Schlagwort: 2020

Jetzt im Kino

Einmal mehr entpuppte sich das Sundance Film Festival im vergangenen so anderen Filmjahr 2020 mit The Father als ein Ort der hochqualitativen Kinounterhaltung. Das Regiedebüt des Autors Florian Zeller zeigt die beiden herausragenden Darsteller Anthony Hopkins und Olivia Coleman in einem herzzerreißenden Kammerspiel. Der Film führt uns in ein Labyrinth, aus dem es kein Entkommen zu scheinen gibt. Zumindest nicht für den von Hopkins gespielten schwer demenzkranken Protagonisten. Großes Kino.. Das Drama war 2021 gleich 6-fach mit einem Oscar nominiert. Zeller wurde gemeinsam mit Christopher Hampton für das Drehbuch ausgezeichnet. Anthony Hopkins wurde daheim spät Nachts mit seinem nach 1992 zweiten Oscar als Hauptdarsteller überrascht.

Darum geht es

Anthony (Anthony Hopkins) lebt bei seiner Tochter Anne (Olivia Coleman) in einer Londoner Wohnung. Sie plant die Stadt zu verlassen. Er ist gezeichnet von einer Demenzkrankheit und so sucht die Tochter für ihren Vater eine Betreuung. Gerade erst hat eine Pflegerin die Flucht ergriffen. Der Umgang mit Anthony ist für alle eine Herausforderung. Nicht zuletzt ist es auch für ihn selbst eine enorme Belastung, da er die Kontrolle über sein eigenes Leben längst verloren hat.

Kommentar

The Father basiert auf dem gleichnamigen Bühnenstück des französischen Autors Florian Zeller. Seit dessen Uraufführung im Jahr 2012 feiert das Stück weltweit Erfolge und wurde 2015 bereits von Philippe Le Guay einmal unter dem Titel Floride mit Jean Rocheford (es war sein letzter Auftritt vor seinem Tod 2017) und Sandrine Kiberlain in den Hauptrollen verfilmt.

Es mag viele Zugänge geben, wie man sich einer Krankheit wie der Demenz im Film annähert. Zuletzt bekam Julianne Moore im Jahr 2015 für ihre Darstellung einer Demenzkranken in Still Alice – Mein Leben ohne Gestern (2014) den Oscar für die Beste Hauptrolle. Zeller (Drehbuch mit Christopher Hampton) wählt einen völlig anderen Zugang. The Father hat seinen geistigen Verwandten wohl eher in Michael Hanekes ebenfalls Oscar-prämierten Film Liebe (2012) über das Altern mit Jean-Louis Trintignant und Emmanuelle Riva.

Zeller zieht alle Register, die das Medium Film in den Bereichen Schnitt und Setdesign zu bieten hat, um uns schon nach wenigen Minuten in die Irre zu führen. Für einen Moment glaubt man sich in einem klaustrophobischen Horrorfilm verlaufen zu haben. Die Wandfarbe, die Bilder und die Kücheneinrichtung schaffen Verunsicherung. Die Londoner Wohnung, in der der Film fast ausschließlich spielt, scheint ein Eigenleben zu haben. Und erst die Menschen darin! Hier ist große Aufmerksamkeit gefragt.

Anthony ist unser Bezugspunkt und wir sehen die Dinge mit seinen Augen. Wir befinden uns in seiner Wohnung und wenn seltsames passiert, zweifeln wir nicht an dem, was wir sehen. Das ist Zellers großer Clou. Ohne dass wir es bemerkt haben, befinden wir uns in Anthonys Kopf. Zeit und Raum folgen hier anderen Gesetzen. Unzählige Male sucht Anthony seine Armbanduhr. Solange er sie trägt, gibt ihm die Zeit einen, wenn nicht den einzigen Orientierungspunkt. Gemeinsam mit ihm werden wir immer hilfloser. Gerade als wir glauben uns auszukennen, schlägt der Film einen neuen Haken.

