Schlagwort: Filmkritik

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Der erste vielversprechende und allgemein verfügbare Film im Jahr 2021 ist ohne große Überraschung bei Netflix im Programm. Die Bestsellerverfilmung The White Tiger, nach dem gleichnamigen Roman von Aravind Adiga aus dem Jahr 2008, ist eine Satire, die sich zu einem gesellschaftskritischen Drama entfaltet und neben einem erinnerungswürdigen Hauptdarsteller mit einem wunderbaren Ensemble aufwartet. Das Schicksal eines Chauffeurs im gegenwärtigen Indien, der dem Teufelskreis des Kastensystems entkommen möchte, unterhält nicht nur, sondern regt zu Diskussionen über dieses menschenverachtende System an aber auch darüber, wie dem ein Blick von außen überhaupt gerecht werden kann. Ein Film über eine Gesellschaft im Hühnerkäfig, wie es der Hauptcharakter versinnbildlicht. Nebenbei sollte langsam thematisiert werden, dass sich im wesentlichen zwei Streamingdienste den gesamten Filmmarkt aufteilen.

Darum geht es

Die Geschichte wird in Rückblenden erzählt. Balram (Adarsh Gourav) scheint ein gemachter Mann zu sein und erinnert sich zurück. Er stammt aus einem Dorf und seine Familie gehört der niedrigen Kaste an. Als eines Tages ein Großgrundbesitzer mit seinem Sohn in seinem Dorf auftaucht und Balram erfährt, dass sie einen Fahrer benötigen, fasst er einen Entschluss. Von seiner alles bestimmenden Großmutter (Kamlesh Gill) erbittet er Geld für die Führerscheinausbildung und folglich gelingt es ihm tatsächlich, in der wohlhabende Familie von Ashok (Rajkummar Rao) eine Stelle als 2. Chauffeur zu bekommen. Fortan steht er im Dienst von Ashok und seiner Frau Pinky. (Priyanka Chopra Jonas), die gerade aus den USA zurück in ihre Heimat gekommen sind. Seine Erziehung gebietet es, sich unterzuordnen und alle Erniedrigungen über sich ergehen zu lassen. Doch insgeheim möchte er sich nicht mit seinem Schicksal abfinden und schmiedet große Pläne.

Kommentar

Man muss einen Schritt zurücktreten, die westliche Brille abnehmen, durch die hindurch wir die Welt sehen, deuten und zu verstehen versuchen, um The White Tiger zu beurteilen. Ganz klar: wunderschön gefilmt (Kamera: Paolo Carnera) und in kräftige Farben getaucht, gibt der Film ordentlich was her. Regisseur Ramon Bahrani hat sein ganzes Vertrauen in den unbekannten Adarsh Gourav gelegt und die Rechnung ging auf. Obwohl nicht auf den Mund gefallen und zahlreiche zitierwürdige Kommentare abgebend, ist es oft nur ein Ausdruck in seinem Gesicht, der Bände spricht. Als ZuseherIn weiß man immer ganz genau, was in ihm vorgeht. Egal ob sich Wut aufstaut oder er schon seinen nächsten Schritt plant. Seine Co-Darsteller haben ebenso stark ausgeprägte und überzeugende Rollen. Selbst kleinere Rollen, wie die des Balram ständig drangsalierenden Assistenten Ashoks, tragen ihres zu einem gelungenen Ensemble bei.

Wie stark beeinflusst nun aber der Blick von außen einen Film, der mit einem jahrtausendealten Gesellschaftssystem derart hart ins Gericht geht? Zurecht möchte man meinen und The White Tiger liefert auch gleich mögliche Erklärungen, warum das Kastensystem auch heute noch so gut funktioniert. Es hat sich blendend an die kapitalistischen Strukturen angepasst. Für uns ist es schlicht unverständlich, wie eine Minderheit soviel Menschen über einen langen Zeitraum unter Kontrolle halten und letzten Endes brutal unterdrücken kann.

Der Film beginnt mit dem Welthit Mundian To Bach Ke von Punjab MC aus dem Jahr 1998. Im Grunde gibt das schon die Tonalität der Geschichte vor. Indische Klänge werden mit Hip-Hop Rhythmen vermischt um sie massentauglich zu machen. Karan Madhok führt das in seiner Filmbesprechung Indian Tiger, foreign gaze für The Chakkar sehr eindrücklich aus. Gewissermaßen ist der ganze Film weichgespült und auf den westlichen Geschmack getrimmt. Madhok kritisiert weiters die englische comichafte Sprache mit indischem Akzent. Gerade so weit exotisch, dass keine Übersetzung notwenig ist und unerträglich lächerlich für indisch sprechende Menschen.

