Schlagwort: 2020

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Eine lange Reise hat das französische Drama Die Wütenden – Les Misérables von Ladj Ly hinter sich. Seit September 2020 bei Amazon Prime verfügbar, feierte einer der spannendsten Filme des vergangenen Jahres bereits 2019 bei den Filmfestspielen von Cannes seine Premiere und dort wurde ihm sogleich der Große Preis der Jury zugesprochen. Es folgte eine Nominierung für einen Oscar in der Kategorie Bester Internationaler Film. Der Film ist inspiriert von den Unruhen in den Pariser Vorstädten im Jahr 2005, bei denen auch Montfermeil betroffen war, wo diese Geschichte nun spielt. Victor Hugo siedelte seinen Roman Die Elenden (Les Misérables) in eben diesem Ort 20 km östlich von Paris an.

Darum geht es

Der Polizist Stéphane (Damien Bonnard) hat sich gerade in den Pariser Vorort Montfermeil versetzen lassen. Gemeinsam mit den zwei Kollegen Chris (Alexis Manteni) und Gwada (Djibril Zonga) lernt er auf ihren Fahrten ein multikulturelles Viertel kennen, das sich Salah (Almamy Kanouté) von der Muslimbruderschaft und ein selbsterahnter Bürgermeister (Steve Tientcheu) untereinander aufteilen. Die Lage ist latent angespannt aber weitgehend friedlich.

Als eines Tages ein Junge (Issa Perica) ein Löwenbaby aus einem in der Gegend gastierenden Zirkus stiehlt, droht die Lage zu eskalieren, nachdem einer der Polizisten in einem Tumult die Nerven verliert und den Buben verletzt. Die Folge ist eine Revolte von lokalen Jugendbanden, die die Polizisten in kürzester Zeit in große Bedrängnis bringen.

Kommentar

Präsenz zeigen. Darum geht es, wenn die drei Polizisten durch den Stadtteil Les Bosquets patrouillieren. Denn wenn es ernst wird, hätten sie ohnehin keine Chance sich durchzusetzen. So regelt sich das Leben in dem Vorort von Paris von selbst. Die einzelnen Gruppen leben nebeneinander. Man respektiert sich, geht auf Distanz. Das geht gut, solange es zu keinen Zwischenfällen kommt. Das Spielfilmdebüt des französischen Regisseurs Ladj Ly fängt die vorherrschende Atmosphäre gekonnt ein. Überall kann Gefahr lauern, das Fass scheint immer kurz vor dem Überlaufen zu sein.

Den drei Polizisten sieht man die permanente Anspannung an und sie gehen auf die unterschiedlichste Art und weise damit um. Während sich Gwada zurückhält und Stéphane seinen Platz erst finden muss, geht Chris auf Konfrontationskurs und nutzt seine Machtposition aus. Übrigens genauso, wie es die Vorgesetzte in der Polizeistation tut. Ein kleiner Seitenhieb auf die Verteilung der Geschlechterrollen.

In der Eröffnungssequenz wird gefeiert. Ganz Paris ist auf der Straße. Frankreich gewinnt die Fussball-WM 2018. Bevor in großen Buchstaben der Filmtitel erscheint, drängen sich die Massen auf dem Champs Elysees. Dann kommt der harte Schnitt. Was das mit der eigentlichen Geschichte zu tun hat? Die Kinder in Montfermeil laufen mit französischen Fahnen auf die Straße. Sie stammen zum Großteil aus den Ländern Nordafrikas. Genauso wie die Eltern von Kylian Mbappé, der im Finale der Fussball-WM gerade das letzte Tor geschossen hat. Mit dem Ende der Meisterschaft rücken die Kinder wieder an den Rand der Gesellschaft. Hier setzt Regisseur Ly in Die Wütenden – Les Misérables an.

Es ist ein Mikrokosmos mit eigenen Dynamiken und Gesetzen, fernab des repräsentativen Pariser Zentrums. Hier hat sich tatsächlich eine Parallelgesellschaft etabliert, ein Zustand, der durch die Notwendigkeit des Überlebens bestimmt wird. Hier zählt vor dem Gesetz nicht was passiert ist, sondern was bewiesen werden kann. Niemand schaut hier her, solange es keine Aufstände oder Unruhen gibt.