Die ganze Kraft schöpft der Film aus Anthony Hopkins‘ und Olivia Colemans grandiosen schauspielerischen Leistungen. Auf eine unterschiedliche Art und Weise sind beide von Verzweiflung gezeichnet. Anne, weil sie mit ihrem Vater nicht mehr fertig wird und Anthony, da ihm seine Krankheit gar nicht bewusst ist und er sich vieles einfach nicht mehr erklären kann. Der Schluss ist so niederschmetternd, wie das Leben nur sein kann. In gewisser Weise beschreibt es den Kreislauf eines Menschenlebens. Hilflos werden wir in die Welt geboren und hilflos sind wir, wenn uns Alter und Krankheit einholen.

The Father

Drama, UK 2020
Regie Florian Zeller
Drehbuch Christopher Hampton, Florian Zeller (Nach dem eigenen Bühnenstück)
Kamera Ben Smithard
Schnitt Yorgos Lamprinos
Musik Ludovico Einaudi
Mit Anthony Hopkins, Olivia Coleman,
Länge 98 Min.

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Einer der ungewöhnlichsten und spannendsten Filme des vergangenen Jahres ist das Debüt der Regisseurin Emerald Fennell. Promising Young Woman nimmt sich der #MeToo Bewegung an und geht dabei in die Offensive. Es ist ein radikaler und bunter Thriller und geht somit einen völlig anderen Weg als wir ihn zuletzt in The Assistant gesehen haben. In der Hauptrolle ist die großartige Carey Mulligan zu sehen. Fennells Drehbuch wurde mit einem Oscar ausgezeichnet.

Darum geht es

Cassie (Carey Mulligan) ist eine Eigenbrötlerin. Sie ist Ende 20, arbeitet in einem Coffeeshop und wohnt noch bei ihren Eltern. Abends frönt sie einem höchst seltsamen Hobby: Sie stellt sich betrunken und läßt sich in Bars von Männern abschleppen. Die nutzen die Situation zuverlässig aus und werden übergriffig. Bis Cassie den Spieß umdreht und die Männer geschockt zurückbleiben. Nach und nach erfahren wir, dass ihr Verhalten mit einer früheren Studienkollegin und besten Freundin Nina zusammenhängt, der Furchtbares zugestoßen ist. Cassie begrub ihren Traum vom Medizinstudium und gab alles auf um sich fortan auf einen Rachefeldzug zu begeben. Als sie ihren alten Studienkollegen Ryan (Bo Burnham) wieder trifft und sich die Beiden näher kommen, scheint sich das Blatt für Cassie zum Guten zu wenden. Doch dann wird sie selbst von der Vergangenheit eingeholt und schmiedet einen fatalen Plan.

Kommentar

Es ist Carey Mulligans große Stunde. Cassie ist einer der spannendsten Charaktere der jüngsten Filmgeschichte. Es ist eine Freude, Mulligan dabei zuzusehen, wie sich uns und den Männern im Film immer mehr offenbart und nach und nach in ihr Innerstes Blicken lässt. Am Anfang ist hier nichts wie es scheint und im Laufe der Handlung wird das Publikum mehrmals an der Nase herumgeführt.

Es ist ziemlich genau in der Mitte des Filmes, als die Grundstimmung kurz umschlägt und Cassie Momente des Glücks beschert. Man ist aber misstrauisch und glaubt zu wissen, dass das Unvermeidliche passieren muss. Doch Emerald Fennell ist uns immer einen Schritt voraus und das macht Promising Young Woman so spannend und unterhaltsam. Was nicht darüber hinwegtäuscht, dass die Protagonistin schwer traumatisiert ist. Cassies Psyche spiegelt sich in der Tonalität des Filmes wieder. Mal unterhaltsam und im nächsten Moment tot ernst.

Der Film trifft den Nerv der Zeit. In der ersten Einstellung sieht man Männer in einem Nachtclub tanzen, die Kamera bleibt auf Hüfthöhe. Dort und da als männerfeindlich kritisiert, ist das aber nur eine sehr oberflächliche Betrachtungsweise. Vielmehr hält Fennell der männlichen Gesellschaft den Spiegel vor. Das kann unangenehm sein. Die Kontroverse gipfelte in einer Kritik von Variety. In dem der Kritiker fand, dass Mulligan für die Rolle nicht verführerisch genug sei, zog er nicht zuletzt den Unmut von Mulligan selbst auf sich. Margot Robbie, sie ist Co-Produzentin, wäre die bessere Wahl gewesen, meinte der Journalist. Das Branchenblatt versah die Kritik im Nachhinein mit einem entschuldigenden Vermerk. Die an sich positive aber sonst unrühmliche Kritik von Dennis Harvey ist hier nachzulesen.

