Kategorie: Review

Im vergangenen Jahr besaßen 26 Menschen genauso viel, wie die ärmere Hälfte der Menschheit. Das sind bekanntlich rund 3,8 Milliarden Menschen. Die Schere zwischen Arm und Reich wird weltweit wieder größer, das berichtet die Hilfsorganisation Oxfam. In den zehn Jahren nach der Finanzkrise hat sich die Zahl der Milliardäre nahezu verdoppelt. Ihre Vermögen wachsen um 2,5 Milliarden US-Dollar. Täglich.

Der südkoreanische Filmemacher Bong Joon-ho (Snowpiercer, The Host, Okja) lässt in seinem neuesten Film Parasite zwei Familien aufeinandertreffen, die genau aus entgegengesetzten sozialen Schichten kommen. Die Familie Kim lebt in einer Wohnung im Souterrain. Der Vater, seine Frau, Tochter und Sohn verdingen sich mit Gelegenheitsjobs wie Pizzakartons falten, was offensichtlich nicht zu ihren Stärken zählt. Das WLAN klaut man bei den Nachbarn. Die Parks wiederum leben in einem Designerhaus. Auch ein vier Personenhaushalt. Der Vater ist hier ein erfolgreicher Geschäftsmann. Die Leere der Räume des großen Hauses setzt sich in den zwischenmenschlichen Beziehungen fort. Von einer Geselligkeit wie bei den Kims ist ihr nichts zu spüren. Die kühlen Beziehungen, vermischt mit dem Setdesign, rufen Erinnerungen an so manchen österreichischen Film hervor.

Das ist die Ausgangslage für Bongs Drama, das sich bald keinem Genre mehr zuschreiben lassen wird. Die einzige Möglichkeit, dass zwei so unterschiedliche Familien aufeinandertreffen, ist ein Arbeitsverhältnis. Der bauernschlaue Sohn Ki-woo der Familie Kim tritt als Nachhilfelehrer der Tochter in das Leben der Parks. Als die auch eine Therapeutin für sie suchen, hat Ki-woo eine Idee. Mehr soll hier über den Inhalt nicht verraten werden. Das wünscht sich der Regisseur so und garantiert eine der spannendsten und aufregendsten Kinoerfahrungen der letzten Jahre.

Parasite ist unheimlich komisch – wenn man in der Originalfassung nicht darauf vergisst, die Untertitel zu lesen. Der Film funktioniert nämlich ohne Sprache über weite Strecken auch sehr gut. Dabei weiß man nie, ist die nächste Szene zum Lachen oder doch eine der schockierenden Wendungen. Damit spielt Bong für mehr als zwei Stunden, bis zur allerletzten Szene.

Die Goldene Palme hat Bong Joon-ho in diesem Jahr schon erhalten. Sozialkritische Stoffe sind gerade sehr gefragt (siehe auch Joker). Für den Auslandsoscar gilt Parasite als Fixstarter und darüber hinaus sind Nominierungen für Beste Regie, Bester Film und Bestes Drehbuch nicht unwahrscheinlich. Filme kurz nach dem Filmstart einzuordnen ist schwer. Allein schon wegen des Drehbuchs, das in Zukunft wohl noch viele FilmstudentInnen beschäftigen wird, kann man hier trotzdem von einem Ausnahmefilm sprechen. Eine schamlose, grausame und sarkastische Tragikomödie voller dramatischer Überraschungen – es ist der beste Film, der in diesem Jahr bis jetzt angelaufen ist und wir haben immerhin schon Oktober.

BONG JOON-HO | KOR 2019 | 132 Min. | [usr 4.5]

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Was wäre James Bond ohne Dr. No und Blofeld? Bruce Wayne könnte ohne Riddler oder Joker sein Kostüm getrost in der feuchten Höhle hängen lassen. Film und Comichelden definieren sich nicht zuletzt durch ihre Gegenspieler. Wie verhält es sich aber mit den Bösewichten selbst? Braucht der Joker Batman? Regisseur und Drehbuchautor Todd Philips wird darauf keine Antwort geben. Der Sensationserfolg des Jahres handelt nicht von der Figur des Joker, sondern vielmehr davon, wie aus einem vom Leben gebeutelten und psychisch kranken Mann der Joker wurde.

