Kategorie: Filmkritik

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Eine lange Reise hat das französische Drama Die Wütenden – Les Misérables von Ladj Ly hinter sich. Seit September 2020 bei Amazon Prime verfügbar, feierte einer der spannendsten Filme des vergangenen Jahres bereits 2019 bei den Filmfestspielen von Cannes seine Premiere und dort wurde ihm sogleich der Große Preis der Jury zugesprochen. Es folgte eine Nominierung für einen Oscar in der Kategorie Bester Internationaler Film. Der Film ist inspiriert von den Unruhen in den Pariser Vorstädten im Jahr 2005, bei denen auch Montfermeil betroffen war, wo diese Geschichte nun spielt. Victor Hugo siedelte seinen Roman Die Elenden (Les Misérables) in eben diesem Ort 20 km östlich von Paris an.

Darum geht es

Der Polizist Stéphane (Damien Bonnard) hat sich gerade in den Pariser Vorort Montfermeil versetzen lassen. Gemeinsam mit den zwei Kollegen Chris (Alexis Manteni) und Gwada (Djibril Zonga) lernt er auf ihren Fahrten ein multikulturelles Viertel kennen, das sich Salah (Almamy Kanouté) von der Muslimbruderschaft und ein selbsterahnter Bürgermeister (Steve Tientcheu) untereinander aufteilen. Die Lage ist latent angespannt aber weitgehend friedlich.

Als eines Tages ein Junge (Issa Perica) ein Löwenbaby aus einem in der Gegend gastierenden Zirkus stiehlt, droht die Lage zu eskalieren, nachdem einer der Polizisten in einem Tumult die Nerven verliert und den Buben verletzt. Die Folge ist eine Revolte von lokalen Jugendbanden, die die Polizisten in kürzester Zeit in große Bedrängnis bringen.

Kommentar

Präsenz zeigen. Darum geht es, wenn die drei Polizisten durch den Stadtteil Les Bosquets patrouillieren. Denn wenn es ernst wird, hätten sie ohnehin keine Chance sich durchzusetzen. So regelt sich das Leben in dem Vorort von Paris von selbst. Die einzelnen Gruppen leben nebeneinander. Man respektiert sich, geht auf Distanz. Das geht gut, solange es zu keinen Zwischenfällen kommt. Das Spielfilmdebüt des französischen Regisseurs Ladj Ly fängt die vorherrschende Atmosphäre gekonnt ein. Überall kann Gefahr lauern, das Fass scheint immer kurz vor dem Überlaufen zu sein.

Den drei Polizisten sieht man die permanente Anspannung an und sie gehen auf die unterschiedlichste Art und weise damit um. Während sich Gwada zurückhält und Stéphane seinen Platz erst finden muss, geht Chris auf Konfrontationskurs und nutzt seine Machtposition aus. Übrigens genauso, wie es die Vorgesetzte in der Polizeistation tut. Ein kleiner Seitenhieb auf die Verteilung der Geschlechterrollen.

In der Eröffnungssequenz wird gefeiert. Ganz Paris ist auf der Straße. Frankreich gewinnt die Fussball-WM 2018. Bevor in großen Buchstaben der Filmtitel erscheint, drängen sich die Massen auf dem Champs Elysees. Dann kommt der harte Schnitt. Was das mit der eigentlichen Geschichte zu tun hat? Die Kinder in Montfermeil laufen mit französischen Fahnen auf die Straße. Sie stammen zum Großteil aus den Ländern Nordafrikas. Genauso wie die Eltern von Kylian Mbappé, der im Finale der Fussball-WM gerade das letzte Tor geschossen hat. Mit dem Ende der Meisterschaft rücken die Kinder wieder an den Rand der Gesellschaft. Hier setzt Regisseur Ly in Die Wütenden – Les Misérables an.

Es ist ein Mikrokosmos mit eigenen Dynamiken und Gesetzen, fernab des repräsentativen Pariser Zentrums. Hier hat sich tatsächlich eine Parallelgesellschaft etabliert, ein Zustand, der durch die Notwendigkeit des Überlebens bestimmt wird. Hier zählt vor dem Gesetz nicht was passiert ist, sondern was bewiesen werden kann. Niemand schaut hier her, solange es keine Aufstände oder Unruhen gibt.

Die Wütenden – Les Misérables

Drama, USA 2019
Regie Ladj Ly
Drehbuch Ladj Ly, Giordano Gederlini, Alexis Manteni
Kamera Julien Poupard
Schnitt Flora Volpelière
Musik Marco Casnanova, Kim Chaprion
Mit Damien Bonnard, Alexis Manteni, Djibril Zonga, Issa Perica
Länge 105 Min.
Streamingdienst Amazon Prime

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Kaum zu glauben, aber die Songs, die ein Mädchen da auf dem Bett sitzend im Zimmer ihres großen Bruders aufnimmt, werden sich einmal millionenfach verkaufen und sie zu einem der größten Popstars der Gegenwart machen. Die Dokumentation Billie Eilish: The World’s a little blurry gibt einen Einblick hinter die Fassade einer fulminanten Karriere und zeigt, dass es da keineswegs immer rosig zugeht.

Den Traum einer musikalischen Karriere hat Billie Eilish schon früh. Bereits mit 11 Jahren begann sie eigene Songs zu schreiben. Die Dokumentation profitiert davon, dass die Sängerin im Zeitalter von Smartphones und Social Media aufgewachsen ist. Somit ist praktisch alles dokumentiert und das gibt Aufschluss über den Menschen hinter einer Inszenierung, der erfolgreiche KünstlerInnen oft ausgesetzt sind. So erfährt man, dass selbst Millionen von Followern bei Instagram natürlich nicht vor Einsamkeit und Depression schützen. Der Druck, dass jeder Schritt und jede Geste genau beobachtet werden, ist enorm. Stets freundlich muss sie sein. Alles andere führt zu negativen Schlagzeilen.

