Schlagwort: Oscar Radar

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Gerade wenn illiberale Strömungen überall auf der Welt im Vormarsch sind, müssen wir uns in Erinnerung rufen, dass es noch gar nicht so lange her ist, dass von Europa bis Südamerika faschistische Regime an der Macht waren. Sind demokratische Grundfesten einmal zerstört, ist es ein steiniger Weg zurück in die Freiheit. Von diesen Schwierigkeiten erzählt Argentinien, 1985 von Santiago Mitre. Die Junta ist zwar Geschichte aber überwunden ist sie noch lange nicht, wie der Staatsanwalt Julio Strassera erfahren muss, als er das größte Strafverfolgungsverfahren für Kriegsverbrechen seit den Nürnberger Prozessen vorbereitet.

Darum geht es

Nachdem das Militärgericht 1984 keinen Grund für eine Strafverfolgung gegen die Haupttäter der argentinischen Militärdiktatur feststellen wollte, beschließt ein ziviles Gericht Anklage gegen den ehemaligen General Jorge Videla und weitere führende Mittäter zu erheben. Dem Staatsanwalt Julio Strassera (Ricardo Darín) bleiben nur wenige Wochen, um ein Team zusammenzustellen und Beweise zusammenzutragen. Renommierte Juristen zu finden gestaltet sich als unmöglich. Zum einen ist die Gesellschaft gespalten und dann geht auch immer noch die Angst vor der Rache des Militärs um. Einzig der junge Anwalt Luis Moreno Ocampo (Juan Pedro Lanzani) erklärt sich bereit mit Strassera zusammenzuarbeiten. Obwohl er selbst familiäre Verbindungen zum Militärregime hat, ist er im Gegensatz zum Staatsanwalt davon überzeugt, dass ein fairer Prozess möglich ist. Gemeinsam stellen sie ein sehr junges Team aus unerfahrenen und somit auch politisch nicht vorbelasteten AnwältInnen zusammen. Innerhalb kürzester Zeit sammeln sie quer durch ganz Argentinien über 800 Zeugenaussagen. Dabei sind sie ständig Bedrohungen ausgesetzt. Es gibt Kräfte im Land, die einen Prozess mit allen Mitteln verhindern möchten.

Kommentar

Selbst in Argentinien ist der Prozess von 1985 zumindest bei der jüngeren Bevölkerung in Vergessenheit geraten. Mit ein Grund für Regisseur Santiago Mitre sich dem Thema anzunehmen. Die juristische Aufarbeitung sollte das Land noch viele Jahre beschäftigen. Alle damals verurteilten wurden bald wieder in die Freiheit entlassen. Ein neuerlicher Prozess fand erst mehr als 20 Jahre später statt. Videla wurde erst 2010 zu lebenslanger Haft verurteilt und starb 2013 im Gefängnis. Während der Diktatur verschwanden zehntausende Menschen. Kinder wurden systematisch entführt und verkauft.

Argentinien, 1985 gibt jenen Menschen eine Stimme, die unter der Junta litten. Vor Gericht kommen sie zu Wort und schildern die unfassbaren Gräuel, denen sie ausgesetzt waren. Die detaillierten Berichte sind kaum zu ertragen. Es ist der Moment, in dem Regisseur Mitre todernst wird.

Darüber hinaus kommt das Drama mit einer gewissen Leichtigkeit daher, die vor allem dem ambivalenten Charakter Julio Strassera zu verdanken ist. Am Anfang ist er alles andere als ein Held. Nur widerwillig nimmt er sich der Aufgabe an und ist nicht von der Sinhaftigkeit eines Prozesses überzeugt. Ricardo Darín verkörpert ihn mit einem gewissen Witz und einer mürrischen Schrulligkeit, die Argentinien, 1985 auch zu einem unterhaltsamen Film machen. Spannend und mit einer charismatischen Besetzung braucht das Gerichtsdrama den Vergleich mit Hollywood nicht zu scheuen.

Argentinien, 1985 erfindet das Genre nicht neu aber Mitre, trifft aber immer den richtigen Ton und leistet einen großen Beitrag zur Erinnerungskultur und seine Geschichtsstunde sollte in Argentinien aber auch über die Grenzen hinaus in der Welt ihr Publikum finden. Hat man sich erstmal von der Demokratie verabschiedet, ist der Weg zurück ein sehr mühsamer und die Aufarbeitung langwierig.