The White Tiger gibt jetzt nicht vor authentisches Weltkino zu sein. Die Geschichte ist unterhaltsam und wird spannend erzählt. Sie wird den Großteil des Publikums zufriedenstellen. Trotzdem schadet es nicht, sich etwas mehr Gedanken darüber zu machen, wie gefiltert und zurechtgebogen uns die Welt präsentiert wird, genau so nämlich, wie wir sie gerne sehen möchten.

THE WHITE TIGER | RAMIN BAHRANI | USA 2021 | 125 MIN. | [usr 3,5 ]

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Unsere Wohnanlage wurde im Jahr 2012 fertiggestellt. Bereits in der Tür ins Stiegenhaus befindet sich eine kleine völlig unnötige Schwelle, die Gegensprechanlage ist zu hoch und der Haupteingang ist über Stiegen erreichbar. Für Barrierefreiheit muss man den Umweg über einen ganzen Häuserblock nehmen. In den USA ist so etwas seit dem Americans with Disabilities Act aus dem Jahr 1990 undenkbar. Die Dokumentation Sommer der Krüppelbewegung nimmt ihren Ausgang 1971 in einem Sommercamp für Menschen mit Behinderung. Im Fahrwasser der Bürgerrechtsbewegung von Martin Luther King bildete sich über die Jahre eine Bewegung, die sich für die Rechte von Menschen mit Behinderung engagierte. Bis dahin konnten diese Menschen meist nicht am öffentlichen Leben teilnehmen. Für den Film erhielt das Regieduo Nicole Newham und James Lebrecht den Publikumspreis beim Sundance Filmfestival 2020 und sie sind bei den Oscars in der Kategorie Bester Dokumentarfilm nominiert.

Es sind erschütternde Bilder aus einer Pflegeanstalt für Menschen mit Behinderungen. Abgemagerte Kinder liegen fast übereinander, beiseite geräumt und vor der Öffentlichkeit verborgen. Ihnen wurde fälschlicherweise oft eine geringe Lebenserwartung prognostiziert. Die Welt draußen ermöglichte ihnen kein normales Leben. Überall stießen diese Menschen auf Hürden: Physische Hürden im öffentlichen Raum, die sie mehr in der Bewegungsfreiheit einschränkten als ihre Rollstühle und Hürden in den Köpfen der nicht behinderten Menschen.

Im Camp Jened hatte man erkannt, dass nicht diese Menschen ein Problem hatten, sondern alle anderen mit ihnen. Hier wurden sie als vollwertige Menschen empfangen und konnten ein freies und glückliches Leben führen, was ihnen damals im Alltag verwehrt blieb. Hier nahm eine nationale Bürgerrechtsbewegung ihren Ausgang und breitete sich später über die ganze Welt aus.

Der Kampf für mehr Rechte sollte sich über mehrere Jahrzehnte erstrecken. Erstmals wurden Menschen mit Behinderung im Jahr 1973 in einem Teil des Rehabilitation Act Bürgerrechte eingeräumt. Abschnitt 504 gewährleistete, dass Kinder und Erwachsene dieselben Chancen im Bildungssektor, Arbeitsleben und anderen Teilen des gesellschaftlichen Lebens bekommen sollten. 1990 wurden dann mit dem Americans with Disabilities Act Diskriminierungen per Gesetz verboten.

Sommer der Krüppelbewegung schildert den mühsamen und emotionalen Kampf gegen den Widerstand der Politik, die meist das Kostenargument vorschob, um eine entsprechende Gesetzgebung zu verhindern. Obwohl damals 40 Millionen Amerikanerinnen betroffen waren. Die Proteste gipfelten in der Besetzung des Gesundheitsministeriums.