Die Filmfestspiele von Venedig im August 2019. Joker feiert seine Weltpremiere auf dem renommierten Festival. Der Beifall ist groß. Ein paar Tage später erhält Todd Philips den Goldenen Löwen, die höchste Auszeichnung, die das Festival zu vergeben hat. Für eine Comicverfilmung. Man ist es von Venedig gewöhnt. Entweder es gewinnen Filme, die ein breites Publikum ansprechen und denen weltweit Anerkennung entgegengebracht wird oder es sind Filme, für die sich außerhalb der Festivalwelt niemand interessieren mag. Joker hat eine Woche nach Filmstart mehr als eine halbe Milliarde USD eingespielt und ist schon jetzt der erfolgreichste je am Lido ausgezeichnete Film.

Während ihn die Kritiker nach dem Filmstart teilweise regelrecht in der Luft zerreißen, steht das Publikum Schlange. Zugegeben, der Trailer ist formidabel. Joaquin Phoenix als Arthur Fleck, abgemagert und irre, spielt um sein Leben. Setdesign, Kostüme und Kamera geben ein harmonisches Ganzes ab. Gut, über das Drehbuch ließe sich hie und da diskutieren. Aber Joker wartet gleich mit mehreren Szenen auf, die im allgemeinen Gedächtnis bleiben dürften. Joaquin Phoenix ist es gelungen, wie schon seinen Vorgängern Jack Nicholson und Heath Ledger, den Ruf des Joker als popkulturelle Ikone zu verfestigen, dessen Konterfei abermals T-Shirts, Poster, Kaffeehäferl und in Form von Graffitis Hauswände zieren wird.

Dabei sieht man hier noch gar nicht den eigentlichen Joker, sondern einen Mann, der sich als Clown sein Geld verdient, bei seiner Mutter wohnt, ein bisschen Irre ist, von einer Karriere als Stand-up Comedian träumt und eines ganz sicher nicht ist, nämlich lustig. Als die Stadt die Sozialleistungen kürzt, spitzt sich die Lage zu. Nicht nur für Fleck, sondern für alle Menschen im Moloch Gotham City.

Die Stadt spielte stehts eine große Rolle im Batman-Universum. Allerdings sah man sie immer aus der Sicht von Bruce Wayne. Seine Eltern wurden von einem Kleinkriminellen nach einem Theaterbesuch ermordet und auch sonst trieb sich in den Straßen von Gotham City ausschließlich das organisierte Verbrechen in Form von Gangs herum. In Joker sehen wir nun eine Stadt, die gerade dabei ist außer Kontrolle zu geraten, weil die Infrastruktur zusammenbricht und die Kluft zwischen Arm und Reich immer größer wird. Gesehen aus der Sicht eines Mannes, der zu den Verlierern gehört. Das Schicksal meinte es nicht gut mit ihm. Schwierige Kindheit. Jobverlust. Todd Philips wählt eine völlig neue Perspektive um uns die Geschichte über einen der berühmtesten Bösewichte zu erzählen. Jetzt sind eben die Waynes die Antagonisten – und trotzdem: Joker ist eine Comicverfilmung und kein Sozialdrama.

Die Verwandlung des Arthur Fleck kommt in kleinen Dosen. Es ist eine Freude, Phoenix dabei zuzusehen. Es gibt dann am Ende jenen Moment, in dem die Transformation vollzogen ist und Arthur Fleck verschwunden ist. Die knapp zwei Stunden davor garantieren, dass an der Glaubwürdigkeit des radikalen Wandels, den der Charakter durchläuft, kein Zweifel bleibt.

Robert De Niro als Showmaster Murray Franklin bleibt trotz seiner kurzen Auftritte im Gedächtnis. Er bedient sich Außenseitern, wie Fleck einer ist, für seine Show. Lachen auf Kosten von anderen. Die Aversion, die beide Schauspieler für einander gehegt haben sollen, wird spürbar und erzeugt eine interessante Spannung.

Vielleicht nimmt Joker in einer überzeichneten Art und Weise voraus, was uns in fünf bis zehn Jahren tatsächlich blüht, wenn die Wirtschaftskrise wirklich angekommen ist und vielleicht wird der Film dann retrospektiv von manchen anders gesehen. Todd Philips scheint mit seiner völlig neuen Interpretation eines Comicstoffes jedenfalls den Nerv der Zeit getroffen zu haben.

TODD PHILIPS | USA 2019 | 122 Min. | [usr 4]

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Vor 24 Jahren kam mit Toy Story der erste vollständig animierte Spielfilm in die Kinos. Der Film markierte nicht nur den Beginn einer Jahrzehnte andauernden Freundschaft zwischen dem „lonely cowboy“ Woody (im Original gesprochen von Tom Hanks) und dem Astronauten Buzz Lightyear (Tim Allen), sondern von da an war die Disney Tochter Pixar Animation Studios das Maß aller Dinge, wenn es um Computeranimation ging. Böse Zungen behaupteten gar, Woody und seine Spielzeug-Freunde übertrafen  ihre realen KollegInnen an Emotionalität und Ausdruckskraft.