Promising Young Woman ist Pop. Schrill, bunt und mit einem wunderbaren Soundtrack (Am Ende mit einer tollen Coverversion von Britney Spears‘ Toxic). Es ist eine emotionale Achterbahnfahrt, ein unterhaltsames Filmvergnügen mit ernstem Hintergrund.

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Promising Young Woman [usr 4,5]

Drama, USA 2020
Regie Emerald Fennell
Kamera Benjamin Kracun
Schnitt Frédérick Thoraval
Musik Anthony B. Willis
Mit Carey Mulligan, Bo Burnham,
Länge 113 Min.

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Jetzt nur im Kino

Es kommt immer wieder vor, dass am Ende einer mit der Oscar-Verleihung endenden Filmsaison (Sie wurde in diesem Jahr auf den 25. April verschoben), ein Film hervorsticht, auf den sich so gut wie alle einigen können. In diesem Jahr sieht es ganz so aus, als wäre es Nomadland von Chloé Zhao. Mit der großartigen Frances McDormand in der Hauptrolle, trifft der Film fast prophetisch Mitten ins Herz einer Krise, in der immer mehr Menschen unter die Räder kommen und sich unter widrigen Bedingungen über Wasser halten müssen.

Darum geht es

Fern (Frances McDormand) hat alles verloren. Ihren Mann, ihre Arbeit, ihren Wohnort. Nach der Schliessung einer Fabrik, wird die Postleitzahl ihrer Heimatstadt Empire einfach ausgelöscht. Die Frau lebt nun in einem Van und verdingt sich als Tagelöhnerin. Das Jahr wird durch den Kreislauf diverser Jobs bestimmt. Vor Weihnachten macht sie Station bei Amazon. Sie ist nicht allein: es gibt eine ganze Gruppe von Menschen, die wie Nomaden leben, abgeschieden und ohne festen Wohnsitz. Im Laufe des Jahres kommt man da und dort zusammen, auch um der tristen Einsamkeit zu entgehen.

Kommentar

Man muss sich vorstellen, dass Nomadland natürlich vor der derzeit vorherrschenden Pandemie entstanden ist. Inspiriert von dem 2017 erschienenen Buch Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century von Jessica Bruder und dem Antikapitalsten Bob Wells (im Film spielt er sich selbst) fanden die Dreharbeiten bereits im Jahr 2018 statt. Der Film wurde am 11. September 2020 bei den Filmfestspielen von Venedig und dem Toronto Filmfestival mit gleichzeitigen Filmvorführungen erstmals dem Publikum präsentiert. In Venedig wurde der Film mit dem Goldenen Löwen ausgezeichnet.

Frances McDormand ist in der Rolle ihres Lebens zu sehen. Fern ist trotz aller Schicksalsschläge ein lebensfroher und großherziger Mensch. Die Leichtigkeit in McDormands Schauspiel ist beeindruckend. Neben David Strathairn als David spielen LaiendarstellerInnen, deren Rollen an ihr eigenes Leben angelehnt sind und sie lassen die Grenzen zwischen Spielfilm und Dokumentation verschwimmen. Das war bereits in Zhaos beeindruckenden letzten Film The Rider (USA 2017) so, in dem sich ein Rodeoreiter selbst spielte.

Jeder der schon einmal in den USA war kennt sie, die im Dienstleistungssektor arbeitende Generation 60 plus. Eigentlich schon zu alt um noch zu arbeiten aber gleichzeitig zu arm um ihren Ruhestand genießen zu können. In den letzten Jahren hat sich eine eigene Gruppe von Menschen gebildet, die in Vans und Wohnwägen wie Nomaden durchs Land ziehen und deren Wege sich immer wieder kreuzen. Nicht zuletzt die Finanzkrise 2008 hat sie in diese Lage gebracht.