Die Dokumentation schärft den Blick für die Bedürfnisse von Menschen mit Behinderung. Die Menschen wurden nicht als Frau oder Mann wahrgenommen, sondern auf ihren Rollstuhl reduziert. Im Rollstuhl zu sitzen, war gleichbedeutend wie schwarz zu sein, heißt es einmal. Sommer der Krüppelbewegung ist gleichermaßen unterhaltsam und eine bedeutende Geschichtsstunde. Der Film erzählt davon, wie ziviler Ungehorsam zu einem bahnbrechenden Gesetz für die Gleichberechtigung führte und über die Kraft der Gemeinschaft, die in sozialen Bewegungen liegt. Ein Pflichtfilm.

Sommer der Krüppelbewegung (OT: Crip Camp: A Disability Revolution)

Dokumentation, USA 2020
Regie, Drehbuch Nicole Newnham, James Lebrecht
Kamera Justin Schein
Schnitt Alex Odesmith, Mary Lampson, Eileen Meyer
Musik Bear McCreary

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Was passiert, wenn man plötzlich sein Gehör verliert? In Sound of Metal trifft es einen Schlagzeuger, der von heute auf morgen nichts mehr hören kann und sein Schicksal nicht akzeptieren möchte. Das Filmdrama von Darius Marder und sein Hauptdarsteller Riz Ahmed sind die Geheimtipps bei den diesjährigen Oscars. Kaum eine Geschichte hat uns in diesem Jahr mehr berühren können und war im Stande uns mit einem dramaturgisch ausgeklügelten Sounddesign derart in den Bann zu ziehen. Gestartet und ausgezeichnet auf dem Toronto International Filmfestival, landete der Film bedingt durch die Pandemie bereits nach wenigen Wochen im Angebot von Amazon Prime Video.

Darum geht es

Ruben (Ria Ahmed) und seine Freundin Lou (Olivia Cooke) bilden gemeinsam das Metal-Duo Blackgammon und Touren mit einem Wohnmobil durch die USA. Ihre Zweisamkeit wird jäh auseinandergerissen, als Ruben während eines Konzerts einen Gehörsturz erleidet. Heilung verspricht nur ein Implantat, das jedoch enorm teuer ist. Er möchte weitermachen wie bisher, doch Lou sieht die Gefahr, dass Ruben rückfällig werden könnte, da er sich gerade nach einer Drogenabhängigkeit auf Entzug befindet. Sein Therapeut empfiehlt eine ländliche Gemeinschaft, die sich genau solchen Menschen wie Ruben angenommen hat. Joe (Paul Raci) leitet die Einrichtung. Hier lautet die Devise, dass Taubheit kein Handicap ist. Joe versucht Ruben mit der Stille vertraut zu machen. Der lernt zwar die Zeichensprache, kann sich mit der Situation jedoch nicht abfinden. Er verkauft seinen ganzen Besitz um sich die Operation leisten zu können. Sehr zum Missfallen von Joe. Ruben passt nun nicht mehr in die Gemeinschaft und muss gehen. Als die Implantate aktiviert werden, ist es ein großer Schock für ihn. So hatte er sich das nicht vorgestellt.

Kommentar

Wenn es in jüngster Zeit einem Film gelungen ist, uns tatsächlich in die Gefühlswelt seines Protagonisten eintauchen zulassen, dann ist das Sound auf Metal. Wir sind nicht mehr bloß Beobachter, wenn Ruben plötzlich sein Gehör verliert, sondern können seine Verzweiflung spüren. Das ist zum einen dem großartigen Riz Ahmed zu verdanken, der uns scheinbar durch seine großen Augen in sein innerstes schauen lässt. Er muss sich dazu gar nicht viel artikulieren, alleine seine Blicke sagen alles.

Dann wäre noch das aussergewöhnliche Sounddesign von Nicolas Becker. Als Film über die Stille dreht uns Regisseur Darius Marder kurzerhand den Ton ab. Mehr als ein dumpfer Ton in der Ferne ist nicht mehr zu hören. Dazwischen kommt der Ton für uns zwar immer wieder zurück aber nur um im nächsten Moment wieder zu verschwinden und uns somit immer wieder damit konfrontiert. Als die Implantate aktiviert werden, ist das Ergebnis nicht nur für Ruben ein Schock, sondern genauso für uns. In der schönsten Szene sitzt Ruben am unteren Ende einer Rutsche beginnt auf das Blech zu trommeln. Ein ebenfalls gehörloser Bub am oberen Ende legt sein Ohr auf die Rutsche und lauscht dem dumpfen Klopfen. Es ist ein berührender und zugleich ungemein friedlicher Moment, den beiden zuzusehen, wie sie in eine für sie ferne Welt versinken.