Obwohl niemand wirklich darauf wartete, kam bereits 1999 mit Toy Story 2 die Fortsetzung und wurde neuerlich gleichsam ein finanzieller wie künstlerischer Erfolg. 2010 wiederholte Pixar das Kunststück ein drittes Mal. Diesmal sogar als Bester Film für den Oscar nominiert und in der Kategorie Bester Animationsfilm schließlich erfolgreich. Das Ende galt dann als krönender Abschluss einer erfolgreichen Trilogie. Doch 2014 gab Disney bekannt, an einer weiteren Fortsetzung zu arbeiten. Skepsis war angebracht. In den letzten zehn Jahren brachte Pixar elf Filme heraus, sieben davon waren Fortsetzungen vorangegangener Erfolge. Obwohl durchwegs ebenso erfolgreich nicht immer von gleicher Qualität.

Soviel kann schon man sagen: A Toy Story: Alles hört auf kein Kommando, kurz Toy Story 4, fügt sich nahtlos in die Saga ein. Die Fortsetzung, auf die neuerlich keiner gewartet hatte, macht durchaus Sinn. Die Charakterentwicklung, vor allem von Woody, wird vorangetrieben. Woody trifft auf seine alte Flamme Porzellinichen (Orig. „Bo Peep“, Annie Potts). Sie hat nun buchstäblich die Hosen an. Von der zerbrechlichen Porzellanfigur hat sie sich zu einem selbstbewussten besitzerlosen Spielzeug gewandelt. Es werden neue Themenkomplexe aufgebrochen: Wann ist ein Spielzeug Müll? und Kann man als Spielzeug frei sein oder kann man nur mit einem Besitzer glücklich werden?

Die nunmehrige Geschichte spielt zwischen einem Jahrmarkt und einem Antiquitätenladen. Was wir hier sehen, bleibt den Menschen allerdings meist verborgen. Die Perspektive der Spielzeuge zeigt uns was sich über oder unter den Ständen und Regalen abspielt. Hier tut sich eine eigene Welt auf, die mitunter bedrohlich wirken mag. Wie in den Vorgängern ging es den Machern nie alleine um Unterhaltung. Stets plagten die Charaktere existenzialistische Fragen. Der neu hinzugekommenen kanadischen Stunt-Motorradfahrer Duke Caboom (Keanu Reeves) ist traumatisiert wegen seines Unvermögens, als Spielzeug der eigenen Werbung stand zu halten. Duke alleine könnte einen Film füllen.

Die bösen Wächter des Antiquitätenladens sind Bauchrednerpuppen in schwarzen Anzügen. Die seitlich hängenden Köpfe und schlackernden Gliedmassen sind ein weiteres Zeichen der Detailverliebtheit. Grusel garantiert. Durch die Altersfreigabe von FSK 0 sollte man sich nicht irritieren lassen. Toy Story 4 ist bestenfalls für Kinder ab 6 Jahren geeignet. Abgesehen davon, das man von einem Kinobesuch davor sowieso grundsätzlich absehen sollte, weil das viel zu anstrengend für die Kleinsten ist. Wirklich zu empfehlen ist der Film erst ab 8 Jahren.

Wenn man sich die vier Filme heute ansieht, lässt sich der technische Fortschritt der Digitaltechnik ablesen. Damals wie heute setzt Pixar Maßstäbe im Genre. Und trotzdem: Etwas an „freshness“, um in der Sprache der Bewertungsplattform Rotten Tomatoes zu bleiben, haben Woody und Co eingebüßt. Auch diese Serie lässt sich nicht ewig weiterführen. Das nunmehrige Finale ist – eine neuerliche – Möglichkeit, um die Spielzeuggeschichten zu einem würdigen Ende zu bringen.

A TOY STORY: ALLES HÖRT AUF KEIN KOMMANDO/ OT: TOY STORY 4 | JOSH COOLEY | USA 2019 | 100 Min | [usr 4]

Link: Spiegel Online: Pixar – Ein Studio im Wandel

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Foto: Disney/Pixar

„Yes, we can“, das haben sich die Macher rund um Regisseur Jon Favreau wohl gedacht, als sie den Auftrag für das Remake des Disney Kinoklassikers aus dem Jahr 1994 bekommen haben. Der Zeichentrickfilm Der König der Löwen hat bis heute eine knappe Milliarde US-Dollar eingespielt. Ein derartiger Erfolg ist nur wenigen Filmen aus dem letzten Jahrhundert vorbehalten (genauer nur Titanic und Jurassic Park). Kein Wunder, dass sich der Konzern dazu entschloss, eine Neuauflage in die in Kinos zu bringen. Allerdings kein Live-Action Remake – aus Gründen – sondern einen hyperrealistischen Animationsfilm auf dem letzten Stand der Technik.