Sie erleben ein Freiheitsgefühl und vielleicht ist es nur die Illusion von Unabhängigkeit aber diese Menschen sind nicht verarmt oder gar verwahrlost und haben sich sehr wohl für diese Lebensart entschieden. Gerade die Besitzlosigkeit empfinden sie als befreiend. Chloé Zhao gelingt die Gratwanderung Menschen zu zeigen, die ihre Freiheit lieben, ohne ihre prekäre Situation zu romantisieren. Denn gerade die medizinische Altersversorgung ist katastrophal.

Im Grunde leben diese Nomaden ein für den Planeten verträglicheres Leben als wir alle, eng in Einklang mit der kalten, rauen und weiten Landschaft Nordamerikas. Zhao wirft einen längst notwenigen Blick auf die Auswüchse eines kapitalistischen Systems, in dem die Reichen immer reicher werden und andere sich keine Wohnung mehr leisten können. Die Regisseurin macht das ohne diese Menschen als Opfer zu brandmarken. Ihre Filme sind von einer triefen Humanität geprägt.

Dieser Text wurde im Rahmen der Viennale 2020 verfasst.

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Bei der Oscar-Verleihung 2021 wurde Nomadland vier Mal ausgezeichnet:

BESTER FILM für Molly Asher, Dan Janney, Frances McDormand, Peter Spears und Chloé Zhao

BESTE REGIE für Chloé Zhao

BESTE HAUPTDARSTELLERIN für Frances McDormand

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Nomadland

Drama, USA 2020
Regie, Drehbuch und Schnitt Chloé Zhao
Kamera Joshua James Richards
Musik Ludovico Einaudi
Länge 108 Min
Streamingplattform Derzeit in Österreich nicht verfügbar

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Bis 28. April verfügbar auf der Seite des

goEast> Filmfestival

Es gilt als das schwerste Kriegsverbrechen in Europa seit dem 2. Weltkrieg. 2020 jährte sich das Massaker von Srebrenica zum 25. Mal. Die Regisseurin Jasmila Žbanić zeigt die Tage rund um das Massaker aus der Perspektive der Lehrerin und Dolmetscherin Aida. Die internationale Koproduktion mit der Beteiligung von coop99 und dem Film und Fernsehabkommen des ORF wurde auch vom Filmfonds Wien unterstützt. Quo Vadis, Aida? lief im Wettbewerb der Internationalen Filmfestspiele von Venedig und ist bei den Oscars 2021 als Bester Fremdsprachiger Film nominiert. Polyfilm bringt den Film voraussichtlich kommenden Sommer in die österreichischen Kinos.

Darum geht es

Es ist Juli 1995. Der Krieg am Balkan dauert nun schon über drei Jahre an. Die bosnisch-serbische Armee hat die Kontrolle über die Republik Bosnien und Herzegowina übernommen. Es sind die Tage und Stunden vor dem Massaker von Srebrenica, bei dem über 8000 Bosniaken ermordet wurden. Das Verbrechen wurde unter der Führung von Ratko Mladić von der Armee der Republika Srpska, der Polizei und serbischen Paramilitärs verübt. 

Die Lehrerin Aida (Jasna Đuričić) ist als Übersetzerin in der UN-Schutzzone tätig. Der niederländische Offizier Thomas Karremans (Johan Heldenbergh) hat das Kommando über die leicht bewaffnete Schutztruppe der Vereinten Nationen. Die Lage ist sowohl für die Schutzbedürftigen als auch die Soldaten prekär, da die Versorgungslinien abgeschnitten wurden. Aida versucht ihre Familie, die vor einem UN-Stützpunkt auf Einlass wartet, in Sicherheit zu bringen. Als Übersetzerin ist sie anwesend bei den Verhandlungen zwischen der UN und Mladić (Boris Isakivić). Sie weiß längst, das der General die Staatengemeinschaft an der Nase herumführt.

Als die feindliche Armee näher rückt, fordert Karremans Verstärkung an. Diese wird von der Generalversammlung nicht gewährt. Die Soldaten können nur tatenlos zusehen, wie tausende Menschen unter dem Kommando von Mladić in Bussen abtransportiert werden.