Der Film umspannt die Monate rund um die Veröffentlichung des Albums When We All Fall Asleep, Where Do We Go? im Jahr 2019 und der Grammy Verleihung 2020. Tourstress, Liebeskummer und gesundheitliche Probleme plagen Billie Eilish. Ihren psychischen Zustand verarbeitet die Sängerin unmittelbar in ihren eigenen Songs. Mit ein Grund für den großen Erfolg.

Bei all ihren Songs scheint ihr Bruder Finneas O’Connell als Produzent und Co-Songwriter auf. Die Szenen mit den beiden haben sie meist selbst mit dem Smartphone aufgenommen. Es gibt viele dieser intimen Momente, die sich Regisseur R. J. Cutler zu Nutze macht, um ein möglichst authentisches Bild der Künstlerin zu vermitteln. Auch Nick Broomfield hat das in der Dokumentation über Whitney Houston Whitney: Can I Be Me (2017) versucht. Allerdings damals ohne Unterstützung der Familie, für die der Film zu viele Einblicke in das tragische Leben der Sängerin lieferte. Das heile Bild, das ohnehin schon lange keines mehr war, sollte nach außen hin bewahrt werden.

Von außen betrachtet mag man leicht vergessen, dass es sich hier um ein junges Mädchen aus relativ einfachen Verhältnissen handelt, das in diesem Alter unter gewöhnlichen Umständen wohl anderen Interessen nachgehen würde. Nun wird sie von Menschen bedrängt die sie nicht kennt und die ihre Nähe suchen, seien es Fans oder meist deutlich ältere männliche weisse Männer aus der Musik- und Medienbranche. Da können einem schon mal die Sicherungen durchbrennen.

Die Familie ist bei Billie Eilish immer mit dabei. Sie ist bedacht, dass ihre Tochter nicht das gleiche Schicksal wie beispielsweise ihr großes Vorbild Justin Bieber erleidet und die Lösung ihrer Probleme in Alkohol und Drogen sucht. Ihr Kind davor zu beschützen scheint den Eltern bisher so weit geglückt zu sein. Billie Eilish: The World’s a little blurry erzählt auch davon, dass man sich in einer solchen permanenten Ausnahmesituation an den kleinen Dinge im Leben erfreuen kann, wie einem Haustier oder einem Donut. Für Billie Eilish gehört da auch dazu, mit einem breiten Grinsen in ihrem Traumauto durch die Straßen von Los Angeles zu kurven.

Billie Eilish: The World’s a little blurry

Dokumentation, USA 2021
Regie R. J. Cutler
Drehbuch R. J. Cutler
Schnitt Lindsey Utz
Musik Billie Eilish, Finneas O’Connell
Mit Billie Eilish, Finneas O’Connell 
Länge 140 Min.

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Drachen erfreuen sich wie Dinosaurier einer ungebrochen Popularität. Mal als zerstörerische Waffe oder auch als treuer Begleiter. Mal monströs und dann wieder niedlich. Nun kommt mit Raya und der letzte Drache die My Little Pony-Version. Willkommen in der bunten, von Südostasien inspirierten Disney-Welt von Kumandra. Der Konzern verläßt sich auf altbekannte Rezepte. Eines kann man den Produzenten aber nicht vorwerfen, dass sie nämlich nicht mit der Zeit gehen. Der 59. Animationsfilm von Disney ist der erste für die Generation Instagram und präsentiert neuerlich eine Heldin in der Hauptrolle.

Darum geht es

Nachdem sich die Völker von Kumandra wegen eines magischen Artefaktes zerstritten haben und es zu Bruch gehen ließen, wird das Land von einem bösen Geist in Angst und Schrecken versetzt. Die Kriegerin Raya (Stimme: Kelly Marie Tan) macht sich auf den Weg, den letzten Drachen zu finden um mit dessen Hilfe das Land wieder zu vereinigen. Sie findet die Drachin Sisu (Awkwafina), doch bis die ihre Kräfte wieder zurückerlangt hat, haben die beiden noch einen langen Weg vor sich.

Kommentar

Vor fünf Jahren war Vaiana das Ergebnis der erfolgreichen Bemühungen, Disneyfilme diverser zu gestalten. Damals war die Geschichte in Ozeanien angesiedelt. Rajas Welt ist stark inspiriert von der Region Südostasiens. Dass man sich für die englische Originalfassung Schauspieler aus Ostasien genommen hatte, führte zu einer Kontroverse. Nun ist das eine geographische Differenzierung, die in unseren Köpfen keineswegs verankert ist. Asien ist Asien. Auch wenn es eine Aufteilung ist, die von Außen zugeschrieben wurde, besteht zwischen der VR China, Japan und Südkorea gegenüber Indonesien und den Philippinen im Süden doch ein gewaltiger Unterschied. So gesehen schafft diese Diskussion vielleicht das Bewusstsein, dass man die 4,4 Milliarden Menschen in Asien nicht über einen Kamm scheren kann. Immerhin glauben wir in Europa bereits innerhalb der Staatsgrenzen unüberwindbare Unterscheidungsmerkmale erkennen zu können. Für etwas Exotik muss man sich mitunter nur eine halbe Stunde ins Auto setzen.

Bei Disney muss man sich nicht erst neu erfinden, um einen soliden Animationsfilm herauszubringen. Technisch ist man immer State-of-the-Art. Die prominentesten Darsteller stehen Schlange, um den HeldInnen ihre Stimme zu leihen und die Merchandiselawine rollt verlässlich bis in die entlegensten Kinderzimmer. Auf Raya und der letzte Drache trifft das ebenso zu.

Das Detailreichtum ist erstaunlich und kommt zu Hause im TV bei weitem nicht zur Geltung. Bereits die grafisch wunderschön umgesetzte Eröffnungssequenz läßt die große Leinwand schmerzlich vermissen. Raya ist definitiv ein Film gemacht fürs Kino. Die Bilder genauso wie die Musik von James Newton Howard.

