Autor: Michael Holly

Das Warten hat ein Ende. Produktionsverzögerungen und die Pandemie ließen gut 2 Jahre verstreichen. Mit Keine Zeit zu Sterben geht nun die fünfzehn Jahre und fünf Filme andauernde Ära von Daniel Craig als James Bond-Darsteller zu Ende. Keiner der legendären Vorgänger hat den Charakter so für sich vereinnahmt und derart geprägt wie Craig. Sowohl in der Charakterentwicklung des Agenten als auch hinsichtlich des antiquierten Frauenbildes ist das Autorenduo Purvis & Wade völlig neue Wege gegangen. Das Publikum hat es dem Produktionsteam gedankt. Der enorme Erfolg (Mit Skyfall spielte erstmals ein Film der Reihe mehr als eine Milliarde Dollar ein) hat Daniel Craig zum mit Abstand bestbezahlten Schauspieler aller Zeiten gemacht. Es ist ein langer und für die Serie ungewöhnlich emotionaler Abschied geworden.

Darum geht es

Wie alle Filme seit Ein Quantum Trost (2008) schließt auch Keine Zeit zu Sterben nahtlos an seinen Vorgänger an. James Bond (Daniel Craig) ist mit Madeleine Swann (Léa Seydoux), der Tochter von Quantum Anführer Mr. White (Er nahm sich in einer Hütte am Altausseer See das Leben), in Italien untergetaucht. Die Vergangenheit holt den Agenten aber bald wieder in die Realität zurück. Bond ließ Ernst Stavro Blofeld (Christoph Waltz) am Ende von Spectre (2015) am Leben. Der delegiert seine Handlanger nun vom Hochsicherheitstrakt aus und die kommen Bond gefährlich nahe. Dann ist da auch noch Lyutsifer Safin (Rami Malek), der den Tod seiner Eltern rächen möchte und nebenbei die Weltherrschaft an sich reißen will.

Felix Leiter (Jeffrey Wright) heuert seinen alten Freund Bond an, um mit ihm und dem CIA den gekidnappten MI6 Wissenschaftler Valdo Obruchev (David Dencig) ausfindig zu machen. Wieder einmal steht das Schicksal der gesamten Menschheit auf dem Spiel. Dass es dabei selbst für James Bond persönlich um viel geht, weiß er zu diesem Zeitpunkt noch gar nicht.

Kommentar

Eigentlich hätte der leider sehr schwache Spectre den Abschied für Daniel Craig bedeuten sollen. Sehr eindringlich machte Craig damals klar, nicht mehr für die Rolle zur Verfügung zu stehen. Aber: Sag niemals nie. Sean Connery wusste, wovon die Rede ist. Was solls, die Rolle bleibt ohnehin mit einem jeden Schauspieler bis an sein Lebensende verbunden.

Was das Autorenteam Purvis &Wade und Cary Joji Fukunaga unter Zuhilfenahme von Phoebe Waller-Bridge da nun auf die Leinwand gebracht haben, sucht seines Gleichen. Noch nie wurde eine etablierte und erfolgreiche Marke derart dekonstruiert. Viele aus dem jüngeren Publikum heute kennen die meisten der 24 Filme der vergangenen sage und schreibe 59 Jahre nicht mehr (plus 2: Sowohl Casino Royal von 1962 als auch Sag niemals nie, 1983, zählen offiziell nicht dazu). Für James Bond-Fans dürfte Keine Zeit zu Sterben allerdings ein gewisser Schock sein. Von vielem, was die Serie charakterisierte hat man sich in den letzten Filmen zusehends verabschiedet. Bereits bei ihrem ersten Auftritt als M in Goldeneye im Jahr 2005 nannte Judy Dench den Agenten „A sexist, misogynist dinosaur. A relic of the Cold War.“

Mit Daniel Craig in Casino Royal elf Jahre später waren die legendären Bondgirls, die als bloßer optischer Aufputz dienten, Geschichte. Craig lief ständig mit schrammen im Gesicht herum, wurde gefeuert und offiziell für tot erklärt. Die letzten Jahre waren nicht leicht für den berühmtesten aller Geheimagenten. Herumschwirrende Kugeln konnten ihm immer noch nichts anhaben aber unter der Haut war er verletzlich geworden. Mit Vesper Lynd (Eva Green) erhielt Craigs Bond gleich zu Beginn eine Partnerin, die mehr als eine flüchtige Affäre war. Wie schon Diana Rigg als Teresa in Im Geheimdienst ihrer Majestät (mit George Lanzenby), die Bond ehelichte und Blofeld wenige Stunden später ermordete. Nun gibt es genau auf diesen Film in Keine Zeit zu Sterben zahlreiche Verweise, wie den Aston Martin und die unvergessliche Nummer We have all the time in the world von Louis Armstrong. Selbst mit der Filmmusik verließ man bekanntes Terrain. Hans Zimmer webt zwar geschickt zahlreiche klassische Bond Motive in seinen Score ein. Darüber hinaus weicht die Musik aber stark vom Gewohnten ab.