Favreau hat schon mit seinem Dschungelbuch (2016) gezeigt, wohin die Reise geht. Nun also ein Film, der komplett dem Rechner entsprungen ist. Das Ergebnis ist beeindruckend. Es ist schwer, einem Kind zu erklären, dass hier nichts echt ist. Eigentlich ist es unmöglich. Neben der technischen Finesse kämpft der Film aber mit so manchen Probleme. Er ist schlicht irgendwo zwischen Tierdokumentation und Spielfilm stecken geblieben.

Der König der Löwen ist ein Hybird von Film. Des Realismus wegen hat man auf menschliche Mimik verzichtet. Nicht jedoch auf Dialog und Gesang. Dabei hätte es etwas Innovatives gehabt, hätte man darauf zur Gänze verzichtet oder zumindest auf einen Erzähler gesetzt. Gut möglich, dass wir uns in Zukunft an solche Filme gewöhnen. Für den Moment wirkt alles etwas befremdlich.

Im Grunde hat man sich zu einen Bild für Bild Remake entschieden. Die markanten Einstellungen sind größtenteils identisch zum Original. Allerdings dauert die neue Version eine halbe Stunde länger, bei gleichbleibender Storyline. Die Ergänzungen sind dem Film aber zu Gute zu halten. Die Geschichte ist jetzt stimmiger. Eine hinzugefügte Sequenz unterstreicht den Circle Of Life. Neben übertriebenem Flatulenzhumor gibt es eine amüsante Anspielung auf Die Schöne und das Biest. Gleichzeitig unterliegt aber ein Zeichentrickfilm anderen narrativen Gesetzen als ein „Realfilm“. Szenen wie die Stampede der Gnus und das Ende von Simbas Vater Mufasa wirken weniger glaubwürdig, weil die Landschaft jetzt komplexer ist. Muss er sterben, wenn es offenbar genügend Felsvorsprünge gibt? Das geht auf Kosten von Dramatik und Logik.

All das ordnet sich aber der Frage unter, welchen Mehrwert Der König der Löwen heute hat – neben dem technischen Aspekt. Es wird schwer sein, einen zu finden. Auf der emotionalen Ebene kann der Film nicht mehr leisten als sein Vorbild. Das spricht für die Zeichner der Urfassung. Was bleibt? Einen guten Stoff kann man nicht umbringen. Die Geschichte ist simpel, leicht verständlich und im Hinterkopf schwelgt die Erinnerung an das Original.

DER KÖNIG DER LÖWEN/ OV: THE LION KING | Jon Favreau | USA 2019 | 118 Min. |[usr 2,5]

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FOTO: THE WALT DISNEY COMPANY

Hollywood, die Stadt der Träume. Quentin Tarantino verwirklicht sich hier mit Once Upon A Time In … Hollywood seine ganz persönliche Vision um die Schauspielerin und Stilikone Sharon Tate (1943-1969). Wie nimmt man sich aber einer Geschichte an, ohne einem weiteren, jedoch verhassten Protagonisten eine Bühne zu bieten (dem später gleichzeitig eine zweifelhafte Heldenverehrung zu Teil wurde) ? Tarantino hat einen Weg gefunden. Es ist hilfreich, wenn man ein wenig darüber Bescheid weiss, was in der Nacht vom 9. August 1969 Hollywood nachhaltig erschütterte.

Auf der Spahn Movie Ranch (der alte, fast blinde Spahn wird von Bruce Dern verkörpert) versammelte der Sektenführer Charles Manson (1934-2017) Ende der 1960er mehr als 100 junge Frauen und Männer in einer Hippie-Kommune um sich, in dem er sie mittels Drogen und sexueller Abhängigkeit gefügig machte. Manson war von dem Wahn befallen, dass es zu einem großen Kampf zwischen schwarzen und weissen Menschen kommen würde. Die Sekte wird dem rassistischen, rechtsradikalen Spektrum zugeordnet. Es zeigte sich, dass die Mitglieder der „Family“ dazu bereit waren, alles für ihren „Ersatz-Jesus“ zu tun. Am 9. August gab Manson den Befehl, in das Haus von Roman Polański und seiner hochschwangeren Frau Sharon Tate einzudringen und alle Anwesenden zu töten. Die Verbrechen gingen gemeinsam mit den Tags darauf verübten Morden als Tate-LaBianca-Morde in die Geschichte ein und machten Manson zu einem der berühmtesten Verbrecher der Welt. Sharon Tate wurde mit ihrem Kind in den Armen begraben. Soweit, so schrecklich.

