Schlagwort: 2024

★★★★★
Mit Lupita Nyong’o, Pedro Pascal Regie Chris Sanders
Ab 6 Länge 102 Min.

Der Serviceroboter Rozzum 7134 strandet auf einer unbewohnten Insel. Unbewohnt? Nicht ganz. Fernab jeglicher Technologie ist der Ort ein Tier- und Naturparadies, indem sich der Roboter erst zurecht finden muss. Roz erlernt Tiersprachen und wird unverhofft zur Adoptivmutter für eine Ente. DER WILDE ROBOTER ist einer der schönsten und unterhaltsamsten Animationsfilme der jüngsten Zeit.

Kurzkritik

Es ist ein leidiges Thema: das Filmangebot für die Jüngsten ist frustrierend. Nicht, dass die Kleinen schlecht unterhalten werden aber als Erwachsener hat man nunmal höhere Ansprüche. Und wenn der x-te 60-minütige Serienableger in die Kinos kommt und als Kinofilm verkauft wird, kommt man sich veräppelt vor. Dann gibt es aber wieder Lichtblicke und DER WILDE ROBOTER ist so einer. Einmal mehr zeigt sich, dass der Animationsfilm das kann, was dem Realfilm nur selten gelingt, nämlich Jung und Alt gleichermaßen gut zu unterhalten. Im Grunde auch das Geheimnis der Erfolgsgeschichte, wie ich meine.

„Wird man Zeuge eines Todes, ist das eigene Leben gleich viel schöner.“

Dann können schon mal solche Zeilen vorkommen wie in DER WILDE ROBOTER. Der strotz nämlich nur so vor schwarzhumorigen Pointen. die tun den Kindern nicht weh, so sie überhaupt ankommen und für uns sind sie einfach ur komisch. Zudem ist es eine sehr berührende Geschichte. Es ist immer wieder erstaunlich, wie es einer Maschine gelingen kann, derartige Emotionen bei uns hervorzurufen.

Daneben werden wir mit einem wunderschönen Animationsstil belohnt, der hier nicht versucht, hyperrealistische Bilder zu erzeugen, sondern teils eher an die Ursprünge des Zeichentrickfilms erinnert und das in Kombination mit heutiger Technologie. Regisseur und Drehbuchautor Chis Sanders hatte dabei sowohl Hayao Miyazaki im Sinn, wie auch die Malerei von Claude Monet. Die Mischung ist auf allen Ebenen gelungen.

DER WILDE ROBOTER (OT: THE WILD ROBOT ), USA 2024
Animationsabenteuer Ab 6 Länge 102 Min.
Regie und Drehbuch Chis Sanders Schnitt Mary Blee
Musik Chris Bowers Mit Lupita Nyong’o, Pedro Pascal

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★★★★ ½
Mit Kristen Stewart, Katy O`Brian, Ed Harris Regie Rose Glass
Ab 16 Länge 104 Min.

Eine Familie mit dunkler Vergangenheit, die sich bis in die Gegenart zieht und eine nahezu bedingungslose Liebe zwischen zwei Frauen im New Mexico des Jahres 1989. In diesem Kontext spielt LOVE LIES BLEEDING von Regisseurin und Drehbuchautorin Rose Glass, die mit Kirsten Stewart und Katy O`Brian in den Hauptrollen ihre eigene pulp fiction geschaffen hat.

Darum geht es

Lou (Kisten Stewart) arbeitet im Fitnessstudio ihres Vaters Lou Sr. (Ed Harris) und ist eigentlich nur noch in der Stadt, weil sie sich um ihre Schwester Sorgen macht, die von ihrem Ehemann misshandelt wird. Eines Tages taucht Jackie (Katy O`Brian) auf, die sich gerade auf einen Bodybuilding Contest in Las Vegas vorbereitet. Lou fühlt sich sofort zu ihr hingezogen. Es entwickelt sich eine hingebungsvolle Liebe zwischen den beiden und so wird Jackie in Lous Familiengeschichte mit hineingezogen. Jackie ist zu drastischen Maßnahmen bereit, um Lou für sich zu gewinnen. Es stellt sich heraus, dass Lou Sr. ein lokaler Gangster ist, der seinerseits auch nicht davor zurückschreckt, alles zu unternehmen, damit seine Machenschaften nicht auffliegen. Eine Spirale der Gewalt beginnt sich zu drehen, bei der sich alle Beteiligten nichts schenken und die in ein surreales Finale mündet.