Die Drehbuchautoren Qui Nguyen und Adele Lim (Crazy Rich Asiens) zitieren wild durch die Filmgeschichte und muten dem jungen Publikum ungewöhnlich viel zu. Neben der Abenteuergeschichte geht es in Raya um die Vereinigung zerstrittener Bevölkerungsteile. Wie kann es soweit kommen, dass eine Bevölkerung gespalten wird und sich vermeintliche Unterschiede etablieren, die Angst produzieren und die wiederum als Katalysator für Aggressionen und Gewalt wirkt.

Raya ist eine mutige Kriegerin. Ihre Gegenspielerin ist ebenso eine Frau. Sisu ein weiblicher Drache. Männer kommen hier nur am Rande vor und spielen für das fortkommen der Geschichte so gut wie keine Rolle. Die Selbstverständlichkeit, mit der die Geschlechterrollen umgekehrt werden, ist eine Entwicklung die Disney schon länger verfolgt und dem Konzern hoch anzurechnen ist. Inwieweit die sehr erfolgreiche Vermarktung der Disney-Prinzessinnen (die in den letzten Jahren meist gar keine Prinzessinnen mehr waren) eine Rolle spielt, ist ein andere Frage.

Disney macht hier nichts falsch aber riskiert auch nichts, was zur Folge hat, dass man Raya wohl bald wieder vergessen hat. Es bleibt das Gefühl, das alles schon einmal gesehen zu haben. Raya wirkt wie eine weichgespülte Version eines Filmes des japanischen Studio Ghibli. Im Tonfall bedient man sich teilweise ganz offensichtlich einer Jugendsprache. Es wird ein mühsamer Weg werden, das Zielpublikum einmal wieder weg von Laptop und Handy, wo Unterhaltung nur mehr in Clips konsumiert wird, zurück – oder auch gar erstmals – in die Kinos zu locken. Man darf nicht vergessen, wenn das alles vorbei ist, werden ein paar Jahrgänge noch nie einen Kinosaal von innen gesehen haben.

Nachdem der Kinostart im Herbst verschoben werden musste, ist Raya und der letzte Drache, wie schon Mulan im vergangene Jahr, gegen eine extra Gebühr bei Disney+ verfügbar, bevor er in ein paar Wochen regulär im Programm landen wird.

Animationsfilm, USA 2021
Regie Paul Briggs, Dean Wellins
Drehbuch Qui Nguyen, Adele Lim
Schnitt Fabienne Rawley, Shannon Stein
Musik James Newton Howard
Mit Kelly Marie Tran, Awkwafina
Länge 107 Min.
Streamingdienst Disney+

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Es hätte der künstlerische Erfolg von Netflix in dieser Saison werden sollen: Malcolm & Marie von Sam Levinson mit Zendaya und John David Washington in den Hauptrollen. Ein Drama gedreht auf 35mm in betörend schönen Schwarzweißbildern. Doch dann kam alles anders. Die Resonanz war sehr durchwachsen. Mal wurde der visuelle Stil gelobt, dann die schauspielerischen Leistungen. Gleichzeitig wurde das Beziehungsdrama regelrecht seziert: Die Dialoge seien zu konstruiert und Levinson mit seiner kritischen Auseinandersetzung von weißer Filmkritik sich selbst in die Falle getappt. Aber kann man unter solchen Bedingungen, mit diesen zwei Schauspielern und diesem Set überhaupt etwas falsch machen?

Darum geht es

Der Regisseur Malcolm (John David Washington) und die Schauspielerin Marie (Zendaya) kommen von einer Filmpremiere nach Hause. Es war sein großer Abend, die Premiere ein voller Erfolg. Er ist noch immer emotional aufgewühlt und steckt voller Euphorie. Doch Marie kann die Freude nicht teilen und wirkt genervt. Etwas ist vorgefallen an diesem Abend, dass sie innerlich aufgewühlt hat und ihre Beziehung auf die Probe stellt. In dieser Nacht entladen sich zwischen den beiden aufgestaute Gefühle und sie lassen ihren Emotionen freien Lauf.

Kommentar

Vorweg: Malcolm & Marie ist ein visuelles Gustostück. Gedreht wurde im Caterpillar House in Carmel, Kalifornien, einem Bungalow aus Glas mitten in unberührter Natur. Das ist natürlich eine Spielwiese für Kameramann Marcell Rév. Gleich zu Beginn, nach einer Eröffnung, die an den Film Noir erinnert, gleitet die Kamera minutenlang außen vor der Fensterfront hin und her und verfolgt Malclom durch das Haus. Es zählt zu den Großen stärken des Filmes, einen Stoff, der offensichtlich auch auf einer Theaterbühne gut aufgehoben wäre, eine kinematische Note zu verpassen, die eine reine Freude ist und gleichzeitig Spannung zu erzeugen vermag.

Der Rhythmus des Filmes ist durch das ständige hin und er der Auseinandersetzung zwischen den Beiden vorgeben. Mal gewinnt Malcolm die Oberhand und dann wieder Marie. Das wirkt an sich schon sehr konstruiert. Die eindringlichen Monologe sind regelrechte Anklagen, die man in der Realität einmal aushalten muss. Dabei wird Zwischenmenschliches auf eine höhere Ebene geholt. Es geht um die künstlerische Arbeit von Malcolm, die stark durch die Beziehung zu Marie beeinflusst ist und um Kritik an Kunstwerken an sich und über stereotype Zuschreibungen. Ein schwarzer Filmemacher wird mit anderen schwarzen Filmemachern verglichen, weil er schwarze Filme macht. Kunstkritik ist ein spannendes Feld. Meist urteilen Menschen über eine kreative Arbeit, die selbst nie einen kreativen Prozess durchgemacht haben (wenn man vom Schreiben selbst als einen solchen absieht). Nun geht es im Film um eine Filmkritikerin der L.A. Times, die Malcolms Film scharf kritisiert hat, was ihn in Rage bringt. Sie ist eine reale Person und hat dies in der Vergangenheit schon einmal mit einem Film von Levinson getan. Davon kann man halten was man will.