Argentinien, 1985 (OT: Argentina, 1985)
Drama, ARG/UK/USA 2022

Regie Santiago Mitre
Drehbuch Santiago Mitre, Mariano Llinás
Kamera Javier Juliá
Schnitt Andrés P. Estrada
Musik Pedro Osuna
Mit Ricardo Darín, Juan Pedro Lanzani, ua.
Länge 140 Minuten
Streamingplattform Amazon Prime

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In Österreich erlangte Athena von Romain Gavras unrühmliche Bekanntheit, als es Ende Oktober 2022 in Linz zu Ausschreitungen kam und der Film hier offenbar als Inspiration für die Gefechte mit der Polizei herhalten musste. Bei den Filmfestspielen in Venedig mit zwei Preisen bedacht, ist Athena vor allem eins: ein rasantes wutgeladenes Gefecht mit chaotischen, langen Plansequenzen, die ihresgleichen suchen. Nicht zuletzt in der technischen Umsetzung sehr spannend. Wem Emily in Paris zu lieblich ist, hier kommt Mad Max: Fury Road in der Pariser Vorstadt.

Darum geht es

Die drei Brüder Karim (Sami Slimane), Abdel (Dali Benssalah) und Moktar (Ouassini Embarek) machen für den ungeklärten Tod ihres Bruders Idir die Polizei verantwortlich. Allerdings gehen sie damit ganz unterschiedlich um. Sie haben einen algerischen Migrationshintergrund, jedoch ganz verschiedene Biografien. Karim ist eine im Bezirk angesehene Größe und schwört auf Rache. Im zur Seite steht ein ganzes Heer an wütenden Mitstreitern. Nicht weniger aufgebracht ist Moktar, ein Drogendealer. Abdel kehrt gerade von der Armee zurück und versucht zu beschwichtigen. Er kann jedoch nicht mehr verhindern, dass die Lage allmählich eskaliert und sich ein ganzer Wohnblock in ein Schlachtfeld verwandelt.

Kommentar

Bereits nach wenigen Minuten musste ich die Pausetaste drücken. Was ist das jetzt? Schnell bei Youtube fündig geworden (siehe Making-of unten). Also alles echt. Athena beginnt mit einer 10-minütigen Plansequenz: Anfangs ein Pressestatement der Polizei, das in einen Brandanschlag und einer Stürmung eines Gebäudes mündet. Dann Flucht auf Motorrädern und im Kleinlaster. Die Kamera (Matias Boucard) mal auf dem Motorrad, dann im Inneren des Lasters. Von Beginn an alles ohne Schnitt gedreht auf einer Distanz von mehreren Kilometern, bis die Kamera in die Luft abhebt. Das ist atemberaubend gut.

So geht es dann auch weiter. Romain Gavras hat den gesamten Film um die drei Brüder in der Pariser Vorstadt in Plansequenzen angelegt. In der Ästhetik erinnern sie teilweise an Peter Jacksons Schlachten in Mittelerde, nur das hier Großteils Migranten der Polizei gegenüberstehen. Das ist unglaublich dynamisch und dicht, sicherlich auch wegen der kompakten Spiellänge von rund 90 Minuten.

Am Drehbuch beteiligt war unter anderen Ladj Ly, der 2019 mit Die Wütenden – Les Misérables auf sich aufmerksam machte (Amazon Prime). In seinem Regiedebüt porträtierte Ly drei Polizisten im Stadtteil Les Bosquets. War damals der schwellende Konflikt unter der Oberfläche zu spüren, eskaliert es in Athena nun bis zu bürgerkriegsähnlichen Zuständen.

In diesem Sinne haben wir es hier mit einer Fortführung des Themas zu tun. Allerdings entwarf Die Wütenden ein präziseres und feinfühliger Bild der Konflikte in den Banlieues. Weniger spektakulär in der Umsetzung, dafür mehr der Sache dienlich, in dem der Fokus auf die Lebenssituation der Menschen gelegt wurde. Athena ist pure Provokation. Graubereiche gibt es hier keine mehr.

Es ist am Ende die technische Umsetzung mittels enormen logistischem Aufwand, die Athena so spannend macht. Der hohe technische Aufwand und der Einsatz von realer Pyrotechnik ermöglicht ein unmittelbares Erlebnis, das an Intensität und Rasanz kaum zu überbieten ist. Greenscreen oder digitale Effekte gibt es nicht. Vor allem die erste Sequenz wird lange in Erinnerung bleiben. Es ist die wohl spektakulärste Plansequenz der Filmgeschichte. Die epochalen Choräle von Surkin entfalten ihre Wirkungskraft vor allem in den großen Gefechtsszenen. Überwiegend gedreht mit IMAX Kameras. Zu sehen ausschließlich bei Netflix.