Die Wütenden – Les Misérables

Drama, USA 2019
Regie Ladj Ly
Drehbuch Ladj Ly, Giordano Gederlini, Alexis Manteni
Kamera Julien Poupard
Schnitt Flora Volpelière
Musik Marco Casnanova, Kim Chaprion
Mit Damien Bonnard, Alexis Manteni, Djibril Zonga, Issa Perica
Länge 105 Min.
Streamingdienst Amazon Prime

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Zwischenmenschliche Beziehungen sind bei Miranda July nichts weniger als bizarr. Bei ihrem erst dritten Spielfilm Kajillionaire ist das nicht anders. In den Filmen der vielseitigen Künstlerin sind die Einflüsse aus anderen Kunstrichtungen stets spürbar. Wir tauchen ein in die gar seltsam pastellfarbene Welt einer Familie von Kleinkriminellen. Sich auf Julys Filme einzulassen ist zugegeben für viele ein Wagnis und es ist nicht das, was wir gewohnterweise vorgesetzt bekommen. Die Regisseurin kombiniert die Absurdität aber mit Ironie und Witz. Das erleichtert den Zugang nicht nur, sondern unterhält uns bestens.

Darum geht es

Eine Familie, bestehend aus Vater Robert (Richards Jenkins), Mutter Theresa (Debra Winger) und deren Tochter Old Dolio (Evas Rachel Wood) schlägt sich als betrügerisches Trio durchs Leben. Das Verhältnis zueinander ist gelinde gesagt distanziert und nicht nur die Tochter hochgradig verhaltensgestört. Von Kind auf kennt sie nichts anderes, als das Überleben durch Gaunereien. Als sie eine Fluglinie hereinlegen wollen, um ihre Mietrückstände zu begleichen, gesellt sich Melanie (Gina Rodriguez) zur Familie und stell deren Leben auf den Kopf, natürlich ausgehend von einer an sich schon mehr als schrägen Konstellation. Old Dolio erhofft sich von Melanie jene Liebe und Zuneigung, die sie von ihrer Familie nie bekommen hat. Die Eltern versprechen sich zu bessern aber kann sie ihnen überhaupt je vertrauen?

Kommentar

Ein Überfall auf eine Postfiliale gleich zu Beginn trägt starke Züge von Perfomancekunst und gibt einen ironischen Ton vor. Old Dolio wird von ihren Eltern bloß als Mitarbeiterin angesehen. Die schlaksige junge Frau mit den etwas-zu-langen Haaren ist von Traurigkeit gezeichnet. Wer kann es ihr verdenken. Trotz Armut, dem Fehlen von menschlicher Zuneigung und einem trostlosen kalifornischen Industrieviertel ist Kajillionaire aber äußerst unterhaltsam.

Die Familie wohnt in einem an eine Seifenfabrik angrenzenden Büro. Das große Extra dieser ungewöhnlichen Unterkunft ist Seifenschaum, der von Zeit zu Zeit durch die Wand aus der Fabrik herüberdrückt. In Kajillionaire befinden wir uns nicht in einer realen Welt, sondern vielmehr in einer wie sie aussehen könnte oder im Kopf von Regisseurin Miranda July eben aussieht. Robert und Theresa haben jeglichem Besitz abgeschworen, streben nicht nach Wohlstand und wollen sich schon gar nicht mit einem regulären Arbeitsverhältnis belasten. Es ist beinahe eine Art Kult.

Doch im Kern geht es abseits der ganzen Skurrilitäten um die Sehnsucht danach geliebt zu werden. July verpasst der Geschichte schlicht eine schräge Verpackung. Verhalten, das auf den ersten Blick seltsam erscheinen mag, ist die Folge von fehlender Zuneigung. Kajillioniare zeigt, dass es sich lohnt einen Blick hinter die Fassade zu werfen. Sie verstellt meist nur den Blick auf das Wesentliche.

Dieser Text ist nach einer Vorstellung im Rahmen der Viennale 2020 entstanden.