Tarantinos Erzählung beginnt sechs Monate davor, an zwei Tagen im Februar 1969 (und wird später an zwei Tagen im August fortgesetzt). Der Westerndarsteller Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) befindet sich in einer Schaffenskrise und lässt sich von seinem Stuntdouble und Buddie Cliff Booth (Brad Pitt) durch die Straßen Hollywoods kutschieren. Dabei orientiert sich Tarantino lose an der Beziehung von Burt Reynolds zu seinem Stuntdouble Hal Needham. Erstmals gemeinsam vor der Kamera geben die zwei ein geniales Duo ab. Selbstironisch spielt DiCaprio damit, dass ihm die große Anerkennung als ernstzunehmender Schauspieler – trotz Oscar – nie wirklich zu Teil wurde, bzw. er durch sein intensives Spiel immer wieder Ziel von Persiflagen wurde. Pitt bringt mit seinem strahlenden Lächeln und nackten Oberkörper immer noch ganze Kinosäle in Verzücken. Once Upon A Time In … Hollywood ist auch ein Film über einen Generationenwechsel. Sunnyboy Pitt steuert bald auf seinen 60er zu. Es ist ein Verdienst der Traumfabrik, dass uns ein natürlicher Alterungsprozess zu verwundern vermag. Booth, der sich, als er die Antenne auf Daltons Dach repariert, nicht nur an einen Hahnenkampf zurückerinnert, den er einst mit Bruce Lee (Mike Moh) geführt hat, beobachtet auch den einzigen kurzen Auftritt von Charles Manson (Damon Herrimann), als der sich bei den Nachbarn über den Vormieter Terry Melcher erkundigt.

In jenem Februar hat Dalton nämlich neue Nachbarn am Cielo Drive bekommen. Roman Polański (Rafał Zawierucha) und Sharon Tate (Margot Robbie) sind vor der Yellow Press in Europa nach Hollywood geflohen. Polański genießt bereits den Ruf als junger Wilder und verkörpert, auch wenn er nicht Teil des New Hollywood ist, eine neue Generation von Filmemachern. Dalton steckt als TV-Darsteller im alten Hollywood fest und träumt sogleich von einer Zusammenarbeit. Allerdings ziehen sich seine neuen Nachbarn hinter einem großen Eisentor zurück.

Tarantino zeigt das Hollywood jener Jahre in einer detailverliebten Ausstattung und konserviert die Zeit in knalligen Farben. Nicht nur wenn Tate im Kinosaal ihre schönen Beine über die Sitze streckt, frönt Tarantino seinem Fußfetisch. Autos kommen bei ihm gleich an zweiter Stelle. Keine Einstellung ohne Verweis auf die Filmgeschichte: von Zefirelli bis Italo-Western, TV-Serien, Radioausschnitte, Filmplakate und einem obligatorisch rockigen Soundtrack mit viel Witz, wenn auch nicht so unverwechselbar wie sonst. Unterhaltsam ist sein Neunter allemal.

Quentin Tarantino kehrt an seinen Sehnsuchtsort zurück und setzt einen Kontrapunkt zum Summer of Love, der zwei Jahre zuvor prolongiert wurde. Denn auch wenn Tarantino lange in ungewohnter Melancholie schwelgt, am Ende wird es nicht ohne häßliche Bilder gehen.

Die Parallelmontage zu Beginn ist fulminant und die 20-minütige Plansequenz auf der Spahn Movie Ranch mutet wie das Vorspiel zu einem Horrorfilm an. Leider kann Tarantino diese Intensität nicht die knapp 160 Minuten halten und das Ende kommt abrupt. Vor allem, wenn man den historischen Rahmen nicht kennt. Tarantino hat den Hippiehasser und TV-Star Dalton, den man öfters in 16mm schwarzweiß Sequenzen seiner vergangenen Filme sieht, doch noch eine große Rolle im 35mm Cinemascope zu Teil werden lassen. Und das wird erst in der letzten Einstellung klar.

ONCE UPON A TIME IN … HOLLYWOOD | QUENTIN TARANTINO | USA 2019 | 159 Min. | [usr 4 ]

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