Einige haben sich daran gestört, dass dieser Diskurs nun gerade von einem weißen Regisseur thematisiert wird, der schwarze Darsteller inszeniert. Aber bereits da beisst sich die Katze in den Schwanz. Gibt es nun eine Trennung von schwarzer und weißer Kunst? Die eigene Sozialisation wird im Schaffen immer eine gewisse Rolle spielen, genauso wie das eigene Geschlecht. Das ist aber eine Diskussion, mit der man sich bei Malcolm & Marie erst gar nicht lange aufhalten muss.

Viel interessanter ist, wie hier Geschlechterrollen inszeniert werden und ob dieses Kammerspiel überhaupt einen Funken von Authentizität in sich birgt. Zendaya hat, so wie Washington, den Film mitproduziert und inszeniert sich quasi selbst als Verkörperung der puren Sexiness. Die Eleganz, die sie dabei ausstrahlt, sucht ihresgleichen. Nicht nur hier werden Anleihen von den goldenen Zeiten Hollywoods oder dem italienischen Kinos eines Antonioni genommen. Während sie sich immer mehr ihrer Kleider entledigt und sich um ein Uhr in der Nacht in der Badewanne eine Standpauke von Malcom anhören lassen muss, behält er Hemd und Krawatte fast die gesamte Spielzeit über an. Gleichzeitig kommt so etwas wie Intimität nie richtig auf. Liegt es am Glasbau oder an den Dialogen, bei denen immer eine Metaebene im Spiel ist?

Als reines Beziehungsdrama taugt der Film mitnichten. Dafür sind die rund 100 Minuten viel zu sehr beladen mit schwülstigen Dialogen und ständig scheint es um alles zu gehen: um die Rolle der Frau in einer Beziehung, um das Schwarzsein an sich und eben wie andere vermeintlich nicht-weiße darauf reflektieren. Vielleicht ist das aber auch ein ganz normaler Abend unter – schwarzen – Hollywoodstars. Wer weiß.

Selbst wenn die Figur Malcolm diese Interpretation für seinen Film ablehnt, ganz unpolitisch ist diese Auseinandersetzung nicht. Er hat schon recht: ist es überhaupt möglich, einen Film über Identität, Geschlechterrollen und vor allem rassistisch konnotierten Problematiken zu machen, ohne politisch zu werden?

Die völlige Abwesenheit von jeglichem Humor verleiht Malcolm & Marie jedenfalls eine Ernsthaftigkeit, die dem Film nicht gut tut. Man bekommt den Eindruck, der Film möchte mehr sein, als er eigentlich ist. Als rufe er: schaut her, wie schön ich bin und was sich alles in mir verbirgt. Am Ende ist er genauso durchdesignt wie das Haus, in dem er spielt. Trotz wunderbarer schauspielerischer Leistungen fällt es schwer, diese zwischenmenschliche Beziehung nachzuvollziehen. Es fühlt sich einfach nicht echt an.

Malcolm & Marie

Drama, USA 2021
Regie Sam Levinson
Drehbuch Sam Levinson
Kamera Marcell Rév
Schnitt Julio Perez
Musik Labrinth
Mit Zendaya, John David Washington
Länge 106 Min.
Streamingdienst Netflix

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Zwischenmenschliche Beziehungen sind bei Miranda July nichts weniger als bizarr. Bei ihrem erst dritten Spielfilm Kajillionaire ist das nicht anders. In den Filmen der vielseitigen Künstlerin sind die Einflüsse aus anderen Kunstrichtungen stets spürbar. Wir tauchen ein in die gar seltsam pastellfarbene Welt einer Familie von Kleinkriminellen. Sich auf Julys Filme einzulassen ist zugegeben für viele ein Wagnis und es ist nicht das, was wir gewohnterweise vorgesetzt bekommen. Die Regisseurin kombiniert die Absurdität aber mit Ironie und Witz. Das erleichtert den Zugang nicht nur, sondern unterhält uns bestens.

Darum geht es

Eine Familie, bestehend aus Vater Robert (Richards Jenkins), Mutter Theresa (Debra Winger) und deren Tochter Old Dolio (Evas Rachel Wood) schlägt sich als betrügerisches Trio durchs Leben. Das Verhältnis zueinander ist gelinde gesagt distanziert und nicht nur die Tochter hochgradig verhaltensgestört. Von Kind auf kennt sie nichts anderes, als das Überleben durch Gaunereien. Als sie eine Fluglinie hereinlegen wollen, um ihre Mietrückstände zu begleichen, gesellt sich Melanie (Gina Rodriguez) zur Familie und stell deren Leben auf den Kopf, natürlich ausgehend von einer an sich schon mehr als schrägen Konstellation. Old Dolio erhofft sich von Melanie jene Liebe und Zuneigung, die sie von ihrer Familie nie bekommen hat. Die Eltern versprechen sich zu bessern aber kann sie ihnen überhaupt je vertrauen?

Kommentar

Ein Überfall auf eine Postfiliale gleich zu Beginn trägt starke Züge von Perfomancekunst und gibt einen ironischen Ton vor. Old Dolio wird von ihren Eltern bloß als Mitarbeiterin angesehen. Die schlaksige junge Frau mit den etwas-zu-langen Haaren ist von Traurigkeit gezeichnet. Wer kann es ihr verdenken. Trotz Armut, dem Fehlen von menschlicher Zuneigung und einem trostlosen kalifornischen Industrieviertel ist Kajillionaire aber äußerst unterhaltsam.

Die Familie wohnt in einem an eine Seifenfabrik angrenzenden Büro. Das große Extra dieser ungewöhnlichen Unterkunft ist Seifenschaum, der von Zeit zu Zeit durch die Wand aus der Fabrik herüberdrückt. In Kajillionaire befinden wir uns nicht in einer realen Welt, sondern vielmehr in einer wie sie aussehen könnte oder im Kopf von Regisseurin Miranda July eben aussieht. Robert und Theresa haben jeglichem Besitz abgeschworen, streben nicht nach Wohlstand und wollen sich schon gar nicht mit einem regulären Arbeitsverhältnis belasten. Es ist beinahe eine Art Kult.