„007 is only a number.“

Keine Zeit zu Sterben (2021)

Neben Im Geheimdienst ihrer Majestät gab es noch einen zweiten Film, der sich mit dem Charakter und der Vergangenheit von Bond auseinandersetzte: Skyfall, im 50. Jubiläumsjahr 2012. Der gleichnamige Familiensitz war Ort eines Traumas. Hier wurde Bond zum Waisen und hier starb auch M, gespielt von Judy Dench. Rückblickend wurde damals klar, dass M nur ein Buchstabe ist. Dench wurde durch Ralph Fiennes ersetzt. Jetzt ist es die Agentin Nomi (Lashana Lynch), die vorübergehend als 007 agiert.

In Keine Zeit zu Sterben dominieren die dialoglastigen ruhigen Momente. Es gibt aber immer noch genug Raum für Stunts und Action (leider führte, wie so oft in den letzten Jahren, ein weiteres Mal mit Fukunaga jemand Regie, der mit dem Action Genre nicht sehr vertraut ist). Der Charakter wirkt jedoch losgelöst vom Agentendasein. Selbst Shaken, not stirred ist vergessen. Mehr sei hier nicht verraten.

Die große Frage, die sich stellt: wie geht es von hier aus weiter? Unverkennbar hat man mit Mission: Impossible Anleihen an einem anderen maßgeblichen Franchise genommen. Mit Q (Ben Whishaw), M , Ms. Moneypenny (Naomi Harris) und Nomi greifen weitere Charaktere aktiv ins Geschehen ein. Ana de Armas assistiert Bond auf Blofeld Geburtstagsfeier als CIA Agentin und löste mit ihrem kurzen Auftritt nicht nur in den Sozialen Medien eine Welle der Euphorie aus. Bond ist hier kein Einzelgänger mehr.

Die Produzenten Barbara Broccoli und Michael G. Wilson werden sich die Frage stellen müssen, was die Alleinstellungsmerkmale von James Bond nun sind. Eines scheint klar: nach Keine Zeit zu sterben steht ein radikaler Neustart an. Gut möglich, dass dies mehr als das Ende für Daniel Craig bedeutet und uns ein neuer Bond für eine neue Generation erwartet. Für diesen Abschied hat die Marke James-Bond-007 jedenfalls einen hohen Preis bezahlt.

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Keine Zeit zu sterben (OT: No time to die)
Agententhriller, GB 2021

Regie Cary Joji Fukunaga
Drehbuch Purvis & Wade, Cary Fukunaga, Phoebe Waller-Bridge
Kamera Linus Sandgren
Schnitt Eliott Graham, Tom Gross
Musik Hans Zimmer
Mit Daniel Craig, Léa Seydoux, Ralph Fiennes, Ben Whishaw, Naomi Harris, Jeffrey Wright, Christoph Waltz, Rami Malek, Ana de Armas
Länge 163 Minuten

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Es gibt Filme, bei denen sich bei mir nach dem ersten Mal Ansehen nicht die große Begeisterung einstellt, wenngleich nicht zu bestreiten ist, dass es da etwas gibt, das sie zu etwas besonderem macht. Das war bei David Lowerys A Ghost Story (Viennale, 2017) so und gestaltet sich ähnlich bei seinem neuen Film The Green Knight, einer Geschichte rund um die Artus Legende. Diesmal muss man eine gehörige Portion Geduld mitbringen, um bis zum Ende durchzuhalten und die volle Schönheit dieses Fantasy-Dramas erfahren zu können.

Darum geht es

Der König (Sean Harris) hat Zahnweh. Die glorreiche Zeit ist längst vorüber. Den Weihnachtsabend verbringt er gemeinsam mit seinen Rittern an der runden Tafel. Als ein mysteriöser Reiter erscheint und ihm zum Duell auffordert, muss er passen. Der Geist ist willig, allein der Körper macht nicht mehr mit. Die Bedingung des Fremden: Man darf einen Schlag gegen ihn ausführen. Sollte er jedoch überleben, muss sein Gegner ihn in genau einem Jahr in seiner grünen Kapelle aufsuchen und wiederum einen Schlag über sich ergehen lassen. Gawain (Dev Patel), des Königs Neffe, stellt sich dem Fabelwesen, hab Mensch, halb Baum. Das Duell mutet mehr wie eine Hinrichtung an. Dann passiert gar seltsames und der Reiter zieht davon. Gawain hält es für ein Spiel. Fast ein Jahr vergeht, bis ihn König Artus an sein Versprechen erinnert und ihn auf eine Reise in den Norden schickt, um die Grüne Kapelle aufzusuchen und zu beenden, was ein Jahr zuvor begonnen hatte. Gawain, zufrieden mit seinem lasterhaften Leben und seiner Romance mit einer Lady (Alicia Vikander), macht sich widerwillig auf den Weg.