Kurzkritik

Rose Glass lässt ihren Star Kirsten Stewart gleich zu Beginn tief in die Scheiße greifen und gibt damit gleich den Ton an. New Mexico. Neon. Bodybuilding. Die 1980er. Rohe Gewalt. LOVE LIES BLEEDING fühlt sich nicht nur deshalb vom ersten Moment an wie aus der Zeit gefallen. Anders als zahlreiche andere Filme und Serien, die mit der 1980er Nostalgie spielen, gelingt es Glass authentisch zu sein und es wirkt beinahe so, als hätte uns der Film tatsächlich durch eine Zeitkapsel aus einen Kinosaal der 1990er erreicht. Die Rohheit und die Grundstimmung von LOVE LIES BLEEDING erinnert an das Kino jener Zeit, in der noch nicht alles auf Markttauglichkeit geprüft werden musste und man sich noch FKS 16 leiten konnte. Es musste nicht allen Gefallen und war trotzdem erfolgreich.

Love Lies Bleeding ist kein Abklatsch einer vergangenen Ära, sondern Glass zitiert ihre Vorbilder wohlbelacht, fügt neue Perspektiven ein und schafft, mit ihrem nach SAINT MAUD zweiten Spielfilm, ein eindringliches Stück gegenwärtiges Kino, das bereits Vorfreude drauf entfacht, was da noch so alles von ihr kommen mag.

LOVE LIES BLEEDING, UK/USA 2024
Thriller Ab 16 Länge 104 Min.
Regie Rose Glass Drehbuch Rose Glass, Weronika Tofilska Kamera Ben Fordesman 
Schnitt Mark Towns Musik Clint Mansell Mit Kristen Stewart, Katy O`Brian, Ed Harris

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★★★★
Mit Glen Powell, Adria Arjona, Austin Amelio Regie Richard Linklater
Ab 14 Länge 116 Min.

Es ist eine reichlich verrückte Geschichte, die uns Regisseur Richard Linklater und sein Hauptdarsteller Glen Powell hier vorlegen. Ein Philosophieprofessor, der mit der Polizei zusammenarbeitet und sich dabei als falscher Profikiller ausgibt und so als Lockvogel fungiert. Kaum zu glauben aber wahr: den Mann gab es wirklich. A KILLER ROMANCE ist der erste Film des Regisseurs seit 2016, der bei uns regulär im Kino angelaufen ist.

Kurzkritik

Profikiller (im englischen Hit Man, so wie der originale Filmtitel) sind aus dem Kino nicht wegzudenken. Quer durch alle Genres sind sie zu finden, ein mal knallhart und brutal und dann wieder tollpatschig und urkomisch. Doch gibt es sie wirklich? Der Protagonist aus A KILLER ROMANCE stellt das gleich zu Beginn in Frage. Würde jemand für ein paar tausend Dollar ein Geschäft mit einer wildfremden Person eingehen, das ihn am Ende für immer ins Gefängnis bringen könnte? Eigentlich ein absurder Gedanke. In der Welt von Richard Linklater gibt es ihn auch nicht, denn Gary (Glen Powell) ist fake. Jedoch sehr erfolgreich indem was er tut, bis er alle Prinzipien über Board wirft und sich in eine Frau, die ihren Mann umbringen lassen möchte, verliebt. Dadurch ergeben sich zahlreiche witzige Situationen, die A KILLER ROMANCE zu einem sehr unterhaltsamen Sommerfilm machen.