Kajillionaire

Drama, USA 2020
Regie Miranda July
Drehbuch Miranda July
Kamera Sebastian Winterø
Schnitt Jennifer Vecchiarello
Musik Emile Mosseri
Mit Evan Rachel Wood, Debra Winger, Richard Jenkins, Gina Rodriguez
Länge 105 Min.
Streamingdienst Amazon

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[icon name=“exclamation-triangle“] Kann Spoiler enthalten

Als Wonder Woman 2017 in die Kinos(!) kam, waren große Teile des Publikums und der Presse entzückt. Der Film hob sich von den restlichen DC Comics Verfilmungen ab, bot eine Alternative zu Marvel und gleichzeitig erblickte die erste Superheldin das Licht der Leinwand. Gal Gadot hauchte der Figur Leben ein und alle waren von ihrem Charisma überwältigt. Mit Patty Jenkins führte zum ersten Mal eine Frau bei einem Blockbuster Regie. Hinsichtlich des Geschlechterungleichgewichts in der Filmbranche, kann man den beiden den Erfolg nicht hoch genug anrechnen. Mit der Fortsetzung Wonder Woman 1984 oder wie manche sagen Wonder Woman 2, kann das Team aber leider nicht an den Vorgänger anschließen. Begleitet wurde der Filmstart im Dezember 2020 von der Entscheidung von Warner Bros., deren Filme zeitgleich zur Veröffentlichung in den Kinos auch auf dem eigenen, bisher nur in den USA verfügbaren, Streaming Dienst zu vermarkten.

Darum geht es

Diana Prince (Gal Gadot) arbeitet im Jahr 1984 als Anthropologin in einer Forschungseinrichtung in Washington D.C. In ihrer Freizeit geht sie im Wonder Woman Kostüm auf Verbrecherjagd oder rettet Menschen aus brenzligen Situationen. Ihre unscheinbare Kollegin Barbara Ann Minvera (Kristen Wiig) ist nicht nur sehr angetan von Wonder Woman, sondern ebenso von Dianas selbstbewussten Auftreten.

Eines Tages weckt ein steinernes Artefakt die Aufmerksamkeit von Diana. Kann der Stein etwa Wünsche erfüllen? Gedankenverloren wünscht sie sich wieder mit Steve (Chris Pine) vereint zu sein. Als Barbara von Wonder Woman vor einem Überfall gerettet wird, wünscht sie sich nichts mehr, als so zu sein wie sie, zufällig mit den Händen auf dem Stein.

Als neuer Sponsor wird der Ölmagnat Maxwell Lord (Pedro Pascal) am Institut vorstellig. Er flirtet mit Barbara und zeigt großes Interesse am Artefakt. In einem geeigneten Moment entwendet er es. In der Zwischenzeit lernt Diana auf einer Party einen Mann kennen, der vorgibt Steve zu sein und sie auch davon überzeugen kann.

Lord spricht den folgenschweren Wunsch aus, der Stein selbst sein zu wollen und stürzt die ganze Welt in ein Chaos.

Kommentar

Ohne Überlänge geht es im SuperheldInnen Segment nicht und das obwohl die Geschichten weder tiefgründig noch komplex sind. Wonder Woman 1984 eröffnet noch dazu mit einem Prolog. Wir sind zurück auf der Insel Themyscira im Mittelmeer wo das Kriegervolk der Amazonen zu Hause ist. Diana ist noch ein kleines Mädchen und tritt zu einer Art olympischen Bewerb an. Die Sequenz ist schön anzusehen. Die Musik von Hans Zimmer geht ins Ohr, wie den gesamten Film über. Diana zieht zwar ihre Lehren, die ihr im weitern Verlauf ganz hilfreich sein werden. Leider wird es der beste Teil bleiben.

Kirsten Wings Verwandlung vom Mauerblümchen zur Femme Fatale ist die größte Überraschung des Filmes, wenn auch zu Beginn sämtliche Stereotype bedient werden. Sie hatte jedenfalls sichtlich Spaß an ihrer Rolle. Wie schon in Teil 1 trägt Gal Gadot den ganzen Film mehr oder weniger alleine. Das reicht nur bei einer derart abstrusen Haltung nicht mehr aus.

Die Sache mit dem Artefakt. Die Grundprämisse ist spannend, genauso wie die Moral der Geschichte. Wenn jeder bekommt was er möchte, gibt es kein Miteinander mehr. Die Logik bleibt aber vollkommen auf der Strecke. Noch dazu entgleitet die Handlung , da es auf einmal drei ProtagonistInnen gibt, die sich verstreut auf der Welt aufhalten: Diana, Barbara und Maxwell. Der Film fällt dem Drang zum Opfer, sich gegenüber dem Vorgänger steigern zu müssen, Was das wohl für Teil 3 bedeuten mag?