Kommentar

Es gibt großartige Momente in The Green Knight, eingefangen in wunderschönen Bildern von Kameramann Andrew Droz Palermo. Zum Beispiel als Gawain im Wald ausgeraubt wird, gefesselt auf dem Boden liegt und verrottet, nur um in einer 360 Grad Kamerafahrt eine Wiederauferstehung zu erfahren. David Lowerys Erzählung strotzt vor visuellen Ereignissen. Er hat eine eigene mittelalterliche Welt erschaffen. Sie ist nicht nur finster, wie wir dieses Zeitalter ohnehin kennen, sondern voll Metaphorik, eingehüllt in Nebel, umgeben vom feuchten Duft von Erde und Moos. Es sind Stimmungen, die lange in Erinnerung bleiben werden.

Is it wrong to want greatness for you?

König Artus zu Gawain.

Gleichzeitig verlangt er dem Publikum einiges ab. Das Erzähltempo ist bedächtig und es ist keineswegs immer klar, was hier vor sich geht. Es dauert eine ganze Weile, bis sich Gawain endlich auf den Weg machen muss. Lowery hat sich von der Ritterromanze Sir Gawain and the Green Knight aus dem 14. Jahrhundert inspirieren lassen. Die ursprüngliche Form der Erzählung ist im Film spürbar. Wir haben es mit keinem Abenteuer- oder Actionfilm zu tun, sondern mit einer Reise, die mehrmals vom Pfad des körperlichen Daseins abkommt.

Jede Bewegung des grünen Ritters (kommt leider viel zu kurz vor, eine sehr spannende Figur!) wird von einem Knirschen und Knacken begleitet, das die Nähe der Natur in dieser Geschichte unterstreicht. Vikander hält einen eindringlichen Monolog über den Kreislauf der Natur. Gawain ist der Welt völlig ausgesetzt, hat sein behütetes Nest wohl noch nie verlassen. Seine Ängstlichkeit und Unsicherheit überträgt sich auf das Publikum, dem allerhand Interpretationsspielraum gegeben wird. Etwas, das viel zu selten ist, bekommen wird doch heute oftmals die Erklärung sofort und manchmal gleich doppelt geliefert. Auch so gesehen ist David Lowery ein erfrischender Film gelungen.

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The Green Knight
Fantasie-Drama, 2021

Regie David Lowery
Drehbuch David Lowery
Kamera Andrew Droz Palermo
Schnitt David Lowery
Musik Daniel Hart
Mit Dev Patel, Alicia Vikander, Joel Edgerton, Sean Harris

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Es ist nicht zu bestreiten. In den vergangenen Wochen schlich sich eine gewisse Vorfreude ein. Endlich stand wieder ein Kinofilm an, bei dem neben dem Popcornfaktor auch mit Qualität zu rechnen war. Der Regisseur Denis Villeneuve hatte sich schon erfolgreich der Blade Runner Fortsetzung Blade Runner 2049 angenommen und bereits davor mit Arrival gezeigt, das er Fans von Science-Fiction durchaus zufriedenstellen kann. Nun wagte er sich an die Verfilmung des Dune-Zyklus von Frank Herbert. Die meisten bisherigen Versuche verschwanden in der Versenkung, bis überhaupt ein Kader gedreht worden war. David Lynch ist mit Der Wüstenplanet (1984) grandios gescheitert und übt sich seitdem in transzendentaler Meditation um die Schmach zu lindern. Für Villeneuve und sein Team nun Standing Ovation bei den Filmfestspielen von Venedig. Das ist schon großes Kino, was uns hier geboten wird. Die Euphorie liegt aber wohl eher im wunderbaren Aperol Spritz unter der italienischen Sonne begründet.