Es ist die erste große Rolle für Glen Powell, der gemeinsam mit Linklater das Drehbuch verfasst hat. Und eigentlich muss es heißen: a star is born. Powell hat Potential und gerade im vor sich hindümpelnden Komödienfach ist jedes neue Talent eine Wohltat. Die Chemie stimmt zwischen Adria Arjona und Glen Powell, was sie in einem fulminanten Höhepunkt Beweisen können. Linklater blickt mit einer Collage zurück in eine längst vergangene Zeit Hollywoods, in der Killer cool und sexy waren.

Nicht zuletzt dank der zwei großartigen Hauptdarsteller bietet A KILLER ROMANCE beste Unterhaltung und Richard Linklater stellt einmal mehr sein Gespür für das Komödienfach unter Beweis.

TITEL A Killer Romance (OT: Hit Man ), USA 2023
Krimikomödie Ab 14 Länge 116 Min.
Regie Richard Linklater Drehbuch Richard Linklater, Glen Powell, Austin Amelio Kamera Shane F. Kelly Schnitt Sandra Adair
Musik Graham Reynolds Mit Glen Powell, Adria Arjona

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★★★★
Mit Zendaya, Josh O’Connor, Mike Faist Regie Luca Guadagnino
Ab 14 Länge 131 Min.

Jeder Schlag knallt wie ein Schuss durch den Kinosaal. In Luca Guadagninos CHALLENGERS (in der deutschen Fassung mit dem unnötigen Zusatz Rivalen) ist der Centercourt aber nur vordergründig die Kampfzone. Welche Spannungen zwischen dem Dreiergespann Patrick (Josh O’Connor), Art (Mike Faist) und Tashi (Zendaya) tatsächlich herrschen, erfahren wir nach und nach durch Rückblenden. Vor uns setzt sich ein Puzzle zusammen und man wartet geradezu darauf, dass Blut fließt aber Guadagnino hat diesmal anderes mit uns vor. So gesehen ist sein neuerster Film CALL ME BY YOUR NAME näher als man zumindest dem Trailer nach vermuten möchte.

Kurzkritik

Der Tennissport hat schon viele Höhen und Tiefen erlebt. Gibt es eine nationale Identifikationsfigur, verhilft das dem Sport sofort zu einem Popularitätshoch. Oder aber es kommt ein Hollywoodstar, wie die 27-jährige Zendaya und auf einmal ist sogar Tennismode wieder im Gespräch.

Allerdings weniger bei den Erstklässlern, weil CHALLENGERS nicht Bibi & Tina auf dem Centercourt ist, sondern ein Drama von Regisseur Luca Guadagnino (SUSPIRIA). Da reden wir mal vorsichtig von 14 plus. Es ist eine vielversprechende Kombination und soviel sei verraten: die Rechnung geht auf.

Damit das Trio komplett wird und sich ein wunderbares Dreiecksdrama entfalten kann, gesellen sich noch Josh O‘Connor (Charles in THE CROWN) und Mike Faißt (in bleibender Erinnerung als Riff in Steven Spielbergs WEST SIDE STORY) dazu. Die beiden Männer buhlen um ihre Aufmerksamkeit – nicht nur, sondern auch um jene zueinander. Der Spannung ist das nur zuträglich. CHALLENGERS gipfelt in einem überraschenden, wie gelungenen Finale. Die Geschichte ist in drei Sätzen um ein zentrales Match gebaut, dass wir mit Unterbrechungen von der ersten Szene an verfolgen. Nach und nach breitet sich vor uns in Rückblicken die gemeinsame Vergangenheit aus und dekonstruiert die drei Charaktere. Dadurch ändert sich ständig das Bild, das wir uns von ihnen und ihren Beziehungen zueinander gemacht haben.

Der Soundtrack stammt von Trent Reznor und Atticus Ross und die beiden setzen ihrem bemerkenswerten Erfolgskurs fort. Auch die Musik zu CHALLENGERS bleibt in Erinnerung und trägt mit ihrem lauten von Techno inspirierten Soundtrack entscheidend zum Stil des Filmes bei.