ATHENA
Drama, F 2022

Regie Romain Gavras
Drehbuch Romain Gavras, Ladj Ly, Elias Belkeddar
Kamera Matias Boucard
Schnitt Cherifi Akram Mohamed Yasser
Musik Gener8ion
Mit Dali Benssalah, Sami Slimane, Anthony Bajon, Ouassini Embarek, Alexis Manenti
Länge 97 Minuten
Streamingplattform Netflix

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In diesem Jahr entführt uns Oscar-Preisträger Guillermo del Toro (Shape of Water – Das Flüstern des Wassers) in die Welt von Geppetto und seiner berühmten Holzpuppe Pinocchio. Umgesetzt gemeinsam mit Mark Gustafson (Der fantastische Mr. Fox) in der Stop-Motion Technik. Nach nur wenigen Spieltagen im Kino leitet Guillermo Del Toro’s Pinocchio nun bei Netflix die Award Season ein. Es ist die Arbeit eines Visionärs. Eine wunderbar feinfühlige Neuinterpretation.

Darum geht es

Nachdem der Tischlermeister Geppetto (David Bradley) seinen Sohn verloren hat, schnitzt er aus einem Baum eine Holzpuppe und nennt sie fortan Pinocchio. Eine Fee erweckt Pinocchio (Gregory Mann) zum Leben. Der Junge ist allerdings alles andere als brav und stellt seinen Schöpfer immer wieder auf die Probe, bis er eines Tages auf dem Schulweg auf Graf Volpe (Christoph Waltz) und Sprezzatura (Cate Blanchett) trifft und sich ihrem Zirkus anschließt. Es ist der Beginn einer großen abenteuerlichen Reise.

Kommentar

Im Jahr 1940 legte Walt Disney mit dem zweiten abendfüllenden Zeichentrickfilm Pinocchio einen Grundstein für die bis heute andauernde Erfolgsgeschichte des Produktionsstudios. Der Film wurde nicht nur wegen seiner technischen Perfektion gelobt, sondern auch auf Grund der Neuinterpretation des Originalstoffes von Carlo Collodi aus dem Jahr 1881. Disneys Version war düster. Es sollte aber noch viele Jahrzehnte dauern, bis die Geschichte sich vom Ruf eines Kindermärchens emanzipieren konnte und der Entwicklungsroman durchaus auch als Erwachsenenliteratur gelesen wurde. Was die Geschichte bei genauerer Betrachtung auch nahelegt.

Heute ist dem jungen Publikum die erste Verfilmung wohl kaum mehr bekannt, im Gegensatz zur allgegenwärtigen Visualisierung der Holzpuppe mit der roten Hose. Ebensowenig, dass der mit einem Oscar prämierte Song „When you wish upon a Star“, gesungen von der Grille, zur inoffiziellen Hymne von Disney geworden ist und bis heute am Anfang fast jeder Produktion des Konzerns erklingt. Erst vor wenigen Monaten ist man bei Disney mit einer Neuverfilmung kläglich gescheitert. Dazwischen liegen zahlreiche weitere Verfilmungen von unterschiedlicher Qualität.

Pinocchio ist also unzertrennliche mit Disney verbunden. Guillermo del Toro (ihm zur Seite stand Stop-Motion Spezialist Mark Gustafson) dürfte es aber gelingen, mit seiner Version ein neues Kapitel aufzuschlagen. Guillermo del Toro’s Pinocchio ist ein technisches Meisterwerk, welches das Publikum in Staunen versetzen wird und mit viel Liebe und Fingerspitzengefühl inszeniert ist (alleine mit wieviel Leidenschaft Del Toro Pinocchio ausspricht, als wäre er selbst Gepetto!). Einzig die Gesangsnummern wirken deplatziert (ungeachtet ihrer Qualität).

Auch Del Toros Ansatz ist ein düsterer. Er verlegt die Geschichte in die Zeit des italienischen Faschismus und läßt Pinocchio für Benito Mussolini tanzen. Die Holzpuppe weiß aber ganz genau, wer da im Publikum sitzt und macht dass, was Spitzbuben so tun. Dieser Brückenschlag ist durchaus gelungen und erinnert an Pan’s Labyrinth (2006), wo Del Toro schon einmal ein faschistisches Regime in seine Geschichte eingewoben hatte (damals Spanien unter Franco). Wunderbar ist Ewan Mc Gregor als Sebastian J. Grille (auch gesanglich stark). Kein süßes Tier als Beiwerk sondern ein Insekt eben. Christoph Waltz macht als Antagonist Graf Volpe das, was er am Besten kann und hatte hörbar Freude daran. Die Blaue Fee (Tilda Swinton) bekommt bei Del Toro eine größere Rolle in Gestalt einer Schwester im Totenreich. Selbst als Holzpuppe muss sich Pinocchio mit dem Tod und der eigenen Sterblichkeit auseinandersetzen.