Wonder Woman 1984 war wenige Stunden nach der Premiere in bester Qualität im Netz zu finden. Die Anzahl der illegalen Downloads hält sich mit jener der Kinobesuche und des Streamings die Waage. Warner Bros. muss damit gerechnet haben. Da in naher Zukunft noch mehr Streamingdienste auf den Markt drängen werden, ist mit einer weiteren Zunahme von Piraterie zu rechnen. Auch wenn ein einzelner Dienst für sich nicht die Welt kostet und monatlich kündbar ist, ist es mehr als unrealistisch, dass jemand mehr als ein halbes Dutzend Dienste abonnieren wird.

Warner Bros. wollte offenbar den eigenen Streamingdienst HBO Max stärken. Genauso hätte man den Film weltweit zum Kauf anbieten können, um den Verlust etwas abzufedern. Wobei allein in den USA 10% der Downloads durchgeführt wurden. Wohin das führt, werden die nächsten Monate zeigen. Die Filmbesprechungen waren sehr durchwachsen und eher kritisch. Das zieht einen Effekt nach sich, den man nicht unterschätzen sollte. Nicht umsonst starteten Blockbuster in den letzten Jahren weltweit mehr oder weniger zur selben Zeit.

Es gibt diese eine Szene zwischen Gadot und Pine, in der sie verzweifelt gesteht, dass sie eine neuerliche Trennung nicht ertragen kann. Es ist ein wunderbarer und erstaunlich intimer Moment, mitten im Chaos, das rund um sie herrscht. Leider kann der Film sonst weder in den lauten, noch in den stillen Momenten überzeugen. In mancher Hinsicht war Wonder Woman vor drei Jahren ein Meilenstein im Blockbustersegment. Die Fortsetzung könnte im Nachhinein auf ganz andere Weise in Erinnerung bleiben. Als Wendepunkt in der Vermarktung von Kinofilmen. Jedoch sicher nicht wegen des Filmes selbst.

WONDER WOMAN 1984 | PATTY JENKINS | USA 2020 | 152 MIN. | [usr 2,5]

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Provincial Reconstruction Teams wurden erstmals Anfang der 2000er Jahre von der US-Armee in Afghanistan eingesetzt. Zusammensetzt aus Militärs, Diplomaten und technischen Experten sollten sie in enger Zusammenarbeit mit der Bevölkerung vor Ort den Wiederaufbau vorantreiben und lokale Regierungen gegen die Taliban unterstützen. The Outpost erzählt die wahre Geschichte eines solchen Teams in einem Außenposten im Norden Afghanistans, der am 3. Oktober 2009 bei der Schlacht von Kamdesh durch einen Angriff der Taliban völlig zerstört wurde. Wegen seiner exponierten Lage in einer Talenge des Hindukusch galt der Posten de facto als Himmelfahrtskommando.

Darum geht es

Als die Soldaten der US-Armee in der Nacht aus den Helikoptern steigen, die sie am später Combat Outpost Keating genannten Außenposten absetzen, können sie nur erahnen, in welcher Lage sie sich nun befinden. Der nächste Morgen bringt Gewissheit: das Lager liegt in einem Talkessel und ist von steil ansteigenden Felswänden umgeben und nur durch eine schmale Straße erreichbar. Ein strategischer Alptraum.

Unter anderen Staff Sergeant Romesha (Scott Eastwood) und Specialist Carter (Cale Landry Jones) sollen unter dem Kommando von Captain Keating (Orlando Bloom) Kontakt zur lokalen Bevölkerung aufnehmen und sie von den Taliban separieren. Als Taktik wird darauf gesetzt, das Vertrauen der Dorfältesten zu gewinnen und sich auch durch Angriffe nicht provozieren zu lassen. Die Einwohner werden als friedlich eingeschätzt.