Darum geht es

Irgendwann in ferner Zukunft braucht man sich über die Klimaerwärmung keine großen Gedanken mehr zu machen. Statt über das Wetter zu Reden, sorgt man sich eher um gigantische Sandwürmer. Herzog Leto Atreides (Oscar Isaac) hat gerade die Verwaltung des Wüstenplaneten Arrakis, auch unter dem Namen Dune bekannt, übernommen. Er ist die einzig Quelle der wertvollsten Substanz des Universums, dem Spice. Nicht zuletzt ermöglicht sie das Überwinden großer Entfernungen. Für Reisen durch das Universum unerlässlich. Obwohl die Sache nicht ganz risikofrei ist, reist Leto mit Konkubine Lady Jessicas (Rebecca Ferguson), seinem Sohn Paul (Timothée Chalamet) und Gefolgschaft von seinem Heimatplaneten Caladon an. Die Vorahnungen bestätigen sich, und Leto gerät in einen Hinterhalt des Hauses Harkonnen unter Wladimir Harkonnen (hat auch schon besser ausgesehen: Stellan Skarsgård). Paul und Jessica fliehen zu den Einwohnern von Arrakis, den in der Wüsten lebenden Fremen.

Kommentar

Bei der Pressekonferenz nach der Premiere bei dem Filmfestspielen von Venedig meinte Denis Villeneuve, dass Autor Frank Herbert in den 1960er Jahren die Welt des 20. Jahrhunderts im Sinn hatte aber Dune aus heutiger Sicht fast eine prophetische Beschreibung der Gegenwart darstellt. Religion ist spätestens seit 9/11 als Kategorie in der Politik nicht mehr wegzudenken. Umweltfragen stehen ohnehin auf er täglichen Agenda, oder sollten es zumindest. Über allem schweben die Nachwehen des Kolonialismus und die damit einhergehende Ausbeutung von Ressourcen. Das Spice auf dem Wüstenplanet ist auf der Erde Kobalt, unverzichtbar für die Herstellung von Smartphones.

Dieser Themenkomplex verleiht Dune also eine gewisse Aktualität. Es ist nur so, dass hier ein junger auserwählter weißer Mann in der Gestalt von Paul nun das Wüstenvolk retten soll. Ob das gegenwärtig der richtige Weg ist, um Kolonialismus zu thematisieren, darf bezweifelt werden. Weiters sind die unendlichen Weiten des Wüstenplaneten der unverkennbare Verweis auf die Problematik der Erderwärmung.

Die Vorzüge von Villeneuves Dune liegen aber ohnehin woanders. Die Kamera von Greig Fraiser reiht ein imposantes Bild an das Nächste. Eines schöner als das Andere. Das Setdesign trägt sein übriges dazu bei: viel Beton und große Räume stehen der der kargen Wüste gegenüber. Der Sand scheint ständig im fließen begriffen, vor allem wenn sich die Sandwürmer annähern. Die Kreaturen liefern auch die einzigen größeren dramatischen Spannungsmomente.

In David Lynchs Version der Geschichte zeichneten Toto und Brian Eno für den Soundtrack verantwortlich. Nun ist es Hans Zimmer, der mit einem mystisch orientalischen Klangteppich die Daumenschrauben anzieht. Understatement sieht anders aus. Aber dann wäre es auch nicht Hans Zimmer.

Dune wartet mit einen regelrechten Starensemble auf. Wobei wir einzig Paul etwas näher kennenlernen. Viele anderen haben kurze Auftritte oder verschwinden bald wieder im Treibsand. Und dass, obwohl sich Villeneuve und seine Co-Autoren Eric Roth (A Star is Born) und Jon Spaihts (Prometheus) sehr viel Zeit lassen. Zu viel Zeit. Der Film hat nämlich kein Ende. Nach gut 2 1/2 Stunden werden wir ins Ungewisse entlassen.

This is only the beginning

Chani (Zendaya) von den Fremen hat in Dune das letzte Wort.

Es ist schon ein gewagtes Unterfangen, einen Film mit dem Untertitel „Part 1“ zu versehen und eine Geschichte nicht fertig zu erzählen, ohne zu Wissen, ob es überhaupt eine Fortsetzung geben wird. Das hängt naturgemäß vom Einspielergebnis im Kino und auf der Streamingplattform von Warner ab und ist in der jetzigen Situation mehr als ungewiss. Das sollte man wissen, bevor man sich für einen Kinobesuch entscheidet. „Fortsetzung folgt nicht“, sagte Edgar Böhm in den 1980er Jahren im österreichischen Kinderfernsehen. Damals allerdings um Spannung zu erzeugen und Kinder zum Lesen zu motivieren. Hier könnte das schnell in Frust ausarten. Dune wirkt wie der hundertfünfundfünfzig Minuten Trailer zu Dune 2, in dem nicht all zu viel passiert. Sollte es eine Fortsetzung geben, wird man erst danach die Filme als gesamtes beurteilen können. Nach unzähligen Monaten ohne vergleichbare Blockbusternahrung scheint es Dune jedenfalls leicht zu haben, eine gewisse Euphorie zu verbreiten.