Es ist ein Dilemma, dass einem bahnbrechenden Erfolg gerade das größtes Kapital im Wege stehen wird. Stop-Motion ist natürlich ein Nischenprodukt. Bleibt zu hoffen, dass die Niederschwelligkeit von Netflix dem Film zu mehr Erfolg verhilft, als es bei einer längeren Kinoauswertung möglich gewesen wäre. Immerhin konnte wer wollte den Film im Laufe einiger Tage im Kino sehen. Anderen Filmen bleibt dieses Privileg längst verwehrt.

Man kann die Prognose wagen: In diesem Jahr wird die Oscar Kategorie Bester Animierter Film nicht von bunten Kinderfilmen beherrscht werden. Es ist nicht nur das Jahr von Stop-Motion, sondern eines Trickfilmes, der sich (auch) an ein älteres Publikum wendet. Die Chancen für Del Toro dürften nicht schlecht stehen, obwohl die Konkurrenz wie in jedem Jahr stark ist. Netflix strebt gar eine Nominierung in der Kategorie Bester Film an. In jeglicher Sicht gerechtfertigt.

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GUILLERMO DEL TORO’S PINOCCHIO
Stop-Motion Märchen, USA/MEX/F 2022

Regie Guillermo del Toro, Mark Gustafson
Drehbuch Guillermo del Toro, Carlo Collodi, Matthew Robins,
Kamera Frank Passingham
Schnitt Ken Schretzmann
Musik Alexandre Desplat
Mit Gregory Man, Ewan McGregor, David Bradley, Christoph Waltz, Tildo Swinton, Cate Blanchett
Streamingplattform Netflix

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Das in der Telugu Sprache gedrehte Actionspektakel RRR (die Buchstaben stehen für Rise Roar Revolt) von S. S. Rajamouli ist nicht zuletzt wegen seines großen Erfolges der erster Film des Regisseurs, der weltweit sein Publikum gefunden hat. Jene, die mit dem indischen Kino vertraut sind, wird das jetzt nicht gleich vom Ofen hervorholen. Das Anti-Kolonialmärchen über zwei Revolutionäre der 1920er Jahre bietet jedoch neben einer dramatischen Story exzessive atemberaubende Actionchoreografien und spektakuläre Spezialeffekte. Hier wird nicht nur das Heldentum bis an die Spitze getrieben. Die gesamten drei Stunden sind nichts weniger als bombastisch.

Darum geht es

Als die Schwester von Komaram Bheem (N.T. Rama Rao Jr.) vom tyrannischen Kolonialherren Scott Buxton (Ray Stevenson) entführt wird, schwört er Rache und macht sich auf nach Delhi, um sie zurückzuholen. Dort ist man bereits gewarnt und setzt den ambitionierten Polizisten Alluri Sitarama Raju (Ram Charan) darauf an, Bheem aufzuspüren. Wie das Schicksal so spielt, treffen die Beiden aufeinander, ohne ihre wahre Identität Preis zu geben. Es entwickelt sich eine große Freundschaft. Bis die Deckung der beiden auffliegt und ihre jeweilige Agenda zum Vorschein kommt. Aus der Freundschaft wird bittere Rivalität. RRR hält jedoch einige Wendungen parat. Unterstützung erhält Bheem von Buxtons Nichte Jennifer (Olivia Morris). Der große gemeinsame Feind sind am Ende die erbarmungslosen Kolonialisten und deren brutale Herrschaft.

Kommentar

Es ist eine regelrechte Lawine, die das Publikum in RRR von Anfang an überrollt. Alleine die ersten 30 Minuten beinhalten Actionszenen, die für mehr als einen Film reichen würden. Das scheinbar große Finale folgt irgendwann in der Mitte des Filmes und das Ende ist nach gut drei Stunden so wirkungsvoll wie der Beginn. RRR ist wie eine Dampflokomotive, die mit Vollgas durch die Landschaft donnert.