Es kommt immer wieder zu Zwischenfällen und kleineren Angriffen. Die Anspannung unter den Soldaten steigt, als sie merken, wie aussichtslos ihre Lage ist. Trotzdem bleibt man bei der defensiven Strategie. Wegen der Knappheit von Ressourcen im weit entfernten Basislager, liegt die Räumung des Camps aber trotzdem in weiter Ferne. Mehrmalige Warnungen eines lokalen Kontaktmannes über einen bevorstehenden Angriff werden nicht ernst genommen. Im Morgengrauen des 3. Oktober 2009 wird der Posten von mehr als 300 Taliban in der Schlacht von Kamdesh verwüstet.

Kommentar

The Outpost zeichnet sich wie Black Hawk Down oder andere Kriegsfilme der letzten 20 Jahre durch eine größtmögliche Authentizität aus. Kameraführung (Lorenzo Senatore) und Soundeffekte sollen beim Publikum den Eindruck erwecken, mitten im Geschehen zu sein. In Rod Luries Version der Kriegshölle verfolgt die Kamera (meist sind es Drohnenflüge) die Soldaten in langen Sequenzen ohne Schnitt, um möglichst hautnah an den Protagonisten dran zu sein. Die technische Finesse des Kriegsdramas ist beeindruckend.

Im Combat Outpost Keating ging es von Anfang an nur ums Überleben. Die Antwort, warum die Militärführung unter David Petraeus einen derart gefährlichen Standort gewählt hat, bleibt im Film unbeantwortet. Allerdings sind die engen mit reissenden Flüssen durchzogenen Täler eine für die Region typische Landschaft.

Langeweile und die permanente Bedrohung bestimmen den Alltag im Camp. Die Soldaten sind allesamt in ihren 20ern und unterscheiden sich in ihrer Geschichte im Wesentlichen kaum voneinander. Trotzdem stechen eine Handvoll Männer aus der Gruppe hervor, vor allem Scott Eastwood (Clints Sohn) und Cale Landry Jones. Natürlich stellt der Film das Heldentum in sein Zentrum. Beide realen Vorbilder bekamen mit der Medal of Honor die höchste militärische Auszeichung überreicht. Noch nie wurde zwei überlebenden Soldaten einer Operation gleichzeitig diese Ehre zu Teil.

Während die erste Hälfe des Filmes zur Orientierung dient, mehr oder weniger das Leben im Camp beschreibt und durch herbe Rückschläge einen mehrmaligen Wechsel der Führung notwenig macht, widmen sich die letzen 45 Minuten ausschließlich der finalen Schlacht. Dass man dabei nicht die Orientierung verliert, zeichnet die Regiearbeit von Lurie aus.

Einmal beklagt ein Dorfältester, dass die Besatzer nun schon seit Jahrzehnten im Lande seien, nur um dann aufgeklärt zu werden, dass es zuerst die Russen waren, die Afghanistan besetzt hielten. The Outpost ist kein Antikriegsfilm, der mit Kritik an der Invasion in Afghanistan aufwartet. Die Soldaten sind überzeugt davon, etwas gutes für ihr Land zu tun und für sie ist klar, wer die Guten sind und wer die Bösen. Auch klar ist, dass die afghanische Bevölkerung von den Taliban terrorisiert wurde. In diesem Spannungsfeld ist der Film mehr ein Bericht, der sich auf ein Ereignis konzentriert, ohne die Situation im Großen zu beurteilen. Das muss er auch nicht.

Als Zuseher bekommt man einen Eindruck davon, wie es sein mag, wenn man mitten im Krieg allein gelassen wird. Diese Frage nimmt The Outpost nämlich sehr wohl auf. Die Evakuierung von Combat Outpost Keating kam viel zu spät. Als die Taliban Wind von den Räumungsplänen bekamen, starteten sie ihren Angriff. Untersuchungen kamen zu dem Entschluss, dass es Mängel in der Kommandokette gegeben hatte. Am Ende starben acht US-Soldaten bei dem Angriff und 27 wurden verwundet. Ebenso verloren zehn afghanische Soldaten und Sicherheitsleute ihr Leben. Etwa 150 Taliban wurden getötet. Es war einer der blutigsten Einsätze in der 13 Jahre dauernden Operation Enduring Freedom.