Doch im Kern geht es abseits der ganzen Skurrilitäten um die Sehnsucht danach geliebt zu werden. July verpasst der Geschichte schlicht eine schräge Verpackung. Verhalten, das auf den ersten Blick seltsam erscheinen mag, ist die Folge von fehlender Zuneigung. Kajillioniare zeigt, dass es sich lohnt einen Blick hinter die Fassade zu werfen. Sie verstellt meist nur den Blick auf das Wesentliche.

Dieser Text ist nach einer Vorstellung im Rahmen der Viennale 2020 entstanden.

Kajillionaire

Drama, USA 2020
Regie Miranda July
Drehbuch Miranda July
Kamera Sebastian Winterø
Schnitt Jennifer Vecchiarello
Musik Emile Mosseri
Mit Evan Rachel Wood, Debra Winger, Richard Jenkins, Gina Rodriguez
Länge 105 Min.
Streamingdienst Amazon

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[icon name=“exclamation-triangle“] Kann Spoiler enthalten

Als Wonder Woman 2017 in die Kinos(!) kam, waren große Teile des Publikums und der Presse entzückt. Der Film hob sich von den restlichen DC Comics Verfilmungen ab, bot eine Alternative zu Marvel und gleichzeitig erblickte die erste Superheldin das Licht der Leinwand. Gal Gadot hauchte der Figur Leben ein und alle waren von ihrem Charisma überwältigt. Mit Patty Jenkins führte zum ersten Mal eine Frau bei einem Blockbuster Regie. Hinsichtlich des Geschlechterungleichgewichts in der Filmbranche, kann man den beiden den Erfolg nicht hoch genug anrechnen. Mit der Fortsetzung Wonder Woman 1984 oder wie manche sagen Wonder Woman 2, kann das Team aber leider nicht an den Vorgänger anschließen. Begleitet wurde der Filmstart im Dezember 2020 von der Entscheidung von Warner Bros., deren Filme zeitgleich zur Veröffentlichung in den Kinos auch auf dem eigenen, bisher nur in den USA verfügbaren, Streaming Dienst zu vermarkten.

Darum geht es

Diana Prince (Gal Gadot) arbeitet im Jahr 1984 als Anthropologin in einer Forschungseinrichtung in Washington D.C. In ihrer Freizeit geht sie im Wonder Woman Kostüm auf Verbrecherjagd oder rettet Menschen aus brenzligen Situationen. Ihre unscheinbare Kollegin Barbara Ann Minvera (Kristen Wiig) ist nicht nur sehr angetan von Wonder Woman, sondern ebenso von Dianas selbstbewussten Auftreten.

Eines Tages weckt ein steinernes Artefakt die Aufmerksamkeit von Diana. Kann der Stein etwa Wünsche erfüllen? Gedankenverloren wünscht sie sich wieder mit Steve (Chris Pine) vereint zu sein. Als Barbara von Wonder Woman vor einem Überfall gerettet wird, wünscht sie sich nichts mehr, als so zu sein wie sie, zufällig mit den Händen auf dem Stein.

Als neuer Sponsor wird der Ölmagnat Maxwell Lord (Pedro Pascal) am Institut vorstellig. Er flirtet mit Barbara und zeigt großes Interesse am Artefakt. In einem geeigneten Moment entwendet er es. In der Zwischenzeit lernt Diana auf einer Party einen Mann kennen, der vorgibt Steve zu sein und sie auch davon überzeugen kann.

Lord spricht den folgenschweren Wunsch aus, der Stein selbst sein zu wollen und stürzt die ganze Welt in ein Chaos.

Kommentar

Ohne Überlänge geht es im SuperheldInnen Segment nicht und das obwohl die Geschichten weder tiefgründig noch komplex sind. Wonder Woman 1984 eröffnet noch dazu mit einem Prolog. Wir sind zurück auf der Insel Themyscira im Mittelmeer wo das Kriegervolk der Amazonen zu Hause ist. Diana ist noch ein kleines Mädchen und tritt zu einer Art olympischen Bewerb an. Die Sequenz ist schön anzusehen. Die Musik von Hans Zimmer geht ins Ohr, wie den gesamten Film über. Diana zieht zwar ihre Lehren, die ihr im weitern Verlauf ganz hilfreich sein werden. Leider wird es der beste Teil bleiben.

Kirsten Wings Verwandlung vom Mauerblümchen zur Femme Fatale ist die größte Überraschung des Filmes, wenn auch zu Beginn sämtliche Stereotype bedient werden. Sie hatte jedenfalls sichtlich Spaß an ihrer Rolle. Wie schon in Teil 1 trägt Gal Gadot den ganzen Film mehr oder weniger alleine. Das reicht nur bei einer derart abstrusen Haltung nicht mehr aus.

Die Sache mit dem Artefakt. Die Grundprämisse ist spannend, genauso wie die Moral der Geschichte. Wenn jeder bekommt was er möchte, gibt es kein Miteinander mehr. Die Logik bleibt aber vollkommen auf der Strecke. Noch dazu entgleitet die Handlung , da es auf einmal drei ProtagonistInnen gibt, die sich verstreut auf der Welt aufhalten: Diana, Barbara und Maxwell. Der Film fällt dem Drang zum Opfer, sich gegenüber dem Vorgänger steigern zu müssen, Was das wohl für Teil 3 bedeuten mag?

Wonder Woman 1984 war wenige Stunden nach der Premiere in bester Qualität im Netz zu finden. Die Anzahl der illegalen Downloads hält sich mit jener der Kinobesuche und des Streamings die Waage. Warner Bros. muss damit gerechnet haben. Da in naher Zukunft noch mehr Streamingdienste auf den Markt drängen werden, ist mit einer weiteren Zunahme von Piraterie zu rechnen. Auch wenn ein einzelner Dienst für sich nicht die Welt kostet und monatlich kündbar ist, ist es mehr als unrealistisch, dass jemand mehr als ein halbes Dutzend Dienste abonnieren wird.