Es sind dann auch die spektakulären Momente die große Stärke und natürlich die beiden charismatischen Hauptdarsteller. Feine Zwischentöne oder kluge Dialoge darf man sich hier nicht erwarten. Die Darstellung der brutalen britischen Besatzungsmacht erinnert an jene von Nazibösewichten. RRR spart auch nicht mit heftigen Gewaltszenen, die dann auch noch mit Gesangsnummern angereichert sind. Das ist gewöhnungsbedürftig.

Die zwei späteren Revolutionäre (Die beiden haben sich im wirklichen Leben nie getroffen. Die Gesichte ist also reine Erfindung) stehen für den Freiheitskampf des Subkontinents. Naturgemäß ist RRR dadurch geprägt von Nationalstolz. Dagegen wirken sogar US-amerikanische Pendants bescheiden. Durch die stetigen Übertreibungen wird das etwas entschärft. Was das für die gegenwärtige Rezeption in Indien bedeutet, ist eine andere Sache. Im historischen Kontext ist er wohl gerechtfertigt. An der damaligen Realität gibt es nichts zu rütteln. Der antikoloniale Kampf mündet in eine letzte Gesangsnummer, in der weitere Nationalhelden aus ganz Indien gefeiert werden.

Bei Netflix kann man es sich sparen, sich durch die vermeintliche Originalfassung zu quälen. RRR ist nur in den synchronisierten Fassungen Hindi und Englisch zu sehen. Die Rechte für Telugu liegen bei einem indischen Streamingdienst.

RRR ist ein großes Vergnügen mit vielen Momenten, die wohl in Erinnerung bleiben werden. Ein Biest von einem Film, in dem die Schwerkraft und die Zeit keine Rolle mehr spielen. S. S. Rajamouli scheint keine Grenzen beim Geschichten erzählen zu kennen. In Hollywood muss man sich dagegen warm anziehen. Es wäre schön, wenn man sich dort in den nächsten Wochen an diese Produktion erinnert, wenn es auch leider sehr unwahrscheinlich ist. Die Bedeutung für das heutige Unterhaltungskino ist jedenfalls enorm. Für den Rolling Stone ist es der beste Blockbuster des Jahres. Leider war es so gut wie unmöglich, denn Film auf der großen Leinwand zu sehen, wo er erst seine volle Wirkungskraft entfalten kann.

Eine Einstiegsdroge in den indischen Film.

RRR
Actiondrama, IND 2022

Regie S. S. Rajamouli
Drehbuch S. S. Rajamouli
Kamera K. K. Senthil Kumar
Schnitt A. Sreekar Prasad
Musik M. M. Keeravani
Mit N. T. Rama Rao Jr., Ram Charan, Alia Bhatt, Olivia Morris, ua.
Länge 182 Min.
Sprache Telugu/Englisch, dt. Untertitel
Streamingplattform Netflix

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Wenn Deutschland mit der Netflix Produktion einer sehr freien Adaptierung des Klassikers Im Westen nichts Neues ins Oscar Rennen geht (und dabei gar nicht mal so schlechte Chancen auf eine Nominierung hat), dann ist es für viele der erste Berührungspunkt mit einem Antikriegsfilm. Der Streamingdienst macht es möglich andere Zusehergruppen zu erreichen als es bei einer Kinoproduktion der Fall wäre. Drastische Bilder voll Brutalität sind fixer Bestandteil des Genres geworden und man ist sich mehr oder weniger einig, dass der Film natürlich zu rechten Zeit gekommen ist. Über die sehr freie Umsetzung von Regisseur Edward Berger gehen die Meinungen allerdings auseinander.

Darum geht es

Es ist die dritte Verfilmung des von Erich Maria Remarque verfassten Antikriegsromanes aus dem Jahr 1928. Darin werden die Erlebnisse des jungen Paul Bäumer (Felix Kammerer) an der Westfront ab 1917 geschildert. Aufgestachelt von ihrem Lehrer meldete sich eine Gruppe von jungen Männern freiwillig zum Kriegsdienst. Schon auf dem beschwerlichen Marsch durch das Hinterland zur Front stellt sich Ernüchterung ein.

Von General Friedrich (Devid Striesow) werden die Soldaten kommandiert, der um jeden Preis Meter machen möchte, obwohl die Situation fast chancenlos ist. Tatsächlich hatte sich die Westfront über die Jahre kaum mehr als ein paar hundert Meter bewegt. In den Schützengräben fanden Hunderttausende den Tod. Die Spuren des exzessiven Kampfes sind bis heute, mehr als hundert Jahre später, immer noch zu sehen.