Paul Raci spielt Joe, den Leiter der Gehörlosen Gemeinschaft. Der nahezu unbekannte Schauspieler wuchs in einer Familie von Gehörlosen auf und beherrscht die Gebärdensprache. Es ist eine glückliche Fügung, dass er nun gerade wegen seiner Fähigkeit für die Rolle in Sound of Metal ausgewählt wurde. Joe ist bereit Ruben aufzunehmen aber gleichzeitig drauf bedacht, das die Grundwerte der Einrichtung nicht verletzt werden: Gehörlosigkeit ist kein Handicap und ist nichts, was behandelt werden muss. Er tritt Ruben mit aller Strenge gegenüber und das kostet ihm vermutlich Sympathiewerte beim Publikum. Sein starrer, ausdrucksloser Blick ist schwer einzuschätzen. Erst während des letzten Aufeinandertreffen der Beiden wird klar, wie wichtig ihm seine Bewohner sind und wie sehr er durch die Entscheidung von Ruben verletzt ist. Ein starker Moment, der in Gedächtnis bleibt. Raci darf sich durchaus Chancen bei den Oscars ausrechnen.

Filme über Menschen mit Behinderung ziehen immer wieder Kritik auf sich. So kam in diesem Fall unter anderem von Bret Easton Ellis der Einwand, der Filme stelle Menschen mit Behinderung als Opfer dar. Viktimisierung kann man Sound of Metal aber wohl eher nicht vorwerfen. Paul Schrader kritisierte das Ende. Hier gehen die Meinungen auseinander. Eines ist aber klar: kalt lassen wird der Film niemanden und immerhin schafft er es, dass wir uns über das Gehörlossein Gedanken machen.

SOUND OF METAL | DARIUS MARDER | USA 2019 | 120 MIN. | [usr 4,5]

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Es gibt diese Ikone der Fotografie, in der Cassius Clay 1965 im Ring steht und den vor ihm auf dem Boden liegenden Sonny Liston anzubrüllen scheint. Clay ist eine jener Persönlichkeiten, für die es im Englischen die Zuschreibung larger than life gibt. Überlebensgroß also, ein Leben weit über die Grenzen der Sportwelt hinaus bekannt. One Night In Miami spielt nun im Jahr davor, am 25. Februar 1964, als es in Miami zum ersten Aufeinandertreffen der beiden Boxlegenden und zu einem überraschenden Sieg von Clay kam. Es ist eine fiktive Geschichte rund um diesen Kampf und sie bringt in jener Nacht Cassius Clay mit drei weiteren Männer in einem Motelzimmer zusammen, die jeder auf seine Art Geschichte geschrieben haben: Jim Brown, Sam Cooke und Malcom X. Das Spielfilmdebüt der Oscar-Preisträgerin Regina King (Beale Street) war 2020 die erste Regiearbeit einer afroamerikanischen Regisseurin, die bei den Filmfestspielen von Venedig gezeigt wurde.

Darum geht es

Nachdem Cassius Clay (Eli Goree) im Miami Convention Center Schwergewichtsweltmeister wurde, verbringt er den weiteren Abend mit dreien seiner engsten Freunde in einem Motelzimmer: mit dem NFL-Spieler Jim Brown (Aldis Hodge), dem Soulsänger Sam Cooke (Leslie Odom Jr.) und Bürgerrechtler und Aktivisten Malcom X (Kingsley Ben-Adir). Es werden grundlegende Fragen der eigenen Verantwortung im Kampf um die Rechte der schwarzen Bevölkerung diskutiert, bei er sich die Männer durch ihre unterschiedlichen Ansichten immer wieder in die Haare kriegen. Die Atmosphäre bleibt trotz aufkommender Emotionen jedoch immer von freundschaftlichem Respekt geprägt.

Kommentar

Das Treffen fand tatsächlich statt, allerdings sind die Inhalte der Gespräche nicht verbrieft. Das auf einem Theaterstück von Kemp Powers basierende Drama One Night in Miami verdichtet einen Umbruch in der afroamerikanischen Bürgerrechtsbewegung auf wenige Stunden. Nachdem Cassius Clay über Nacht zum Weltstar wurde, bekannte er sich zur Nation of Islam und legt seinen Sklavennamen, wie er sagte, ab und nannte sich zuerst Cassius X und später Muhammad Ali. Es ist der Vorabend des Entstehens der Black Power Bewegung. Malcom X zweifelt bereits an der Ideologie der Nation of Islam, die eine Black Supremacy Strategie vertrat und damit genauso rassistisch war, wie jene, die man bekämpfte.