Warner Bros. wollte offenbar den eigenen Streamingdienst HBO Max stärken. Genauso hätte man den Film weltweit zum Kauf anbieten können, um den Verlust etwas abzufedern. Wobei allein in den USA 10% der Downloads durchgeführt wurden. Wohin das führt, werden die nächsten Monate zeigen. Die Filmbesprechungen waren sehr durchwachsen und eher kritisch. Das zieht einen Effekt nach sich, den man nicht unterschätzen sollte. Nicht umsonst starteten Blockbuster in den letzten Jahren weltweit mehr oder weniger zur selben Zeit.

Es gibt diese eine Szene zwischen Gadot und Pine, in der sie verzweifelt gesteht, dass sie eine neuerliche Trennung nicht ertragen kann. Es ist ein wunderbarer und erstaunlich intimer Moment, mitten im Chaos, das rund um sie herrscht. Leider kann der Film sonst weder in den lauten, noch in den stillen Momenten überzeugen. In mancher Hinsicht war Wonder Woman vor drei Jahren ein Meilenstein im Blockbustersegment. Die Fortsetzung könnte im Nachhinein auf ganz andere Weise in Erinnerung bleiben. Als Wendepunkt in der Vermarktung von Kinofilmen. Jedoch sicher nicht wegen des Filmes selbst.

WONDER WOMAN 1984 | PATTY JENKINS | USA 2020 | 152 MIN. | [usr 2,5]

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Provincial Reconstruction Teams wurden erstmals Anfang der 2000er Jahre von der US-Armee in Afghanistan eingesetzt. Zusammensetzt aus Militärs, Diplomaten und technischen Experten sollten sie in enger Zusammenarbeit mit der Bevölkerung vor Ort den Wiederaufbau vorantreiben und lokale Regierungen gegen die Taliban unterstützen. The Outpost erzählt die wahre Geschichte eines solchen Teams in einem Außenposten im Norden Afghanistans, der am 3. Oktober 2009 bei der Schlacht von Kamdesh durch einen Angriff der Taliban völlig zerstört wurde. Wegen seiner exponierten Lage in einer Talenge des Hindukusch galt der Posten de facto als Himmelfahrtskommando.

Darum geht es

Als die Soldaten der US-Armee in der Nacht aus den Helikoptern steigen, die sie am später Combat Outpost Keating genannten Außenposten absetzen, können sie nur erahnen, in welcher Lage sie sich nun befinden. Der nächste Morgen bringt Gewissheit: das Lager liegt in einem Talkessel und ist von steil ansteigenden Felswänden umgeben und nur durch eine schmale Straße erreichbar. Ein strategischer Alptraum.

Unter anderen Staff Sergeant Romesha (Scott Eastwood) und Specialist Carter (Cale Landry Jones) sollen unter dem Kommando von Captain Keating (Orlando Bloom) Kontakt zur lokalen Bevölkerung aufnehmen und sie von den Taliban separieren. Als Taktik wird darauf gesetzt, das Vertrauen der Dorfältesten zu gewinnen und sich auch durch Angriffe nicht provozieren zu lassen. Die Einwohner werden als friedlich eingeschätzt.

Es kommt immer wieder zu Zwischenfällen und kleineren Angriffen. Die Anspannung unter den Soldaten steigt, als sie merken, wie aussichtslos ihre Lage ist. Trotzdem bleibt man bei der defensiven Strategie. Wegen der Knappheit von Ressourcen im weit entfernten Basislager, liegt die Räumung des Camps aber trotzdem in weiter Ferne. Mehrmalige Warnungen eines lokalen Kontaktmannes über einen bevorstehenden Angriff werden nicht ernst genommen. Im Morgengrauen des 3. Oktober 2009 wird der Posten von mehr als 300 Taliban in der Schlacht von Kamdesh verwüstet.

Kommentar

The Outpost zeichnet sich wie Black Hawk Down oder andere Kriegsfilme der letzten 20 Jahre durch eine größtmögliche Authentizität aus. Kameraführung (Lorenzo Senatore) und Soundeffekte sollen beim Publikum den Eindruck erwecken, mitten im Geschehen zu sein. In Rod Luries Version der Kriegshölle verfolgt die Kamera (meist sind es Drohnenflüge) die Soldaten in langen Sequenzen ohne Schnitt, um möglichst hautnah an den Protagonisten dran zu sein. Die technische Finesse des Kriegsdramas ist beeindruckend.

Im Combat Outpost Keating ging es von Anfang an nur ums Überleben. Die Antwort, warum die Militärführung unter David Petraeus einen derart gefährlichen Standort gewählt hat, bleibt im Film unbeantwortet. Allerdings sind die engen mit reissenden Flüssen durchzogenen Täler eine für die Region typische Landschaft.

Langeweile und die permanente Bedrohung bestimmen den Alltag im Camp. Die Soldaten sind allesamt in ihren 20ern und unterscheiden sich in ihrer Geschichte im Wesentlichen kaum voneinander. Trotzdem stechen eine Handvoll Männer aus der Gruppe hervor, vor allem Scott Eastwood (Clints Sohn) und Cale Landry Jones. Natürlich stellt der Film das Heldentum in sein Zentrum. Beide realen Vorbilder bekamen mit der Medal of Honor die höchste militärische Auszeichung überreicht. Noch nie wurde zwei überlebenden Soldaten einer Operation gleichzeitig diese Ehre zu Teil.

Während die erste Hälfe des Filmes zur Orientierung dient, mehr oder weniger das Leben im Camp beschreibt und durch herbe Rückschläge einen mehrmaligen Wechsel der Führung notwenig macht, widmen sich die letzen 45 Minuten ausschließlich der finalen Schlacht. Dass man dabei nicht die Orientierung verliert, zeichnet die Regiearbeit von Lurie aus.