Dune
Science-Fiction, USA 2021

Regie Denis Villeneuve
Drehbuch Denis Villeneuve, Eric Roth, Jon Spaihts
Kamera Greig Fraiser
Schnitt Joe Walker
Musik Hans Zimmer
Mit Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Stellan Skarsgård, Dave Bautista, Zendaya

Foto: Copyright: © 2020 Warner Bros. Entertainment Inc. All Rights Reserved. Credit: Chiabella James.

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Ist der Ruf erst ruiniert … das Suicide Squad ist uns aus der Verfilmung aus dem Jahr 2016 nicht in bester Erinnerung. Über ihren Ruf muss sich dieses üble Pack rund um die Kultfigur Harley Quinn jedoch wahrlich keine Gedanken machen. Hier versammeln sich ohnehin die fiesesten Kriminellen des DC Comic-Universums. Kaum zu glauben, alles was beim ersten Versuch schief ging, gelingt hier. Es wird böse, witzig und so richtig blutig. Regisseur James Gunns Sinn für archaische Gewalt und derben Humor sorgt dafür, dass wir uns bald nur mehr an sein THE Suicide Squad erinnern werden.

Darum geht es

Die mysteriöse Task Force X unter der Leitung von Amanda Waller (Viola Davies) rekrutiert einen bunten Haufen Superbösewichte in einem Hochsicherheitsgefängnis und setzt ihn vor der Küste eines (beliebigen) Inselstaates ab. Es gilt das ehemalige Nazi-Gefängnis und nunmehrige Labor Jotunheim in der Hauptstadt zu zerstören. Bloodsport (Idris Elba) führt die Truppe widerwillig an. Harley Quinn (Margot Robbie), Col. Rick Flag (Joel Kinnaman), Peacemaker (John Cena), Polka-dot Man (David Dastmalchian), King Stark (Steve Agee) und Ratcatcher 2 (Daniela Melchior) machen es ihm allerdings alles andere als leicht. Es ist ein unberechenbarer Haufen, der sich selbst kaum unter Kontrolle halten kann. Am Ziel angekommen, müssen sie feststellen, dass man ihnen daheim wesentliches verschwiegen hat.

Kommentar

Superheldenfilme stehen wieder zur Diskussion. Die Befürchtung, dass die Studios mehr den je auf Filme setzen, die einem möglichst großen Publikum gefallen (müssen), ist sicher nicht unbegründet. Gleichzeitig sollen kleinere Produktionen direkt über diverse Streamingdienste vertrieben werden. Die letzten Monate haben gezeigt, dass dies funktioniert. Gespannt wartet man auf zahlreiche Blockbuster, die seit über einem Jahr zurückgehalten werden. Wenn sie dann endlich starten, werden sie nicht selten zeitgleich auf anderen Kanälen vermarktet. Zumindest Disney und Warner Bros. tun dies bereits. Was das für das Kino als ganzes bedeutet, können wir heute noch gar nicht ermessen.

Hierzulande ist The Suicide Squad derweilen ausschließlich im Kino zu bestaunen und da ist er auch bestens aufgehoben. Ist das neueste Abenteuer von DC Comics doch eine erfrischende Abwechslung im Superheldeneinerlei. James Gunn konnte sich nach Herzenslust austoben. Am Ende stand in den USA ein R-Rating und bei uns eine Altersfreigabe ab 16 Jahren. Freunde des Splatterfilmes werden ihre große Freude haben. Es fliegen Köpfe, es werden Körper in der Mitte zerteilt und Gliedmassen zuhauf abgetrennt, untermalt von gschmackigen Soundeffekten. Die Boshaftigkeit der Charaktere schlägt sich im derben Humor nieder. Selbst visuell hebt sich der Film Dank der Imaginationskraft des Regisseurs von der Konkurrenz ab.

Der überhöhte Stil folgt dem dunklen Wesen der Protagonistinnen. Bereits die Eröffnungssequenz ist fulminant und führt uns in die Irre. Das Tempo bleibt den gesamten Film über hoch. Naturgemäß steuert die Handlung auf das obligatorische Finale zu. Es wirkt aber weniger aufgesetzt, als bei den Marvel Filmen. The Suicide Squad ist auch etwas kürzer. Dass man während der Schlusssequenz nicht die Orientierung verliert, ist ebenfalls ein großer Verdient des Regisseurs. Da geht es nämlich tatsächlich drunter und drüber. An dieser Stelle muss auch das großartige Stuntteam erwähnt werden.

