegen belächelt.

Und doch: er soll recht behalten. Unter einem Hügel befindet sich ein angelsächsisches Bootsgrab. Schnell zieht die Ausgrabungsstätte das Interesse des British Museum in London auf sich. Brown wird die Leitung durch den renommierten Archäologen Charles Phillips (Ken Scott) entzogen. In seinem Team befinden sich das Ehepaar Peggy (Lily James) und Stuart Piggott (Ben Chaplin). Die fotographische Dokumentation übernimmt Rory Lomax (Johnny Flynn). Zwischen ihm und Peggy entwickelt sich eine Romanze.

Der Gesundheitszustand von Edith Pretty verschlechtert sich dramatisch und sie wird immer schwächer. Ihr letztes Anliegen ist es, dass Basil Brown die verdiente Anerkennung für seine Arbeit zu Teil wird. Gleichzeitig rückt der Kriegseintritt Englands immer näher.

Kommentar

Peggy und Basil könnten unterschiedlicher nicht sein. Sie, eine wohlhabende Grundbesitzerin und er ein Schulabbrecher, der gegen einen geringen Lohn im nahen Provinzmuseum arbeitet. Sie verbindet die Leidenschaft der Erforschung vergangener Zeiten. Es ist ein Aufbegehren gegen das Vergessen. Was bleibt? Was hinterlassen wir? Für Basil spielt nicht die Vergangenheit jene Rolle, die man der Archäologie zuschreiben würde, sondern die Zukunft. Für die ist es von Bedeutung die eigenen Wurzeln zu kennen und zu wissen wo wir herkommen.

Die Ausgrabung ist ein leiser und unaufgeregter Historienfilm. Die beiden Hauptdarsteller sind von Melancholie und Wehmut geprägt. Ihre gemeinsame Leidenschaft gibt ihnen alle Lebenskraft. Mulligan beeindruckt als schwerkranke Peggy. Fiennes wächst durch seine ruhige und liebenswürdige Art ans Herz. Sie sind die Stars des Films – und natürlich die englische Landschaft. Eingefangen von Kameramann Mike Eley und in warmes Licht getaucht, erinnern die Bilder ein wenig an dass Duo Malick/Lubezki. Auch die Dialoge aus dem Off, die öfter über die schweigenden DarstellerInnen gelegt werden, sind von Malicks schwer zugänglichen Filmen bekannt. Allerdings schlägt Die Ausgrabung nicht in diese Kerbe und ist leichte Kost. Auf die große Leinwand würde er aber allemal gehören.

Es ist ein Film der kleinen Details und Zwischentöne. Dazu zählt zum Beispiel die Beziehung von Basil zu Ediths Sohn Robert (Archie Barnes). Trotzdem gerät der Film aber ins Stocken. Die erfundene Romanze als Nebenstory ist kein Gewinn und darauf zurückzuführen, dass die Geschichte allein auf einem archäologischen Bericht beruht. Das bleibt aber das Grundproblem des Filmes. Im Laufe der Zeit verliert der Film den Fokus auf seine beiden Hauptdarsteller und wir verlieren immer mehr das Interesse. Dem Score gelingt es auch nicht, die Erzählung zu intensivieren. Die Klavierklänge sind nicht mehr als nervend und meist unpassend.

Die Ausgrabung ist ein schön anzusehender Film mit zwei großartigen Hauptdarstellern (und beachtlichen Leistungen in den kleineren Rollen). Mehr aber leider auch nicht. An anderer Stelle wurde bemerkt, dass der Stoff an James Ivorys Filme der 1990er erinnert, ihm aber die literarische Grundlage fehlt.

Die Ausgrabung [Originaltitel: The Dig]

Drama, USA/UK 2021
Regie Simon Stone
Kamera Mike Eley
Schnitt Jon Harris
Musik Stefan Gregory
Mit Carey Mulligan, Ralph Fiennes, Lily James
Länge 112 Min.
Streamingdienst Netflix

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Wie würden jugendliche Burschen Politik machen, wenn sie die Möglichkeit dazu hätten? Boys State ist ein in zahlreichen Bundesstaaten der USA stattfindendes Experiment und ermöglicht ihnen genau das, nämlich demokratische Strukturen kennenzulernen und auch gleich praxisnah auszuprobieren. Die viel gepriesene Dokumentation erhielt beim Sundance Filmfestival den Preis der Jury. Sie verrät viel über das aktuelle Politikverständnis in den Vereinigten Staaten.