Einmal beklagt ein Dorfältester, dass die Besatzer nun schon seit Jahrzehnten im Lande seien, nur um dann aufgeklärt zu werden, dass es zuerst die Russen waren, die Afghanistan besetzt hielten. The Outpost ist kein Antikriegsfilm, der mit Kritik an der Invasion in Afghanistan aufwartet. Die Soldaten sind überzeugt davon, etwas gutes für ihr Land zu tun und für sie ist klar, wer die Guten sind und wer die Bösen. Auch klar ist, dass die afghanische Bevölkerung von den Taliban terrorisiert wurde. In diesem Spannungsfeld ist der Film mehr ein Bericht, der sich auf ein Ereignis konzentriert, ohne die Situation im Großen zu beurteilen. Das muss er auch nicht.

Als Zuseher bekommt man einen Eindruck davon, wie es sein mag, wenn man mitten im Krieg allein gelassen wird. Diese Frage nimmt The Outpost nämlich sehr wohl auf. Die Evakuierung von Combat Outpost Keating kam viel zu spät. Als die Taliban Wind von den Räumungsplänen bekamen, starteten sie ihren Angriff. Untersuchungen kamen zu dem Entschluss, dass es Mängel in der Kommandokette gegeben hatte. Am Ende starben acht US-Soldaten bei dem Angriff und 27 wurden verwundet. Ebenso verloren zehn afghanische Soldaten und Sicherheitsleute ihr Leben. Etwa 150 Taliban wurden getötet. Es war einer der blutigsten Einsätze in der 13 Jahre dauernden Operation Enduring Freedom.

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The Outpost – Überleben ist alles [OT: The Outpost]

Kriegsfilm, USA 2020
Regie Rod Lurie
Kamera Lorenzo Senatore
Schnitt Michael J. Duthie
Musik Larry Groupé
Mit Scott Eastwood, Caleb Landry Jones, Orlando Bloom
Länge 123 Min.
Streamingdienst  zum Kauf bei Amazon

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Von den Safdie Brüdern kommt ein Film, der das Attribut immersiv verdient wie kaum ein anderer der jüngsten Vergangenheit. Der schwarze Diamant nimmt uns mit auf eine Achterbahnfahrt, bei der über zwei Stunden keine Zeit zum Durchatmen bleiben wird. Ein Stresstest für Adam Sandler als spielsüchtigen Diamanthändler und für uns. Also fasten your seat belt!

Darum geht es

Howard Ratner (Adam Sandler) führt einen Juwelierladen im New Yorker Diamond District. Wegen hoher Spielschulden steckt er in der Klemme. Arno (Eric Bogosian), sein Schwager und Kredithai sitzt ihm im Nacken. Gemeinsam mit seinen Schlägertypen macht er Howard das Leben schwer. Doch Howard hat einen Coup gelandet. Aus Äthiopien schmuggelt er einen großen schwarzen Opal ins Land. Gerade als der Diamant eintrifft, befindet sich der NBA-Star David Garnett in seinem Laden und ist sofort besseren davon, ihn als Glücksbringer zu besitzen. Howard willigt einem vorübergehenden Tauschhandel ein und erhält im Gegenzug seinen Meisterschaftsring.

Gleich darauf versetzt Howard den Ring bei einem Pfandleiher und wettet noch am selben Abend eine große Summe auf David Garnett. Der Opal scheint tatsächlich als Glücksbringer zu wirken. Doch für Howard beginnt der Alptraum erst. Sein scheinbar perfekter Plan führt ihn direkt ins Chaos.

Kommentar

Das hier ist nichts, wobei man sich entspannt zurücklehnen kann. Der schwarze Diamant ist schrill, laut und chaotisch. Josh und Benny Safdie schaffen eine Atmosphäre des Unbehagens, die noch lange nach dem Film nachwirken wird. Es schmerzt zu sehen, wie Howard eine falsche Entscheidung nach der anderen trifft und immer mehr Richtung Abgrund schlittert. Obwohl wahrlich kein Sympathieträger, leiden wir mit ihm mit. Die permanente latent aggressive Stimmung wird durch das hohe Tempo des Filmes, es gibt nur wenige ruhige Momente und der hektischen elektronischen Filmmusik noch verstärkt. Der Geräuschpegel rumort in unseren Köpfen.

Das Brüderpaar war stark beeinflusst von der eigenen Familiengeschichte. Wie Howard entstammen sie einer jüdischen Familie und ihr eigener Vater arbeitete selbst im Diamond District in New York. Hier reihen sich an einem Häuserblock die Juweliere aneinander. Es ist ein Viertel, wo Geschäfte über enorme Summen noch per Handschlag besiegelt werden. Ihre Vorstellung von New York im Jahr 2012 ist eine ganz andere als man sie sonst für gewöhnlich in Filmen sieht. Dies hier ist kein Ort an dem man sein möchte. Die Stadt draußen nicht und schon gar nicht der beklemmend enge, fensterlose Laden Howards mit seiner doppelten Sicherheitstüre. Von Kameralegende Darius Khondji wird das Setting in ein grünliches Neonlicht getaucht.

Es wurde oft gesagt aber hier spielt Adam Sandlers die Rolle seines Lebens. Man möchte dem Mann in der schwarzen Lederjacke fast zu Hilfe kommen oder die Augen verschließen. Dies ist eine der spannendsten und beeindruckendsten schauspielerischen Leistungen der letzten Jahre. Dass Sandler bei den Oscars im letzten Jahr übergangen wurde, haben heute noch viele der Academy nicht verziehen. Nebenbei ist das gesamte Ensemble eine Erwähnung Wert: Idina Menzel als Howards Noch-Ehefrau Dinah, Jud Hirsch als Schwiegervater Gooey und Julia Fox als Howard Angestellte und Liebhaberin. Irgendwie ist Der schwarze Diamant auch ein jüdischer Familienfilm. Aber sehr speziell.