Im Westen nichts Neues bewegt sich fortan zwischen Schützengräben und verlassenen französischen Bauernhöfen, in den die Soldaten kurz zur Ruhe kommen können. Die Version von Regisseur Edward Berger entfernt sich allerdings von der Romanvorlage, streicht ganze Passagen und fügt neue hinzu, wie die der historischen Figur Matthias Erzberger (Daniel Brühl), der mit den französischen Marshall Foch (Thibault de Montalembert) den Friedensvertrag ausverhandelte. General Friedrich passt das ganz und gar nicht und schickt die Soldaten bis zuletzt in einen sinnlosen Grabenkampf.

Kommentar

Es ist ein echter Jammer. Wenn sich zu Beginn der Nebel über die winterliche Landschaft legt, kann einen schon das Frösteln kommen. Wenn man im Kino sitzen würde. Ja, wenn. Da Im Westen nichts Neues von Netflix vertrieben wird, sind Kinoaufführungen sehr rar. So fristet das Kriegsdrama sein Dasein auf Laptopbildschirmen (man glaubt gar nicht, wie wenige Menschen heute noch einen Fernseher haben). Noch dazu ist es gerade über einen so langen Zeitraum von 2 1/2 Stunden eine Herausforderung jeglicher Ablenkung zu widerstehen.

Aber so ist das jetzt nunmal. Die erste Sequenz ist zugleich die Stärkste: Gefallenen Soldaten werden die Uniformen ausgezogen und in großen Bündeln nach Deutschland gebracht, gereinigt, Einschusslöcher geflickt und dem nächsten Schwung an Rekruten ausgehändigt. Die wundern sich über das falsche Namensschild. Besser kann man den Irrsinn der Kriegsmaschinerie kaum darstellen. Es wird auch einer der wenigen Bezüge zur damaligen Zeit bleiben. Regisseur Berger bleibt fortan im Kriegsgeschehen. Einen Heimurlaub wie im Roman gibt es nicht. Einzig die Verhandlungen über einen Waffenstillstand stellen einen historischen Bezug her.

Dass sich die Verfilmung gar weit von der Romanvorlage entfernt, hat viele gestört. Dazu muss am aber das erst einmal Buch kennen und daher soll uns das nicht wieder kümmern. Es ist ein für deutsche Verhältnisse schon ganz beachtliches Projekt, dass den Vergleich mit US-Produktionen nicht zu scheuen braucht. Auch wenn die technischer Finesse von Dunkirk oder 1917 nicht erreicht wird. Bildgewaltig ist das deutsche Kriegsepos allemal. Vor allem die Szenen im Schützengraben sind beklemmend. Der Lärm und die Unübersichtlichkeit in den feuchten Erdlöchern wird durch die drastischen Aufnahmen erlebbar und zum intensiven Erlebnis.

Am Ende wird etwas dick aufgetragen. Ich kann mir aber gut vorstellen, dass es beim Publikum ganz gut ankommen wird. Irgendwie möchte man nach 140 Minuten doch noch was geboten bekommen. Davor mehr als zwei Stunden Tod und Verderben in Schlamm und Regen. Es waren unvorstellbare Bedingungen, unter denen die Soldaten kämpfen mussten. Das vermittelt Im Westen nichts Neues ganz eindringlich.

Der Hauptdarsteller Felix Kammerer ist Ensemblemitglied im Wiener Burgtheater und kann dort auch auf der Bühne erlebt werden.

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IM WESTEN NICHTS NEUES
Drama, D/USA/GB 2022

Regie Edward Berger
Drehbuch Lesley Paterson, Edward Berger, Ian Stokell
Kamera James Friend
Schnitt Sven Budelmann
Musik Volker Bertelmanm
Mit Felix Kammerer, Albrecht Schuch, Aron Hilmer, Daniel Brühl, Devid Striesow, ua.
Länge 148 Min.
Streamingplattform Netflix

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Sie gilt immer noch als einer der größten Filmstars aller Zeiten. Marilyn Monroe ist eine Popikone und einer der Stars des Goldenen Hollywood der 1950er Jahre. Sie füllte mit ihrer Persönlichkeit die Klatschspalten genauso aus, wie die große Leinwand. Blond von Andrew Dominik wird nun als Biopic vermarktet, dabei basiert der Film auf einer fiktionalen Romanvorlage. Die Autorin Joyce Carol Oates hat schon gewusst, warum sie auf 700 Seiten keine Namen nennt, außer jenen von Marylin Monroe. Das Bild, dass nun gerade jene von ihr haben werden, die Monroe nie in einer ihrer Rollen gesehen haben (und das mangels Angebot auf den Streamingplattformen auch nicht nachholen können), ist ein katastrophales. Leider scheint sich niemand um ihr Erbe für die Nachwelt zu kümmern. Über die ersten 20 von 166 Minuten kommt aber offenbar ohnehin kaum jemand hinaus. So blüht dem Film ein unrühmliches und tristes Streamingdasein.