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The Outpost – Überleben ist alles [OT: The Outpost]

Kriegsfilm, USA 2020
Regie Rod Lurie
Kamera Lorenzo Senatore
Schnitt Michael J. Duthie
Musik Larry Groupé
Mit Scott Eastwood, Caleb Landry Jones, Orlando Bloom
Länge 123 Min.
Streamingdienst  zum Kauf bei Amazon

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Von den Safdie Brüdern kommt ein Film, der das Attribut immersiv verdient wie kaum ein anderer der jüngsten Vergangenheit. Der schwarze Diamant nimmt uns mit auf eine Achterbahnfahrt, bei der über zwei Stunden keine Zeit zum Durchatmen bleiben wird. Ein Stresstest für Adam Sandler als spielsüchtigen Diamanthändler und für uns. Also fasten your seat belt!

Darum geht es

Howard Ratner (Adam Sandler) führt einen Juwelierladen im New Yorker Diamond District. Wegen hoher Spielschulden steckt er in der Klemme. Arno (Eric Bogosian), sein Schwager und Kredithai sitzt ihm im Nacken. Gemeinsam mit seinen Schlägertypen macht er Howard das Leben schwer. Doch Howard hat einen Coup gelandet. Aus Äthiopien schmuggelt er einen großen schwarzen Opal ins Land. Gerade als der Diamant eintrifft, befindet sich der NBA-Star David Garnett in seinem Laden und ist sofort besseren davon, ihn als Glücksbringer zu besitzen. Howard willigt einem vorübergehenden Tauschhandel ein und erhält im Gegenzug seinen Meisterschaftsring.

Gleich darauf versetzt Howard den Ring bei einem Pfandleiher und wettet noch am selben Abend eine große Summe auf David Garnett. Der Opal scheint tatsächlich als Glücksbringer zu wirken. Doch für Howard beginnt der Alptraum erst. Sein scheinbar perfekter Plan führt ihn direkt ins Chaos.

Kommentar

Das hier ist nichts, wobei man sich entspannt zurücklehnen kann. Der schwarze Diamant ist schrill, laut und chaotisch. Josh und Benny Safdie schaffen eine Atmosphäre des Unbehagens, die noch lange nach dem Film nachwirken wird. Es schmerzt zu sehen, wie Howard eine falsche Entscheidung nach der anderen trifft und immer mehr Richtung Abgrund schlittert. Obwohl wahrlich kein Sympathieträger, leiden wir mit ihm mit. Die permanente latent aggressive Stimmung wird durch das hohe Tempo des Filmes, es gibt nur wenige ruhige Momente und der hektischen elektronischen Filmmusik noch verstärkt. Der Geräuschpegel rumort in unseren Köpfen.

Das Brüderpaar war stark beeinflusst von der eigenen Familiengeschichte. Wie Howard entstammen sie einer jüdischen Familie und ihr eigener Vater arbeitete selbst im Diamond District in New York. Hier reihen sich an einem Häuserblock die Juweliere aneinander. Es ist ein Viertel, wo Geschäfte über enorme Summen noch per Handschlag besiegelt werden. Ihre Vorstellung von New York im Jahr 2012 ist eine ganz andere als man sie sonst für gewöhnlich in Filmen sieht. Dies hier ist kein Ort an dem man sein möchte. Die Stadt draußen nicht und schon gar nicht der beklemmend enge, fensterlose Laden Howards mit seiner doppelten Sicherheitstüre. Von Kameralegende Darius Khondji wird das Setting in ein grünliches Neonlicht getaucht.

Es wurde oft gesagt aber hier spielt Adam Sandlers die Rolle seines Lebens. Man möchte dem Mann in der schwarzen Lederjacke fast zu Hilfe kommen oder die Augen verschließen. Dies ist eine der spannendsten und beeindruckendsten schauspielerischen Leistungen der letzten Jahre. Dass Sandler bei den Oscars im letzten Jahr übergangen wurde, haben heute noch viele der Academy nicht verziehen. Nebenbei ist das gesamte Ensemble eine Erwähnung Wert: Idina Menzel als Howards Noch-Ehefrau Dinah, Jud Hirsch als Schwiegervater Gooey und Julia Fox als Howard Angestellte und Liebhaberin. Irgendwie ist Der schwarze Diamant auch ein jüdischer Familienfilm. Aber sehr speziell.