Immer wieder entsteht der Eindruck, Howard stünde kurz vor der Lösung all seiner Probleme. Die Erlösung scheint zum greifen nahe. Doch genauso schnell kommt die Ernüchterung und die Erkenntnis, dass daraus wohl nichts werden wird. Zu allem Überfluss steht auch noch seine Ehe vor dem Ende. Es ist seine Spielsucht, die ihn anreibt – das Spiel selbst und nicht die hohen Geldsummen, die in Aussicht stehen. Bald müssen wir erkennen, dass wir in Der schwarze Diamant selbst in Howards wirrem Kopf festsitzen und es keine Erlösung geben kann. Eine große Empfehlung für alle, die sich auf ein intensives und berauschendes Filmerlebnis einlassen möchten. Brutal genial.

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Der schwarze Diamant [OT: Uncut Gems]

Thriller, USA 2019
Regie Benny Safdie, Josh Safdie
Kamera Darius Khondji
Schnitt Ronald Bronstein, Benny Safdie
Musik Daniel Lopatin
Mit Adam Sandler, Lakeith Stanfield, Julia Fox, Kevin Garnett
Länge 130 Min.
Streamingdienst Netflix

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Es ist ein historisches Detail mit großer wissenschaftlicher Tragweite. Die Ausgrabung handelt von der wichtigsten archäologischen Entdeckung Großbritanniens. Als zwei Seelenverwandte sind Carey Mulligan und Ralph Fiennes zu sehen, denen aus unterschiedlichen Gründen die Zeit davon läuft. Eingebettet in die wunderschöne Landschaft im Osten Englands erzählt der Historienfilm eine kleine Geschichte von der Vergänglichkeit.

Darum geht es

Es ist das Jahr 1939, als in Suffolk (im östlichsten Teil Großbritanniens gelegen) die Landbesitzerin und Archäologin Edith Pretty (Carey Mulligan) den lokalen Hobbyarchäologen Basil Brown (Ralph Fiennes) anheuert, um ein paar Erdhügel auf ihrem Grundstück zu untersuchen. Sie vermutet archäologischen Schätze darunter. Auch Brown hält das für möglich. Er hatte schon früh die Schule verlassen und für seine Theorie, die Hügel seien angelsächsischen Ursprungs und nicht Spuren der Wikinger (also bedeutend älter), wird er von seinen Kollegen belächelt.

Und doch: er soll recht behalten. Unter einem Hügel befindet sich ein angelsächsisches Bootsgrab. Schnell zieht die Ausgrabungsstätte das Interesse des British Museum in London auf sich. Brown wird die Leitung durch den renommierten Archäologen Charles Phillips (Ken Scott) entzogen. In seinem Team befinden sich das Ehepaar Peggy (Lily James) und Stuart Piggott (Ben Chaplin). Die fotographische Dokumentation übernimmt Rory Lomax (Johnny Flynn). Zwischen ihm und Peggy entwickelt sich eine Romanze.

Der Gesundheitszustand von Edith Pretty verschlechtert sich dramatisch und sie wird immer schwächer. Ihr letztes Anliegen ist es, dass Basil Brown die verdiente Anerkennung für seine Arbeit zu Teil wird. Gleichzeitig rückt der Kriegseintritt Englands immer näher.

Kommentar

Peggy und Basil könnten unterschiedlicher nicht sein. Sie, eine wohlhabende Grundbesitzerin und er ein Schulabbrecher, der gegen einen geringen Lohn im nahen Provinzmuseum arbeitet. Sie verbindet die Leidenschaft der Erforschung vergangener Zeiten. Es ist ein Aufbegehren gegen das Vergessen. Was bleibt? Was hinterlassen wir? Für Basil spielt nicht die Vergangenheit jene Rolle, die man der Archäologie zuschreiben würde, sondern die Zukunft. Für die ist es von Bedeutung die eigenen Wurzeln zu kennen und zu wissen wo wir herkommen.

Die Ausgrabung ist ein leiser und unaufgeregter Historienfilm. Die beiden Hauptdarsteller sind von Melancholie und Wehmut geprägt. Ihre gemeinsame Leidenschaft gibt ihnen alle Lebenskraft. Mulligan beeindruckt als schwerkranke Peggy. Fiennes wächst durch seine ruhige und liebenswürdige Art ans Herz. Sie sind die Stars des Films – und natürlich die englische Landschaft. Eingefangen von Kameramann Mike Eley und in warmes Licht getaucht, erinnern die Bilder ein wenig an dass Duo Malick/Lubezki. Auch die Dialoge aus dem Off, die öfter über die schweigenden DarstellerInnen gelegt werden, sind von Malicks schwer zugänglichen Filmen bekannt. Allerdings schlägt Die Ausgrabung nicht in diese Kerbe und ist leichte Kost. Auf die große Leinwand würde er aber allemal gehören.

Es ist ein Film der kleinen Details und Zwischentöne. Dazu zählt zum Beispiel die Beziehung von Basil zu Ediths Sohn Robert (Archie Barnes). Trotzdem gerät der Film aber ins Stocken. Die erfundene Romanze als Nebenstory ist kein Gewinn und darauf zurückzuführen, dass die Geschichte allein auf einem archäologischen Bericht beruht. Das bleibt aber das Grundproblem des Filmes. Im Laufe der Zeit verliert der Film den Fokus auf seine beiden Hauptdarsteller und wir verlieren immer mehr das Interesse. Dem Score gelingt es auch nicht, die Erzählung zu intensivieren. Die Klavierklänge sind nicht mehr als nervend und meist unpassend.

Die Ausgrabung ist ein schön anzusehender Film mit zwei großartigen Hauptdarstellern (und beachtlichen Leistungen in den kleineren Rollen). Mehr aber leider auch nicht. An anderer Stelle wurde bemerkt, dass der Stoff an James Ivorys Filme der 1990er erinnert, ihm aber die literarische Grundlage fehlt.

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Die Ausgrabung [Originaltitel: The Dig]

Drama, USA/UK 2021
Regie Simon Stone
Kamera Mike Eley
Schnitt Jon Harris
Musik Stefan Gregory
Mit Carey Mulligan, Ralph Fiennes, Lily James
Länge 112 Min.
Streamingdienst Netflix

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