Darum geht es

Der Film erzählt in Episoden aus dem Leben von Marilyn Monroe (Ana de Armas). Zu Beginn sieht man sie als kleines Mädchen (Lily Fisher) zusammen mit ihrer psychisch kranken Mutter (Julianne Nicholson) während eines großen Feuers in Hollywood Anfang der 1930er Jahre. In ihrer Jugend arbeitet sie als Cover- und Pinup-Model, bis sie 1946 von Darryl F. Zanuck ihren ersten Studiovertrag erhält, von dem sie dafür vergewaltig wird. Monroe ist stetig auf der Suche nach einer Vaterfigur. Ihren richtigen Vater hat sie nie kennengelernt. Es folgen Affären mit Eddy Robinson Jr und Cass Chaplin und Ehen mit Joe DiMaggio (Bobby Cannavale) und Arthur Miller (Adrian Brody). Von US-Präsident John F. Kennedy wird sie ebenso missbraucht. Sie arbeitet mit den größten Regisseuren ihrer Zeit, die ihre Eskapaden für ihre unvergleichliche Leinwandpräsenz in Kauf nehmen. Ihr Ruhm steigt ins Unermessliche, was ihr immer mehr zu schaffen macht. 1962 nimmt sie sich nach offiziellen Angaben das Leben.

Kommentar

Erst vor kurzem konnte eine jüngere Generation eine andere Ikone des 20. Jahrhunderts auf der Leinwand kennenlernen. Buzz Lurmanns Elvis spart nicht mit den Schattenseiten im Leben des Rock’n’Rollers. Trotzdem: man konnte sich ein Bild machen und verstehen, warum die Faszination um ihn bis heute ungebrochen ist. Mit Andrew Dominiks Blond gestaltet es sich nun etwas anders.

Technisch (Kamera: Chayse Irvin) zieht der Film alle Register. In Farbe und Schwarzweiß wechseln die Bildformate und werden zahlreiche berühmte Fotografien nachgestellt und zum Leben erweckt. Das ist Größtenteils schön anzusehen. Jedenfalls so lange die Bilder nicht zu explizit werden und man mit ansehen muss, wie sich Monroe prostituieren muss. Das ist dann mitunter unerträglich.

Ana de Armas legt sich ordentlich ins Zeug und zeigt mit Sicherheit eine schauspielerischer Leistung, an die man sich zurückerinnern wird. Sie beherrscht die verletzliche dünne Stimme, die wir von Monroe kennen. Jede Locke sitzt perfekt. Ebenso Julianne Nicholson, Bobby Cannavole und Adrian Brody seien erwähnt und zeigen einmal mehr, warum es im Englischen Supporting Actor/Actress heißt. Retten können sie den Film aber alle nicht.

Wir haben es hier mit einer Aneinanderreihung von negativ konnotierten Lebensstationen zu tun. Das Leben als ständiger Kontrollverlust. Monroe sehen wir durchwegs fremdbestimmt. Ein Funken der Lebensfreude kommt erst gar nicht auf. Wenn hier allerdings das männliche Studiosystem angeprangert werden soll, so fügt der Film dem eine neue Ebene hinzu. Denn frei von voyeuristischen Zügen ist Dominiks Inszenierung keineswegs. Die Bilder setzten dem noch eins drauf, in dem sie Monroes Charakter neuerlich ausbeuten. Auch durch die Bildsprache. In der Realität hatte sie ihr Leben sehr wohl selbst in der Hand. Immerhin war sie Mitbegründerin einer eigenen Filmproduktionsfirma, nachdem sie zusehends mit den Rollenangeboten nicht mehr zufrieden war. Ein Schritt, der heute als Teil vom Ende des Studiosystems gesehen wird.

Blond bedient sich Mythen rund um Marilyn Monroe, die heute teilweise widerlegt sind und macht das, was schon die Studiobosse zu ihren Lebzeiten getan haben: sie für ihre Zwecke auszunutzen. Einer ambivalente Persönlichkeit wird der Film nicht gerecht. Leider kann Marilyn Monroe sich nicht mehr dagegen wehren.