Der Film reflektiert exemplarisch anhand der vier Männer die Stellung der Schwarzen in den USA und ihre Wirkung zueinander. Malcom X, der insgeheim das Zentrum der Erzählung bildet, versucht die anderen aufzurütteln und sieht sie in der Pflicht, ihren Einfluss für den Kampf der Rechte von Schwarzen einzusetzen. Sonst würden sie von den Weißen nur für ihre Talente respektiert aber nicht als Menschen schwarzer Hautfarbe. So sei Sam Cooke zwar erfolgreich, jedoch nur solange er auf der Bühne steht. Dass Cooke in seinen Texten dabei nur über die Liebe singt und nicht die Kraft seiner Stimme für die Bewegung erkennt, bringt Malcom X in Rage.

Cassius Clay, der kurz davor steht, zu konvertieren, steht stark unter dem Einfluss von Malcom X. In plagen letzte Zweifel, ob er denn den Schritt Richtung Islam wagen sollte. Man merkt, es brennt in ihm mehr zu sein als bloß ein Boxer. Jim Brown ist ebenfalls dabei sich zu verändern. Bald wird er dem Sport den Rücken kehren und ins Schauspielfach wechseln.

Malcom X hat bereits eine Vorahnung. Er ist jener der Truppe, der unter ständiger Bewachung steht. Auch wenn er sich nichts anmerken läßt, versetzt ihn jede kleine Auffälligkeit in seiner Umgebung in Alarmbereitschaft. Als er einen seiner Leibwächter in der Nacht dabei beobachtet, wie er einem weißen Mann auf dem Parkplatz etwa zusteckt, erinnert die Szene an den Verräter Judas. Ein Jahr später wird Malcom X ermordet. Traurigerweise ereilte drei der vier Männer ein tragisches Schicksal.

In One Night in Miami werden historische Fakten klug in die Geschichte eingefügt. Es wird deutlich, was die vier Charaktere antreibt. Obwohl die Grundlage ein Bühnenstück ist und der Film das nicht ganz verleugnen kann, vergißt Regina King nicht auf die filmischen Momente, vor allem in den Passagen, in denen die Handlung das Motelzimmer verläßt. Eine der bedrückendsten Szene ist Jim Brown vorbehalten, als er auf seinen Gönner Carlton (Beau Bridges in einem Kurzauftritt) trifft. Die zwischenmenschlichen Spannungen unter den Protagonisten tun ihr übriges. Vor allem Kingsley Ben-Adirs Darstellung von Malcom X ist schwer beeindruckend. Dabei ist es für alle keine leichte Aufgabe, derart populäre Persönlichkeiten zu verkörpern. Er versucht die anderen für seine Sache einzuspannen und hadert selbst mit seiner Rolle. Diese Komplexität der Charaktere und nachdenklich stimmende Auseinandersetzungen machen den Film so sehenswert.

REGINA KING | ONE NIGHT IN MIAMI | USA 2020 | 110 MIN. | [usr 4,5]

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Im vergangenen Jahr gab es kaum Produktionen, die von einem vergleichbaren leidenschaftlichen und intensiven Schauspiel geprägt waren, wie Ma Rainey’s Black Bottom. Neben Viola Davis (Widows) als temperamentvolle Bluessängerin erhielt vor allem Chadwick Boseman (Black Panther) für seine Rolle als Jazztrompeter viel Aufmerksamkeit. Es sollte seine letzte Rolle sein. Zum Zeitpunkt der Dreharbeiten bereits schwer krank (Boseman ging damit nie an die Öffentlichkeit), verstarb der Schauspieler im August 2020 an Krebs. Dem Film liegt einen Bühnenstück von August Wilson aus dem Jahr 1984 zu Grunde. Es ist nicht zu übersehen: Ma Rainey’s Black Bottom atmet Theaterluft.