Immer wieder entsteht der Eindruck, Howard stünde kurz vor der Lösung all seiner Probleme. Die Erlösung scheint zum greifen nahe. Doch genauso schnell kommt die Ernüchterung und die Erkenntnis, dass daraus wohl nichts werden wird. Zu allem Überfluss steht auch noch seine Ehe vor dem Ende. Es ist seine Spielsucht, die ihn anreibt – das Spiel selbst und nicht die hohen Geldsummen, die in Aussicht stehen. Bald müssen wir erkennen, dass wir in Der schwarze Diamant selbst in Howards wirrem Kopf festsitzen und es keine Erlösung geben kann. Eine große Empfehlung für alle, die sich auf ein intensives und berauschendes Filmerlebnis einlassen möchten. Brutal genial.

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Der schwarze Diamant [OT: Uncut Gems]

Thriller, USA 2019
Regie Benny Safdie, Josh Safdie
Kamera Darius Khondji
Schnitt Ronald Bronstein, Benny Safdie
Musik Daniel Lopatin
Mit Adam Sandler, Lakeith Stanfield, Julia Fox, Kevin Garnett
Länge 130 Min.
Streamingdienst Netflix

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Wie würden jugendliche Burschen Politik machen, wenn sie die Möglichkeit dazu hätten? Boys State ist ein in zahlreichen Bundesstaaten der USA stattfindendes Experiment und ermöglicht ihnen genau das, nämlich demokratische Strukturen kennenzulernen und auch gleich praxisnah auszuprobieren. Die viel gepriesene Dokumentation erhielt beim Sundance Filmfestival den Preis der Jury. Sie verrät viel über das aktuelle Politikverständnis in den Vereinigten Staaten.

Darum geht es

Zu Beginn des eine Woche dauernden Camps werden rund tausend Jugendliche per Zufall in zwei Gruppen aufgeteilt, die das Zweiparteiensystem in den USA widerspiegeln sollen. Das Ziel ist klar: am Ende soll ein Gouverneur gewählt werden. Zuerst muss jedoch ein Programm geschrieben werden, ein Parteivorsitzender und eine Reihe anderer Posten besetzt werden. Bereits am ersten Abend beginnen die Kandidaten Unterstützungsunterschriften zu sammeln und schon nach wenigen Stunden kristallisiert sich heraus, wer jene mit den größten Ambitionen sind.

Kommentar

American Legion, eine Non-Profit Organisation bestehend aus Veteranen, veranstaltet jedes Jahr Boys und Girls State Jugendcamps in den USA. Deren Geschichte geht bis an den Anfang des 20. Jahrhunderts zurück und sie waren ursprünglich von Camps in der Sowjetunion inspiriert. Sie entwickelten sich jedoch bald zu einem Programm, dass jungen Menschen die Dynamiken von Politik und Demokratie näher bringen sollte. Heute nehmen jedes Jahr rund 20.000 Jugendliche teil. Die Auswahl ist elitär. Für gewöhnlich schickt jede High School insgesamt nur ein bis zwei Studenten aus den letzten beiden Jahrgängen. Die Teilnahme ist gleich die Eintrittskarte für College und Militärakademie.

Die Inhalte des Boys/Girls State Camps variieren leicht. Mal geht es um einen fiktiven Prozess oder einen speziellen Fokus auf Bildung aber meist läuft es so ab, wie es in der Dokumentation Boys State (gedreht 2018 in Austin, Texas) nun zu sehen ist. Es gibt eine strikte Trennung zwischen Mädchen und Jungen. Die Regisseure arbeiten gerade an einer Dokumentation über Girls State.

Das verspricht auf jede Fall spannend zu werden, denn was passiert in Boys State? Sie machen das, was man von der männerdominierten Politiklandschaft ohnehin kennt. Mehrheiten zu finden ist in der Demokratie unumgänglich, wenn man erfolgreich sein möchte. Die eigene Werte und Prinzipien werden schnell hintangestellt. Jeder glaubt, über die Rechte von Frauen bestimmen zu können und zu wissen, was für sie das Beste ist. Das Thema Abtreibung ist allgegenwärtig.