Einmal zeigt uns Guadagnino einen Ballwechsel aus der Sicht des Balles. Das ist ganz schon überdreht, zeigt aber, dass CHALLENGERS wenig Rücksicht auf ein bestimmtes Publikum nimmt. Ein offener Umgang mit Sexualität ist im Mainstream kaum mehr zu finden. Aus Rücksicht vor Kindern und Familien, weil jeder Film für alle gemacht sein muss. Hier ist das erfrischend anders. Guadagnino hat ein um ein paar Jahre älteres Publikum im Sinn. Das tut dem Film gut und ist leider eine Seltenheit geworden.

CHALLENGERS hat einen kleinen Hype ausgelöst. Eine überbordende Rezeption muss nicht immer nachteilig sein. Der Film hat es sich verdient. Luca Guadagnino ist mit drei großartigen Darstellern ein spannendes, wie unterhaltsames Drama aus der Welt des Tennissports geglückt.

TITEL CHALLENGERS, USA 2024
Drama Ab 14 Länge 131 Min.
Regie Luca Guadagnino Drehbuch Justin Kuritzkes Kamera Sayombhu Mukdeeprom Schnitt Marco Costa
Musik Trent Reznor, Atticus Ross Mit Zendaya, Josh O’Connor, Mike Faist

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★★★★ ½

CIVIL WAR. Mit Kirsten Dunst, Wagner Moura, Cailee Spaeny, Stephen Henderson, Jesse Plemons Regie Alex Garland Ab 16 Länge 109 Min.

Lee Smith hat schon viel gesehen und das ist der von Kirsten Dunst verkörperten Fotojournalistin ins Gesicht geschrieben. In Alex Garlands (Die Auslöschung) CIVIL WAR begibt sie sich mit eine Gruppe von Journalisten Richtung Washington DC. Doch die Reise durch das Land ist eine gefährliche. Der Präsident befindet sich in seiner nicht verfassungskonformen dritten Amtszeit und es tobt ein Bürgerkrieg zwischen Kalifornien und Texas auf der einen und einer Konföderation auf der anderen Seite. Die Western Forces sind dabei den Präsidenten auszuschalten und Lee und ihre Begleiter möchten dabei sein. Das Roadmovie wirft einen fiktiven und düsteren Blick in eine nahe Zukunft der USA.

Kurzkritik

Wie kam es dazu, dass von den Vereinigten Staaten nichts mehr übrig geblieben ist? Wer ist das genau, der da im Weissen Haus sitzt? Warum hat er den Platz nicht für eine Nachfolgerin oder einen Nachfolger frei gemacht? Den politischen Hintergrund blendet Regisseur und Drehbuchautor Alex Garland völlig aus. Die Allianz zwischen Kalifornien und Texas ist abstrakt genug, um nicht in die Verlegenheit zu kommen, hier Parallelen zu aktuellen politischen Lagern zu ziehen. Das kann dort und da vielleicht für Irritationen sorgen, im Grunde ist es aber ein kluger Schachzug, diese nicht unwesentlichen Details komplett bei Seite zu schieben.

CIVIL WAR erzählt von einer Schicksalsgemeinschaft, die quer durchs Land reist und dabei von einer haarigen Situation in die nächste schlittert. Wenn der Nachbar zum Feind wird, weil man seine politische Einstellung nicht teilt oder seine Herkunft nicht amerikanisch genug ist, kann in einem Land, in dem die Zivilbevölkerung derart hochgerüstet ist, jede Begegnung zu einer tödlichen Falle werden. Das ist die angespannte Atmosphäre, die uns in den Kinosessel fesselt.

Lee Smith ist unterwegs mit ihrem Kollegen Joel (Wagner Moura) einem Journalist von Reuters. Hinzu kommt der New York Times Veteran Sammy (Stephen Henderson) und die unerfahrene Jessie (Cailee Spaeny). Sie verbindet der Ehrgeiz nach dem perfekten Foto und der exklusivsten Story. Als embedded journalists sind sie vorne an der Front. Auch davon erzählt CIVIL WAR. Wie nämlich die Bilder entstehen, die uns tagtäglich aus Krisenregionen erreichen. Dafür riskieren sie ihr Leben.

Für jenen Moment, in dem wohl alle den Atem anhalten, sorgt Jesse Plemons. In seinem Aufritt sieht man den ganzen Zerfall einer Nation. Dafür lässt es sich quälend viel Zeit. Eine Glanzleistung.