BLOND (OT: BLONDE)
Drama, 2022

Regie Andrew Dominik
Drehbuch Andrew Dominik nach Joyce Carol Oates
Kamera Chayse Irvin
Schnitt Adam Robinson
Musik Nick Cave, Warren Ellis
Mit Ana de Armas, Adrian Brody, Bobby Cannavale, Julianne Nicholson
Länge 166 Min.
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In seinem neuesten Film Parallele Mütter zeigt Pedro Almodóvar einmal mehr, dass er zu den ganz Großen des zeitgenössischen Kinos gehört. Mit der für einen Oscar nominierten Penélope Cruz in der Hauptrolle erzählt der Regisseur über ein schicksalhaftes Ereignis, das zwei Frauen einander näher bringt. In der Rahmenhandlung verknüpft Almodóvar die Geschichte mit der grausamen Vergangenheit des spanischen Bürgerkriegs. Erschütternd und schön zugleich.

Darum geht es

Janis (Penélope Cruz) ist Werbefotografin in Madrid und hat eine Affäre mit dem forensischen Anthropologen Arturo (Israel Elejalde). Sie bittet ihn, die Exhumierung ihres Urgroßvater zu veranlassen, der unter dem Franco Regime in ihrem Heimatdorf ermordet und in einen Massengrab beigesetzt wurde und die Leichen dort zu identifizieren.

Als Janis schwanger wird und sie der verheiratete Arturo zu einer Abtreibung zu überreden versucht, beschließt sie, das Kind alleine groß zu ziehen. Auf der Entbindungsstation lernt sie Ana (Milena Smit) kennen, mit der sie das Zimmer teilt und die Beiden freunden sich an. Als Arturo einige Monate später überraschend auftaucht und das Kind sehen möchte, reagiert er verhalten und fragt ob das wirklich sein Kind sei. Die Aussage beunruhigt Janis und sie stellt mittels DNA Test Nachforschungen an. Dabei macht sie eine Entdeckung, mit der sie nie und nimmer gerechnet hätte. Dann steht plötzlich Ana buchstäblich vor der Tür. Janis bietet ihr an, bei ihr einzuziehen.

Kommentar

Pedro Almodóvar gehört zu jenen Regisseuren, die eine unverwechselbare Handschrift entwickelt haben. Jeder Kader ist wohl seinem Werk zuzuordnen. Die kräftigen Farben sind bis ins kleinste Detail aufeinander abgestimmt. Die Interieurs geschmackvoll. Dabei stellte der Regisseur aber nie die Form vor den Inhalt. Starke Frauenrollen zeichnen die Arbeiten von Almodovar seit jeher aus. So auch seinen neuesten Film Parallele Mütter.

Penélope Cruz‘ Darstellung von Janis ist einglaublich nuancenreich, die neben ihrem nach außen starken Auftreten auch in das tiefste Innere von Janis blicken lässt. Sie weiß ganz genau wohin sie will und was sie tut, bis sie in ihrer Verzweiflung von ihren Gefühlen überwältig wird und ihr das Leben für einen kurzen Moment entgleitet. Es ist eine der beeindruckendsten Charakterdarstellungen der jüngsten Zeit, die manchmal an die große Sophia Loren erinnert. Dabei lässt sie der um einige Jahre jüngeren Milena Smit als Ana genügend Raum.

Darüber hinaus urteilt Almodóvar nie über seine Figuren. Selbst als er den Bogen in die dunkle Vergangenheit Spaniens und den Verbrechen den Bürgerkriegs spannt, bedient er sich einer fast nüchternen Herangehensweise. Die Gegenwart wie die Vergangenheit wird mittels DNA Proben aufgearbeitet. Ein Kontrapunkt zum opulenten Stil und der stark emotionalen Handlung, in der es nicht zuletzt darum geht, inwieweit es außerhalb unserer Macht steht, dass die eigenen Kinder von Fremden beeinflußt werden.

Spätestens wenn Janis eine Tortilla de patata zubereitet, möchte man sich zu ihr an den Tisch setzen. Das Kino des Pedro Almodóvar geht auch durch den Magen. Almodóvar muss uns nichts mehr beweisen. Er macht es trotzdem. Große Empfehlung für Parallele Mütter.

Parallele Mütter (OT: Madres paralelas)
Drama, E 2021

Regie Pedro Almodóvar
Drehbuch Pedro Almodóvar
Kamera José Luis Alcaine
Schnitt Teresa Font
Musik Alberto Iglesias
Mit Penélope Cruz, Milena Smit, Rossy de Palma, Israel Elejalde
Länge 123 Min.

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