Ein irritierend hässliches menschengroßes Wiesel, ein Wesen halb Hai halb Mensch, das für sein Leben gerne isst, was ihm gerade in die Quere kommt, auch wenn es ein Teammitglied ist und eine Ratte, die stets freudig winkt. Das ist alles ganz schön grotesk und albern. Dass bei all dem auch noch Platz ist, um nebenbei eine politische Botschaft anzubringen, die das (Anti-)Heldentum gar in Frage stellt, anstelle die US-Flagge wehen zu lassen, fügt sich gut zusammen und macht aus dieser Comicverfilmung auf jeden Fall eine der sehenswerteren.

The Suicide Squad
Comicverfilmung, USA 2021

Regie James Gunn
Drehbuch James Gunn
Kamera Henry Braham
Schnitt Fred Raskin
Musik John Murphy
Mit Margot Robbie, Viola Davies, Joel Kinnaman, Idris Elba, Daniela Melchior, David Dastmalchian, John Cena

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Ich schreibe diese Zeilen mit aller letzter Kraft. Die Augen werden immer schlechter. Die Haut wird plötzlich schrumpelig. Allein in der letzten Minute bin ich um Tage gealtert. Was wäre wenn … Mit diesem Gedankenexperiment beschäftigt sich der Regisseur M. Night Shyamalan in seinem neuesten Film. Soviel sei verraten, nach einer Durststrecke findet der für seine übernatürlichen Plots und überraschenden Wendungen bekannte Regisseur mit Old fast zu alter Form zurück.

Darum geht es

Ein einsamer Strand, auf dem die Gesetze der Zeit, so wie wir sie kennen, aufgehoben sind. Mehr muss man nicht wissen.

Kommentar

Neben all den immer wieder in leichten Variationen aufgetauten Geschichten, die uns so geboten werden, muss man Shyamalan einfach lassen, dass er Neues wagt und ein Gespür für interessante Stoffe hat. Es gibt ein Grundidee, um die sich die Erzählung dreht und am Ende einen überraschenden Plotttwist. Das funktioniert mal besser und mal schlechter. Eine ungewöhnliche Wahl trifft er bei seinen Darstellern. Vicky Krieps (Der seidene Faden) und Gael Garcia Bernal (Neruda) geben ein interessantes Paar ab. Leider werden sie nicht all zu herausgefordert und das obwohl das Drehbuch genügend Raum dafür lassen würde. Nicht zum ersten mal brilliert Thomasin McKenzie (Leave No Trace, Jojo Rabbit) hier in einer Nebenolle und sticht auch aus dem sonst gut durchmischten Ensemble heraus.

Die Kameraarbeit von Mike Gioulakis (Us, Under the Silverlake) ist bemerkenswert und übersteigt bei weitem das, was man sonst von Filmen aus dem Mainstream gewohnt ist. Mal mäandert die Kamera entfesselt und orientierungslos umher und dann verweilt sie in extremen Nahaufnahmen und schneidet Gesichter hart ab. Dazu bekommt man ein gutes räumliches Gespür für die Ausmaße dieses von Felsen umgebenen Strandes.

Es beschleicht einen allerdings das Gefühl, es handle sich hier um eine entschärfte Fassung. Old ist brutal und grausam, das liegt schon allein im Grundmotiv begründet. Nur sieht man das Grauen meist nicht sondern nur die entsetzen Gesichter der Urlaubsgruppe. Das ermöglicht außergewöhnliche Einstellungen (siehe Bild oben). Gerade dort, wo man alles sieht, funktioniert es allerdings sehr gut. Das erkennt man an den Reaktionen im Publikum. Es hätten sich viel mehr Möglichkeiten geboten, feinstem Bodyhorror zu frönen.

Es ist ein spannendes Gedankenexperiment, auf das Shyamalan durch das Grafic Novel aufmerksam wurde, das ihm seine Kinder vor ein paar Jahren zum Geschenk gemacht haben. Allerdings tun sich auch ein paar Fragen auf und gerade gegen Ende verläßt der Regisseur den Pfad der selbst in dieser Welt geltenden Logik und Naturgesetze. Das macht aus Old leider keinen großen Film aber einen, den man sich, vor allem wenn man Shyamalan Werke mag, auf jeden Fall an einem verregneten Sommerabend ansehen kann.

Old
Thriller, USA 2021

Regie M. Knight Shyamalan
Drehbuch M. Knight Shyamalan (nach dem Graphic Novel Sandcastle von Pierre Oscar Levy und Frederik Peeters)
Kamera Mike Gioulakis
Schnitt Brett M. Reed
Musik Trevor Gureckis
Mit Gel Garcia Bernal, Vicky Krieps, Thomasin McKenzie,

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Die Musicalverfilmung In The Heights nach einer Vorlage von Lin-Manuel Miranda (Hamilton) macht das, was das US-Kino am besten kann: das Kino zu einem Ort der Träume und großen Gefühle. Zweieinhalb Stunden reihen sich großartige Choreographien und Gesangsnummern, die ins Ohr gehen, aneinander. Dabei tritt eine Bevölkerungsgruppe ins Rampenlicht, die sonst im Verhältnis zu ihrem Anteil in der Gesamtbevölkerung in der Öffentlichkeit stark unterrepräsentiert ist.