Darum geht es

Zu Beginn des eine Woche dauernden Camps werden rund tausend Jugendliche per Zufall in zwei Gruppen aufgeteilt, die das Zweiparteiensystem in den USA widerspiegeln sollen. Das Ziel ist klar: am Ende soll ein Gouverneur gewählt werden. Zuerst muss jedoch ein Programm geschrieben werden, ein Parteivorsitzender und eine Reihe anderer Posten besetzt werden. Bereits am ersten Abend beginnen die Kandidaten Unterstützungsunterschriften zu sammeln und schon nach wenigen Stunden kristallisiert sich heraus, wer jene mit den größten Ambitionen sind.

Kommentar

American Legion, eine Non-Profit Organisation bestehend aus Veteranen, veranstaltet jedes Jahr Boys und Girls State Jugendcamps in den USA. Deren Geschichte geht bis an den Anfang des 20. Jahrhunderts zurück und sie waren ursprünglich von Camps in der Sowjetunion inspiriert. Sie entwickelten sich jedoch bald zu einem Programm, dass jungen Menschen die Dynamiken von Politik und Demokratie näher bringen sollte. Heute nehmen jedes Jahr rund 20.000 Jugendliche teil. Die Auswahl ist elitär. Für gewöhnlich schickt jede High School insgesamt nur ein bis zwei Studenten aus den letzten beiden Jahrgängen. Die Teilnahme ist gleich die Eintrittskarte für College und Militärakademie.

Die Inhalte des Boys/Girls State Camps variieren leicht. Mal geht es um einen fiktiven Prozess oder einen speziellen Fokus auf Bildung aber meist läuft es so ab, wie es in der Dokumentation Boys State (gedreht 2018 in Austin, Texas) nun zu sehen ist. Es gibt eine strikte Trennung zwischen Mädchen und Jungen. Die Regisseure arbeiten gerade an einer Dokumentation über Girls State.

Das verspricht auf jede Fall spannend zu werden, denn was passiert in Boys State? Sie machen das, was man von der männerdominierten Politiklandschaft ohnehin kennt. Mehrheiten zu finden ist in der Demokratie unumgänglich, wenn man erfolgreich sein möchte. Die eigene Werte und Prinzipien werden schnell hintangestellt. Jeder glaubt, über die Rechte von Frauen bestimmen zu können und zu wissen, was für sie das Beste ist. Das Thema Abtreibung ist allgegenwärtig.

Die Teilnehmer bilden eine Mischung aus großen ehrgeizigen politischen Talenten (auch Bill Clinton nahm einst teil), Schnöseln und Besserwissern. Zumindest jene, die sich das Regieduo herausgepickt hat. Sie sind es, die die Zukunft der USA bestimmen werden und sie haben erstaunlich schnell begriffen, wie der Hase läuft. Idealismus und revolutionäre Gedanken muss man hier lange suchen.

BOYS STATE | AMANDA MCBAINE, JESSE MOSS | USA 2020 | 109 MIN. | [usr 4]

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Ein weiteres aussergewöhnliches Regiedebüt aus dem Jahr 2020 kommt von Radha Blank. In ihrem semi-autobiographischen Film Mein 40-jähriges Ich spielt sie eine Dramatikerin mit gleichem Namen, sozusagen eine Version ihrer selbst und beschreibt die Tiefen einer künstlerischen Existenz zwischen Frau sein und Schwarz sein auf eine humoristische Weise und einem hohen Grad an Authentizität. Beim Sundance Filmfestival erhielt sie dafür den Regiepreis.

Darum geht es

Die Dramatikerin Radha (Radha Blank) steht kurz vor ihrem 40. Geburtstag. Große Erfolge liegen lang zurück. Einst war sie eines der vielversprechendsten Talente unter 30 (von dieser Auszeichung zehrt sie noch heute). Nun befindet sie sich in einer Sinnkrise. Der Theaterunterricht an einer Schule dient mehr zum Broterwerb, als der künstlerischen Erfüllung. Zumal die StudentInnen ihr mit wenig Respekt begegnen. Da hat sie die Eingebung, sich als Rapperin zu versuchen. Dazu begibt sie sich nach Brooklyn zum angesagten DJ D (Oswin Benjamin). In der Zwischenzeit versucht ihr langjähriger Freund und Manager Archie (Peter Y. Kim) für sie ein Engagement bei dem einflussreichen Produzenten und Theaterdirektor Josh Whitman (Reed Birney) einzufädeln. Radha ist von dem arroganten Selbstdarsteller weniger begeistert.