Darum geht es

Ma Rainey (Viola Davis), eine einflussreiche Bluessängerin der 1920er Jahre, kommt nach Chicago um ihre nächste Platte aufzunehmen. Vorerst läßt sie aber ihre Band und ihren Produzenten Irvin (Jeremy Shamos) im Tonstudio warten. Neben dem Pianisten Toledo (Glynn Turman), dem Gitarristen Cutler (Colman Domingo) und Slow Drag (Michael Potts), dem Bassspieler, stößt der vor Selbstvertrauen strotzende Trompeter Levee Green (Chadwick Boseman) zur Band.

Als Ma Rainey eintrifft, hat sie nicht nur ihre Freundin Dussie Mae (Taylour Paige) im Schlepptau, sondern auch ihren Neffen Sylvester (Dusan Brown). Die Anspannung steigt, als es Differenzen bei der Auswahl der Stücke gibt und Ma ihren stotternden Neffen die Einleitung zu Black Bottom sprechen lassen möchte. Levee stiftet zusätzlich Unruhe, weil er gerne seine eigenen Interpretationen aufnehmen würde.

Als die Aufnahmen starten, wird sie von technischen Problemen begleitet. Levee ist zusätzlich aufgebracht, da der Studiomanager Mel Sturdyvant (Jonny Coyne) seine Eigenkompositionen als nicht geeignet für schwarze Sänger ansieht. Die hitzige Stimmung führt zu einer finales Auseinandersetzung zwischen Levee und Toledo.

Kommentar

Man spürt in Ma Rainey’s Black Bottom förmlich die Hitze. Die warme Farbgebung, die schwitzende Ma und natürlich die sich durch die stetig aufbauenden Spannungen erhitzten Gemüter. Verstärkt wird das durch die Enge des Sets. Die Charaktere stoßen so unweigerlich immer wieder aufeinander.

Die Ausleuchtung erinnert an eine Theaterkulisse. Durch die Kameraarbeit von Tobias A. Schliessler wird noch verstärkt sichtbar, dass der Verfilmung ein Theaterstoff zugrunde liegt. Schliessler beobachtet und reduziert Kamerabewegungen und vermeidet optische Spielereien. Für Liebhaber des Theaters sicher eine willkommene Abwechslung, wenn hier das Gefühl aufkommt, einer Bühnenaufführung beizuwohnen. Alles ist sehr dicht und intensiv.

Viola Davis bestimmt jede ihrer Szene. Ma duldet keine Widerrede und stellt permanent die ganze Aufnahme aufs Spiel. Davis, unter einer dicken Schicht Make-up, beeindruckt durch ihre pure Präsenz. Sie kommt mit Chadwick Bosemans Levee quirligen und präpotenten Art nicht zurecht, genauso wenig wie der Rest der Mannschaft. Levee ist wie ein Pulverfass. Unberechenbar und man weiß nicht ob und wann er die Kontrolle verliert. Boseman beherrscht dabei genauso die leisen Momente. Es ist genau die Spannung dieser beiden Charaktere, die Ma Rainey’s Bottom Blues so sehenswert macht. Welche Wirkung könnten die beiden erst auf der großen Leinwand entfalten! Levees Counterpart ist jedoch der Pianist Toledo. Glynn Turman ist das dritte Schwergewicht im Bunde. Durch seiner strengen Religiosität gerät er in Konflikt mit Levees Lebensstil.

Ma Rainey (1882 oder 1886 – 1939) galt als The Mother of Blues und war eine der ersten Bluessängerinnen, die ihre Musik auch aufnehmen durfte. Ihr Einfluss reicht weit über die Musikwelt hinaus. Es war nicht nur ihr einzigartiger Stil, der sie zu einer bedeutenden Frau der schwarzen Kultur werden ließ. Sie gab jenen eine Stimme, die keine hatten. Es ist bezeichnend, dass die einzigen weissfarbigen Charaktere im Film der Manager und der Studioboss sind. In der letzten Szene wird klar, wer das Sagen hat und letzten Endes über die MusikerInnen bestimmte.

Ma Rainey’s Balck Bottom

Drama, USA 2020
Regie George C. Wolfe
Kamera Tobias A. Schliessler
Drehbuch Ruben Santiago-Hudson
Musik Branford Masalis
Schnitt Andrew Mondshein
Mit Viola Davies, Chadwick Boseman, Glynn Turman, Colman Domingo
Länge 93 Minuten
Streamingplatform Netflix

MA RAINEY’S BLACK BOTTOM | GEORGE C. WOLFE | USA 2020 | 94 MIN. | [usr 4]

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