Die Teilnehmer bilden eine Mischung aus großen ehrgeizigen politischen Talenten (auch Bill Clinton nahm einst teil), Schnöseln und Besserwissern. Zumindest jene, die sich das Regieduo herausgepickt hat. Sie sind es, die die Zukunft der USA bestimmen werden und sie haben erstaunlich schnell begriffen, wie der Hase läuft. Idealismus und revolutionäre Gedanken muss man hier lange suchen.

BOYS STATE | AMANDA MCBAINE, JESSE MOSS | USA 2020 | 109 MIN. | [usr 4]

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Ein weiteres aussergewöhnliches Regiedebüt aus dem Jahr 2020 kommt von Radha Blank. In ihrem semi-autobiographischen Film Mein 40-jähriges Ich spielt sie eine Dramatikerin mit gleichem Namen, sozusagen eine Version ihrer selbst und beschreibt die Tiefen einer künstlerischen Existenz zwischen Frau sein und Schwarz sein auf eine humoristische Weise und einem hohen Grad an Authentizität. Beim Sundance Filmfestival erhielt sie dafür den Regiepreis.

Darum geht es

Die Dramatikerin Radha (Radha Blank) steht kurz vor ihrem 40. Geburtstag. Große Erfolge liegen lang zurück. Einst war sie eines der vielversprechendsten Talente unter 30 (von dieser Auszeichung zehrt sie noch heute). Nun befindet sie sich in einer Sinnkrise. Der Theaterunterricht an einer Schule dient mehr zum Broterwerb, als der künstlerischen Erfüllung. Zumal die StudentInnen ihr mit wenig Respekt begegnen. Da hat sie die Eingebung, sich als Rapperin zu versuchen. Dazu begibt sie sich nach Brooklyn zum angesagten DJ D (Oswin Benjamin). In der Zwischenzeit versucht ihr langjähriger Freund und Manager Archie (Peter Y. Kim) für sie ein Engagement bei dem einflussreichen Produzenten und Theaterdirektor Josh Whitman (Reed Birney) einzufädeln. Radha ist von dem arroganten Selbstdarsteller weniger begeistert.

Kommentar

Radha Blank verpackt eine ganze Latte an Themen in ihren Regieerstling. Ihre Protagonistin steckt in der Midlifecrisis, die allerdings nicht unwesentlich durch die äußeren Umstände bestimmt wird, die auf eine schwarze 40-jährige Künstlerin einwirken. Genderfragen, Rassismus und sexuelle Belästigung erweitern das Spektrum. Sie blickt zurück auf ihre Erfolge, kann daran aber gerade nicht anschließen. Heute versucht sie unabhängig von Weißen zu arbeiten und zu leben. Dazu lastet der jüngste Tod ihrer Mutter auf ihr.

Diese war selbst Künstlerin. Nun muss Radha mit ihre Bruder deren Gemälde in einem Lager verstauen. Was bleibt für die Nachwelt? Diese Frage stellt sie sich. Gleichzeitig beflügelt es sie, etwas für sie völlig Neues auszuprobieren. Der Fremdbestimmung durch Weiße kann sie sich aber nicht entziehen. Die schwarze Theaterwelt ist notorisch unterfinanziert. Dort reicht das Geld nicht einmal um die Miete zu bezahlen. Sie begibt sie ich, wie Ma Rainey fast 100 Jahre vor ihr in die Hände eines weißen Produzenten (siehe auch Ma Rainey’s Black Bottom). Der Produzent Whitman ist aber nur an Black-poverty-porn interessiert, was Radha mehr als verabscheut. Sie versucht sich dem Bild zu widersetzen, das Weiße von Schwarzen gerne hätten.

Mein 40-jähriges Ich ist ein erfrischend kantiges und raues Debüt in Schwarzweiß. Eine Abrechnung mit der gegenwärtigen New Yorker Theaterwelt. Blanks Humor ist sehr subtil und funktioniert oft nur durch kleine Gesten. Radha Blank zeigt eine starke Frau mit Mut zur Selbstironie und Selbstkritik. Sie möchte als Künstlerin ernstgenommen und wertgeschätzt werden. Darum geht es hier im Kern. Man spürt ihre Leidenschaft, innere Verzweiflung und kreative Kraft. Wir sehen ein neues vielversprechendes Multitalent.

THE 40-YEAR OLD VERSION | RADHA BLANK | USA 2020 | 123 MIN. | [usr 4]

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