Darum geht es

Usnavi de la Vega (Anthony Ramos) führt durch die Handlung. Er erzählt von Manhattans nördlichstem Stadtteil, den Washington Heights. Hier machen Hispanics und Latinos etwa 70% der Gesamtbevölkerung aus. Die Geschichte dreht sich um eine Straßenkreuzung, an der Usnavi einen kleinen Lebensmittelladen besitzt. Sein Cousin Sonny (Gregory Diaz IV) hilft ihm bei der Arbeit. Direkt in der Nachbarschaft leitet Kevin Rosario (Jimmy Smits) ein Taxiunternehmen und Daniela (Daphne Rubin-Vega) einen Beautysalon. Sie steht kurz davor, wegen der zu hohen Mieten in die Bronx zu übersiedeln. Kevins Tochter Nina (Leslie Grace) hat das Heimweh gerade aus Stanford Universität zurückgebracht.

Als Usnavi die Möglichkeit erhält, die Überreste des Hauses seines Vaters zu erwerben, spielt er mit dem Gedanken in die Dominikanische Republik zu ziehen. Da ist aber auch noch Vanessa (Melissa Barrera), in die er verknallt ist. Sie träumt davon Modedesignerin zu werden. Auch sein Jugendfreund Benny (Corey Hawkins) macht ihm die Entscheidung nicht leicht. Zu stark ist die Bindung an seine Freunde. Sonny, den er zu gerne mit nehmen würde, ist zudem ein sogenannter Dreamer. Er lebt ohne offiziellen Aufenthaltstitel in den USA und kann das Land nicht einfach so verlassen.

Als bekannt wird, dass jemand aus Washington Heights im Lotto gewonnen hat und der Schein aus Usnavis Laden stammt, beginnen alle von einer hoffnungsvollen Zukunft zu träumen.

Kommentar

Irgendwann kommt der Moment für Jugendliche in den USA, da würden sie gerne den Führerschein machen oder auf einer Universität studieren. Einigen bleibt aber beides verwehrt. Obwohl sie oft schon seit frühester Kindheit im Land sind, haben sie keinen Aufenthaltstitel, da ihre Eltern illegal eingereist sind. Man nennt sie Dreamer. Barack Obama hat sie per Dekret zumindest vorübergehend vor der Abschiebung schützen wollen, Donald Trump widerrief es (was der Oberste Gerichtshof später seinerseits wieder beanstandete). Eine Kundgebung für diese Regelung ist Teil von In The Heights und eine der wenigen Veränderungen, die Lin-Manuel Miranda an seinem Broadway Erfolgsmusical aus 2005 für die Leinwandadaption vorgenommen hat.

Hispanics und Latinos bilden in den USA einen Bevölkerungsanteil von rund 19%. Sie sind die größte Minderheit. Gleichzeitig wurde 2019 nur ein Anteil von 4,9% an Sprechrollen in Filmen mit dieser Bevölkerungsgruppe besetzt. Ein krasses Ungleichgewicht. Das ändern Miranda und Regisseur Jon M. Chu (Crazy Rich Asians) nun zumindest einmalig. Gleich ein ganze Reihe von großartigen Schauspielerinnen und Schauspielern, die einem größeren Publikum bisher unbekannt waren, treiben die Handlung mit Elan und Charme voran. Anthony Ramos, Melissa Barrera und Leslie Grace: man wird von ihnen noch hören. Olga Merediz hat als Abuela hat einen großen herzzerreißenden Auftritt.

In the Heights reißt uns schon in die zehnminütigen Eröffnungssequenz mit, hebt uns in den Himmel und trifft mitten ins Herz. Man spürt die drückende sommerliche Hitze und eine unglaubliche Energie, die von der Leinwand strömt. Sex-Appeal trifft auf Self-Empowerment. Das musikalische Talent von Autor, Komponist und Sänger Lin-Manuel Miranda ist ein Glücksfall. Die Inszenierung ist zwar etwas konventionell ausgefallen und erinnert sehr an die klassischen Hollywood Musicals. Aber was solls, wir bekommen genau das Richtige, um unsere Lebensgeister wieder zu wecken. Bereits beim ersten Mal im Kino möchte man fast mitsingen. Also, auf ein zweites Mal!