Kommentar

Aida ist das Entsetzen ins Gesicht geschrieben. Schon Tage vor dem 11. Juli 1995 scheint klar zu sein, welche Katastrophe sich in der Kleinstadt Srebrenica anbahnt. Tausende Menschen sind seit Tagen von der Versorgung abgeschnitten. Hilfslieferungen werden von der Armee der Republika Srpska und deren Handlanger abgefangen. Der Präsident der Republik Srpska Radovan Karadžić hatte den Befehl gegeben, die Region auszuhungern. Die Rolle der UN-Einheit unter dem Kommando von Thomas Karremans ist bis heute nicht eindeutig geklärt. Klar ist, dass sie gegen einen Angriff der Armee nicht gerüstet waren. Von Mladićs Schergen angefertigte Videoaufnahmen belasten die UN jedoch schwer. Das Nichteinschreiten der Vereinten Nationen hat den Ruf der Institution nachhaltig beschädigt.

Die Kamera ist bei General Mladić für Propagandazwecke immer mit dabei. Am Ende der Dokumentation Himmel über Srebrenica (YouTube-Link), stossen der UN-Offizier Karremans und Mladić mit einem Schnaps an und verabschieden gemeinsam den Abzug der UN-Truppen. Der General kümmere sich nun selbst um die bosnischen Männer, Frauen und Kinder. In Quo Vadis, Aida kommen genau diese Szenen zwar nicht vor, doch Regisseurin Žbanić schafft es mit ihrer fast dokumentarischen Herangehensweise, das Geschehen mit einer gewissen analytischen Distanz – sofern dies überhaupt möglich ist – aufzuarbeiten. Einzig das Schicksal von Aida und ihrer Familie ermöglichen einen emotionalen Zugang.

Der technokratische Zugang ist auf beiden Seiten gleich. Mladić verfolgt klar ein Ziel und auch die Soldaten bewegen sich keinen Millimeter weg von den Vorgaben, auch als bereits klar zu sein scheint, welche Katastrophe sich hier anbahnt und Männer in unmittelbarer Nähe des Lagers erschossen werden. Die Gräueltaten hinterlassen ihre Spuren einzig auf der Tonspur. Zeigen tut sie Žbanić nicht. Das kommt dem Film zugute, da keine Bilder dem Schrecken gerecht werden können.

Der Umstand, dass die Hauptdarstellerin Jasna Đuričić Serbin ist, hat eine zumindest kleine Diskussion hervorgerufen. Ist gerade eine Serbin dafür geeignet, sich in das Leid der Bosniaken hineinzuversetzen? Für Đuričić sind alle Frauen gleich. Melisa Erkurt meint dazu, dass sie es gerade damals aber nicht waren. (Quelle: Falter/Erkurt, 15/21) Würde umgekehrt ein Jude einen Nazischergen spielen? Die Debatte ließe sich weiterspinnen. Nun ist Đuričić ganz klar das Herz des Filmes geworden. Die große Mehrheit des Publikums wird die Hintergründe nicht kennen und letzlich sind sie für den Film belanglos. Schließlich gibt es keine Sippenhaftung.

Quo Vadis, Aida? ist ein Kriegsdrama, dass sich weit weg von Kampfhandlungen abspielt und die humanitäre Katastrophe in den Fokus rückt, die oft im Verborgenen bleibt. Der Wahnsinn wird auf ein Schicksal, auf eine feministische Perspektive heruntergebrochen. Eine dramaturgische Überhöhung ist nicht notwendig. Ein Film, der unter die Haut geht.

Quo vadis, Aida?

Drama, BIH, AT, NL, DE, u.a. 2020
Regie/Drehbuch Jasmila Žbanić
Kamera Christine A. Mayer
Schnitt Jarosław Kamiński
Mit Jasna Đuričić, Izudin Bajrović, Boris Ler, Dino Bajrović, Boris Isakivić, Johan Heldenbergh
Länge 104 min
Streamingplattform bis 28. April 2021 auf der Seite des goEast Filmfestival verfügbar

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