Kommentar

Radha Blank verpackt eine ganze Latte an Themen in ihren Regieerstling. Ihre Protagonistin steckt in der Midlifecrisis, die allerdings nicht unwesentlich durch die äußeren Umstände bestimmt wird, die auf eine schwarze 40-jährige Künstlerin einwirken. Genderfragen, Rassismus und sexuelle Belästigung erweitern das Spektrum. Sie blickt zurück auf ihre Erfolge, kann daran aber gerade nicht anschließen. Heute versucht sie unabhängig von Weißen zu arbeiten und zu leben. Dazu lastet der jüngste Tod ihrer Mutter auf ihr.

Diese war selbst Künstlerin. Nun muss Radha mit ihre Bruder deren Gemälde in einem Lager verstauen. Was bleibt für die Nachwelt? Diese Frage stellt sie sich. Gleichzeitig beflügelt es sie, etwas für sie völlig Neues auszuprobieren. Der Fremdbestimmung durch Weiße kann sie sich aber nicht entziehen. Die schwarze Theaterwelt ist notorisch unterfinanziert. Dort reicht das Geld nicht einmal um die Miete zu bezahlen. Sie begibt sie ich, wie Ma Rainey fast 100 Jahre vor ihr in die Hände eines weißen Produzenten (siehe auch Ma Rainey’s Black Bottom). Der Produzent Whitman ist aber nur an Black-poverty-porn interessiert, was Radha mehr als verabscheut. Sie versucht sich dem Bild zu widersetzen, das Weiße von Schwarzen gerne hätten.

Mein 40-jähriges Ich ist ein erfrischend kantiges und raues Debüt in Schwarzweiß. Eine Abrechnung mit der gegenwärtigen New Yorker Theaterwelt. Blanks Humor ist sehr subtil und funktioniert oft nur durch kleine Gesten. Radha Blank zeigt eine starke Frau mit Mut zur Selbstironie und Selbstkritik. Sie möchte als Künstlerin ernstgenommen und wertgeschätzt werden. Darum geht es hier im Kern. Man spürt ihre Leidenschaft, innere Verzweiflung und kreative Kraft. Wir sehen ein neues vielversprechendes Multitalent.

THE 40-YEAR OLD VERSION | RADHA BLANK | USA 2020 | 123 MIN. | [usr 4]

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Aufsehenerregende Geschichten nach wahren Begebenheiten finden in der ein oder andere Form früher oder später ihren Weg auf die Leinwand. So verhält es sich auch mit The Assistant von Kitty Green und dem Weinstein-Skandal. Sogar das mit der Leinwand stimmt in diesem Fall. Das Drama um sexuellen Missbrauch am Arbeitsplatz feierte bei der Berlinale im Februar 2020 Premiere. Der Film zeichnet sich durch eine außergewöhnlich wirkungsvolle subtile Herangehensweise aus. Ein weiteres gelungenes Spielfilmdebüt in diesem Jahr.

Darum geht es

Julie (Julia Garner) sitzt seit fünf Wochen im Vorzimmer eines Filmproduzenten. Als seine Assistentin kommt sie als erste ins Büro und verläßt es spät Abends als letzte. Termine koordinieren, kopieren, saubermachen und Kinder betreuen sind nur ein kleiner Teil ihrer Aufgaben. Als Mädchen für alles kann sie es trotz sehr guter Qualifikation nie allen recht machen. Ihre zwei männlichen Kollegen im Raum lassen ihr im Büro keinerlei Privatsphäre. Ständig wird sie für private Angelegenheiten eingespannt aber ist für die anderen trotzdem so gut wie unsichtbar.