In the Heights
Musical, USA 2021

Regie Jon M. Chu
Drehbuch Quiara Alegría Hudes
Kamera Alice Brooks
Schnitt Myron Kerstein
Musik Lin-Manuel Miranda
Mit Anthony Ramos, Melissa Barrera, Stefanie Beatriz, Jimmy Smits, Leslie Grace, Dascha Polanco, Olga Merediz

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Während in so gut wie allen Filmproduktionen der vergangenen Monate die Covid-19 Pandemie mehr oder weniger ignoriert wurde, kommt von Regisseur Radu Jude nun der erste Film, dem unverkennbar anzusehen ist, wann er entstanden ist. In Bad Luck Banging or Loony Porn wird einer Lehrerin ein selbst gedrehter Amateurporno zum Verhängnis. Nicht nur beim Akt selbst werden hier Masken getragen. Jude nimmt das als Ausgangspunkt, um über die rumänische Gesellschaft zu reflektieren. Für das Publikum bedeutet das, sich erstmal das besagte Video in voller Länge anzusehen. Eine in ihrer Botschaft und Umsetzung radikale Arbeit. Die Jury in der diesjährigen Berlinale war überzeugt und verlieht dem Film den Goldenen Bären.

Darum geht es

Emi (Katja Pascariu) dreht mit ihrem Ehemann einen Amateurprono. Auf Umwegen gelangt das Video ins Internet und auf die Handys der Kinder der Lehrerin. Bad Luck Banging or Loony Porn teilt sich folglich in drei Kapitel auf. Zuerst läuft Emi durch Bukarest und versucht telefonisch die Wogen zu glätten und trifft sich mit ihrer Schuldirektorin (Claudia Ieremia). Im zweiten Teil werden in alphabetischer Reihenfolge Begriffe mit Archivmaterial erklärt und in Zusammenhang mit Rumänien gebracht. Darunter: Krieg, Kinder, Tyrannei, Patriotismus, Sex, Penis, Rassismus und Social Distancing. Abschließend kommt es an einem Elternabend zu einer Konfrontation von Emi und den aufgebrachten Eltern, die ihrerseits recht fragwürdige Ansichten vertreten.

Kommentar

Ohne dem Publikum einen konkreten Erzählstrang zu bieten und mit dafür umso mehr Andeutungen und Provokationen kratzt Radu Jude an der Oberfläche der orthodoxen Gesellschaft Rumäniens. Aber nicht mit einem feinen Schweizer Messer, sondern mit einer scharfen Machete. Wie muss es sich im vollen Saal bei der Premiere während der Berlinale angefühlt haben, als zu Beginn die expliziten pornografischen Szenen zu sehen waren.
Zum liefert die Sequenz eine Vorgabe, doch dann folgt der erste Teil, in der lange Kameraschwenks aufeinander montiert sind und mitten drin zufällig die Protagonisten durchs Bild läuft. Dass Passanten dabei in die Kamera lachen, stört den Regisseur nicht. Jude ist ein guter Beobachter. Auf den Straßen von Bukarest finden sich Bilder, die in Bezug zur Lage stehen, in der Emi gerade steckt. Konfrontationen von Autofahrern und Fussgänger scheinen hier auf der Tagesordnung zu stehen. Die Aggressionsschwelle ist niedrig.
Der Mittelteil ist von der Handlung abgekoppelt und beschäftigt sich auf humorvolle aber ebenso provokative Art mit der Geschichte und Gegenwart Rumäniens. Die 26 in alphabetischer Reihenfolge vorgestellten Begriffe geben einen Vorgeschmack darauf, mit wem es Emi im dritten Teil zu tun bekommen wird. Die Eltern sind exemplarische Vertreter der rumänischen Gesellschaft vom General über einen Priester bis hin zu ehemaligen Ceaușescu-Anhängern. Die Empörung ist groß und wird noch durch die nervenaufreibende Pandemiesituation bestärkt. Antisemitismus, Heuchelei und Misogynie sind vorherrschend. Jude lässt kein gutes Haar an seinen Landsleuten.
Bad Luck Banging or Loony Porn riskiert durch seinen radikalen Weg die Konzentration seines Publikums zu verlieren. Am Ende fügen sich die Teile jedoch sinnvoll zusammen. Das Finale ist an Absurdität nicht zu überbieten. Ein auf allen Ebenen aussergewöhnlicher Film.

Bad Luck Banging or Loony Porn (OT: Babardeală cu bucluc sau porno balamuc)
Satire, RO/LUX/CRO/CZ 2021

Regie Radu Jude
Drehbuch Radu Jude
Kamera Marius Panduru
Schnitt Cătălin Cristuju
Musik Jura Ferina, Pavo Miholjevic
Mit Katja Pascariu, Claudia Ieremia

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