Es ist ein brutales und erschreckendes Bild, das uns Garland hier vorsetzt und es zeigt einmal mehr, wie dünn die Fäden der sogenannten Zivilisation sind. Das Thema ist brisant. Bleibt zu hoffen, dass diese Dystopie auch in Zukunft nur eine Fiction für die Leinwand ist.

Titel CIVIL WAR, UK/USA 2024
Thriller Ab 16 Länge 109 Min
Regie/Drehbuch Alex Garland Kamera Rob Hardy Schnitt Jake Roberts
Musik Geoff Barrow, Ben Salisburi Mit Kirsten Dunst, Wagner Moura, Cailee Spaeny, Stephen Henderson, Jesse Plemons

NEUESTE BEITRÄGE VON THE REEL THERAPIST

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Mit Paula Beer, Jannis Niewöhner, Katja Riemann, Lukas Miko Regie Kilian Riedhof
Ab 14 (falls historischer Kontext bereits bekannt) Länge 115 Min

In STELLA. EIN LEBEN. nimmt sich Regisseur Kilian Riedhof der Geschichte von Stella Goldschlag an, die Anfang der 1940er zuerst von einer Karriere als Swing-Sängerin träumt und dann mit der Gestapo kooperiert, um ihr eigenes Leben zu retten. Es verleiht der Geschichte zusätzliche Brisanz, dass Goldschlag Jüdin war und duzende jüdische Mitmenschen verriet. Oder spielt ihre eigene Biografie am Ende gar keine Rolle? Riedhof stellt jedenfalls die Frage in den Raum, was wir getan hätten, wenn wir an Goldschlags Stelle gewesen wären.

Kurzkritik

Der Film beginnt im Jahr 1940. Im häuslichen jüdischen Umfeld sind noch Konzerte möglich und Stella Goldschlag lebt für den Swing und für ihre Karriere. Dass Verwandte von Mitgliedern der Band bereits spurlos verschwinden, ist ihr nur eine abfällige Bemerkung wert. Vielleicht ist es nur die Fixierung auf die Karriere oder es blitzt hier schon durch, was noch bevor steht. Es ist jedenfalls ein sehr dynamischer, lebensfroher Einstieg in eine Geschichte, die vielen von uns neu ist und die uns zum Nachdenken bringen wird.

Zeitsprung ins Jahr 1943. Goldschlag wird Zeugin einer Deportationsaktion in der Fabrik, in der sie arbeiten muss und entkommt nur knapp. Die Familie taucht unter und sie lernt den Passfälscher Rolf (Jannis Niewöhner) kennen. Sie zocken die jüdische Gemeinde regelrecht ab. Es ist wieder so ein Moment, der die ganze Ambivalenz der Figur deutlich macht.

Ganz schlau wird man aus aber Stella Goldschlag nicht werden und selbst Regisseur Kilian Riedhof hat kein endgültiges Urteil über sie. Eine künstlerische Arbeit ist immer subjektiv und selektiv und das macht es für uns nicht einfacher. Natürlich hinterlässt die zentrale Szene, in der Goldschlag verhört und gefoltert wird, auch bei uns Spuren in der Meinungsbildung. Gleichzeitig dürften ihre Methoden, mit denen sie versteckt lebende Juden denunzierte, in der Realität noch drastischer gewesen sein, als es im Film zu sehen ist.

Nach dem Krieg wurde Goldschlag zuerst 1946 durch ein Sowjetisches Militärtribunal zu zehn Jahren Haft verurteilt. 1957 kam es zu einer weiteren Verurteilung, wobei ihr die erste Haftstrafe angerechnet wurde. Sie war eine persona non grata. Ein erster Selbstmordversuch misslang, 1994 ertrank sie mit 72 Jahren. Die Verhörprotokolle der beiden Prozesse bilden unter anderem die faktische Grundlage für STELLA. EIN LEBEN. Historische Genauigkeit war Riedhof und seinem Team sehr wichtig.