Als ihr Chef eine zusätzliche Sekretärin einstellt, erhärten sich die Indizien, dass diese nur wegen ihres Aussehens ausgewählt wurde und dem Chef als sexuelle Gespielin dienen soll. Sie wendet sich mit ihrem Verdacht an den Personalleiter (Matthew Macfadyen). Dort muss sie aber erkennen, dass hier ein System dahinter stecken dürfte. Sie bekommt nur den Hinweis mit auf den Weg, sie brauche sich keine Sorgen zu machen, da sie nicht nicht sein Typ sei.

Kommentar

Die Handlung von The Assistant erstreckt sich über einen Arbeitstag von Julie. Als Zuseher nimmt man ihre Perspektive ein und es ist ihr Gesicht, das den gesamten Film prägt. Über ihre Blicke nehmen wir nicht nur ihre Gefühlswelt, sondern auch die Umgebung war. Den Boss, den sieht man nicht. Wir kennen nur seine Stimme am Telefon, wenn er Julie wieder einmal maßregelt, wenn sie eine Aufgabe, die meist von Vorhinein nicht ihr gewesen wäre, nicht nach seine Wünschen erledigt hat. Oder hören sein Lachen durch die verschlossene Tür.

Ihre zwei Zimmerkollegen ignorieren sie völlig, sind aber schnell unaufgefordert zu Stelle, wenn Julie wieder einmal ein Entschuldigungsmail an ihren Chef verfassen muss. Bestenfalls werfen sie ihr skeptische Blicke zu, wenn sie versucht, ein Problem zu lösen. Meist spricht Julie man Telefon, darüber hinaus gibt es kaum Dialoge und wenn, dann nur bruchstückhafte Gespräche.

Der Ton trägt in The Assistant viel zur atmosphärischen Stimmung bei. Die Kamera meist auf Julie gerichtet, spielen sich fast sämtliche Gespräche außerhalb unseres Blickfeldes ab. Musik von Tamar-kali gibt es nur in der ersten und letzten Szene. Dafür ist das ständige Surren der Lüftungsanlage zu hören. Satzfragmente und Stimmengewirr im Hintergrund lassen das Publikum in das Büro eintauchen. Dabei möchte man das eigentlich überhaupt nicht. Regisseurin Kitty Green gelingt es, eine klaustrophobische Atmosphäre des Unbehagens zu erzeugen. Die Bildsprache ist von klaren Linien bestimmt, die Farben sehr reduziert. Das Büro wirkt beinahe wie ein Gefängnis, die Stimmung erinnert an einen modernen Horrorfilm.

Langsam entsteht in Julies Kopf und damit gleichzeitig in unseren Köpfen ein Bild davon, was in dieser Firma vor sich geht. Man sieht es aber nicht. Trotzdem besteht kein Zweifel daran. Indirekte Bestätigung erfährt sie durch die Reaktionen der Kollegen. In diesem Moment wird klar, dass sie völlig alleine dasteht und von niemanden Unterstützung erfahren wird. Ganz im Gegenteil: der Rest der Belegschaft hat sich längst angepasst.

Die kühle und reduzierte Herangehensweise an ein Thema, für das erst vor wenigen Jahren ein entsprechendes Bewusstsein geschaffen wurde, machen The Assistant zu einem besonderen Film. Die eigentliche Tat ist darin so unsichtbar, wie im realen Leben versteckt hinter Bürotüren. Alle wissen es. Keiner unternimmt etwas. Dabei beginnt der systematische Missbrauch einer Machtposition durch kleine Gesten und Verhaltensmuster schon viel früher und gehört zum Büroalltag. Das Herz des Filmes ist jedenfalls die schauspielerische Leistung von Julia Garner, die fast zur Gänze ohne Dialoge auskommen muss. Eine Frau ohne Stimme umgeben von widerwärtigen Männern.

The Assistant ist übrigens einer von zwei großartigen Filmen im Jahr 2020, die sich mit Frauenschicksalen auseinandersetzen und auf der Bewertungsplattform Rotten Tomatoes eine auffällige Diskrepanz zwischen Kritiker- und Publikumsbewertung aufweisen, nämlich 92% zu 25%. Bei Never Rarely Sometimes Always, einem Film über Abtreibung, ist das Verhältnis 99:20.

THE ASSISTANT | KITTY GREEN | USA 2019 | 88 MIN. | [usr 4,5]

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