„Wir wollten, dass die ZuseherInnen die Welt dieses Filmes als eine sehr gegenwärtige empfinden, weil wir glauben, dass diese Geschichte sehr gegenwärtig ist.“, so Kilian Riedhof. Das drückt sich vor allem in der Bildsprache aus. Keine großen Kamerafahrten, sondern dichte Einstellungen, in denen immer Gefahr lauern kann. Menschen, die ständig auf dem Sprung sind. Schnelle Zooms zeugen vom ständigen Beobachten und Beobachtetwerden. Gleichzeitig wird der Ku’damm als Sehnsuchtsort Goldschlags mit Pariser Flair inszeniert. Auf braune Naziuniformen wurde bewusst verzichtet.

Kilian Riedhof konnte die Produzenten davon überzeugen, möglichst viel in Wien zu drehen: „Wir haben in Wien gedreht, was für uns ein großer Gewinn war. In Wien existieren noch diese großen, nicht enden wollenden Wohnungen. Diese entsprechen sehr den Wohnungen am Ku‘damm, so wie sie in Berlin waren, zur Zeit der 20er bis 40er Jahre. Das war für uns ein großes Geschenk, weil wir gerade zu Beginn die Lebenswelt der Berliner Juden mit all der Lebensfreude zeigen konnten, mit dem Charme, der in den Wiener Wohnungen vorhanden ist.“ In Berlin ist dahingegen entweder viel zerstört oder aber auch später modernisiert worden. Selbst die Inneneinrichtungen sind in Wien teils gut erhalten.

Was macht nun STELLA. EIN LEBEN. mit dem Publikum? Als persönliche Erfahrung kann ich sagen, dass zu Beginn der Gedanke im Vordergrund stand, wie gerade eine Jüdin so etwas machen kann. Um ihr Leben zu retten (und anfangs auch das ihrer Eltern) verriet sie hunderte BürgerInnen (genaue Zahlen sind nicht bekannt). Am Ende geht es aber um einen Menschen und die Biografie spielt eine untergeordnete Rolle. Wenn man bedenkt, dass sie tatsächlich unmittelbar um ihr Leben fürchten musste, befand sie sich immerhin in einer anderen Situation, als jene Mehrheit, die aktiv an den Nazigräueln beteiligt war. Steht uns ein Urteil zu?

Kilian Riedhof stellt im Interview die Frage, was ein Leben Wert ist, dass auf Schuld aufbaut. Uns wohnt der urmenschliche Impuls des Überlebens inne. Vielleicht ist die Geschichte von Stella Goldschlag weniger Anlass über sie zu urteilen, als darüber nachzudenken, was wir tun würden. Und das bevor es soweit ist, denn viel Zeit hatte sie 1943 nicht, sich das zu überlegen, so Riedhof.

In der Hauptrolle ist Paula Beer (ROTER HIMMEL) zu sehen, die zweifelsohne zu den gefragtesten deutschen Schauspielerinnen der Gegenwart zählt. Kein Wunder, dass ihre Persönlichkeit den Film ausfüllt. STELLA. EIN LEBEN. wirft eine spannende Frage auf. Zur Entscheidungsfindung trägt der Film nicht bei. Als moralischer Kompass eignet sich ein Unterhaltungsfilm wohl auch kaum. So lässt uns die Geschichte um Stella Goldschlag im ersten Moment ratlos zurück und man hofft insgeheim, niemals in ihre Lage zu geraten. Das ist gleichzeitig in Anbetracht der Weltpolitischen Lage nicht gerade die beste Strategie.

STELLA. EIN LEBEN., D 2024
Drama Ab 13 Länge 115 Min.
Regie Kilian Riedhof Drehbuch Marc Blöbaum, Jan Braren & Killian Riedhof Kamera Benedict Neuenfels Schnitt Andrea Mertens
Musik Peter Hinderthür Mit Paula Beer, Jannis Niewöhner, Katja Riemann, Lukas Miko, Joel Basman, Damian Hertung, Bekim Latifi, Gerdy Zint

Dem Text liegt ein am 24. Jänner 2024 mit Kilian Riedhof geführtes Interview zu Grunde.

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