The Reel Therapist

Schlagwort: 2017

  • NERUDA

    NERUDA

    Oscar Peluchoneau (Gael Garcia Bernal) ist ein junger, gewissenhafter Inspektor. Es ist das Jahr 1948 in Chile, in dem es zum Bruch der Kommunisten mit dem faschistischen Präsidenten González kommt und der Kalte Krieg seine Hände auch nach dem südamerikanischen Land ausstreckt. Dichter und Senator Pablo Neruda (Luis Gnecco) lehnt sich gegen die Regierung auf und wird folglich zum Staatsfeind erklärt. Nachdem er mit seiner Frau Delia (Mercedes Morán) untergetaucht war, wird Peluchoneau mit seiner Festnahme beauftragt. NERUDA ist die Geschichte dieser Flucht, die zu einem humorvollen Katz-und Maus-Spiel zwischen Jäger und Gejagten wird.

    Neruda ist seinem Verfolger immer einen Schritt voraus. Bald findet er gefallen an dem jungen Mann, hinterlässt ihm Nachrichten. Einmal schreibt er, daß er es war, der ihn erst geschaffen hätte. Der Film spielt mit dieser Aussage und lässt offen, ob es sich bei der Person des Inspektors um eine Erfindung Nerudas handelt. Genauso kann sich das Publikum eine eigene Meinung darüber bilden, wer von den beiden nun der eigentliche Protagonist ist. NERUDA handelt auch von der Beziehung zwischen den beiden und der Sehnsucht nach Poesie, die in Peluchoneau geweckt wird. Dichter, Politiker, Frauenheld. Einer Faszination kann sich auch der Inspektor nicht erwehren.

    NERUDA ist kein typisches Biopic. Larraín schafft einen Genremix, in dem er biographische Elemente mit einer Detektivgeschichte im Stil des Film noir verbindet und sich dabei in ironischer Weise der Bildästhetik der 1940 Jahre bedient. Trotz des bekannten Ausgangs hält der Film die Spannung bis zum Schluss. Dem Regisseur gelingt das Kunststück, neben JACKIE innerhalb eines Jahres eine zweite hochgelobte Arbeit ins Kino zu bringen.

    Um eine weitere, allerdings fiktive Episode aus Nerudas Leben im italienischen Exil geht es in IL POSTINO (Der Postmann, Michael Radford, 1994), der vor kurzem auf Bluray erschienen ist. Die Geschichte über eine berührend poetische Freundschaft zwischen Neruda (Philippe Noiret) und einem Postmann, gespielt vom totkranken Massimo Troisi, ist ein herzzerreißendes Filmjuwel, das man sich nicht entgehen lassen sollte.

    Pablo Larraín  CHL/ARG/F/E 2016 107 Min

     

  • MOONLIGHT

    MOONLIGHT

    Einmal wird Chiron, die Hauptfigur in Jenkins‘ Filmdrama, nach einer Schlägerei im Klassenzimmer von der Polizei abgeführt. Ansich harmlos, hat man im vergangenen Jahr jedoch Dokumentationen wie 13TH gesehen, weiss man, was dies für Konsequenzen hat. Als Afroamerikaner kommt Chiron ins Gefängnis. Das erklärt auch den bitterbösen Blick Denzel Washintons während der Dankesrede von Casey Affleck bei der diesjährigen Oscar Verleihung. Auch wenn es bei Affleck wegen der Vorwürfe der sexuellen Belästigung zu keiner Verurteilung gekommen ist (man einigte sich außergerichtlich), als Schwarzer wäre er allein des Verdachts wegen ins Gefängnis gekommen.

    Doch diese gesellschaftspolitischen Gegebenheiten interessieren Jenkins nur am Rande. MOONLIGHT spielt anfangs im Drogenmilieu der Suburbs Miamis, liefert jedoch eine völlig neue Perspektive. Chiron ist homosexuell. Der Film zeigt aus der Sicht von Chiron, wie seine Umwelt damit umgeht und wie er selbst mit seinem Schicksal hadert. Gängige Klischees werden gesprängt, etwa wenn der eine Art Vaterrolle einnehmende Drogendealer (Mahershala Ali) dem kleinen Buben bedacht über seine Sexualität aufklärt. Später als Erwachsener hat sich Chiron nach Außen hin zu einem starken Kerl entwickelt. Hinter der Fasade sieht es jedoch anders aus. Der Soundtrack widerspiegelt diese innere Zerrissenheit Chirons, reicht von basslastigen Klassikelementen bis Rap. Da kann so manches Musical die Koffer packen. Zum Nachhören taugt der Soundtrack nur bedingt. Die Tracks werden nur angespielt und lieblos ausgeblendet.

    MOONLIGHT ist wie ein Triptychon aufgebaut und behandelt drei Lebensabschnitte. Titelgebend sind die jeweiligen Spitznamen Little, Chiron und Black. Daher wird Chiron auch von drei unterschiedlichen Darstellern verkörpert: der neunjährige Little von Alex R. Hibbert, der Teenager von Ashton Sanders und schließlich als Erwachsener mit harter Schale und weichem Kern von Trevante Rhodes. Diese dramaturgischen Brüche schmälern die aufkommende Empathie für den Charakter keineswegs. Die Kamera von James Laxton hat großen Anteil daran. Der subjektive Stil schafft eine besondere Nähe zu den Protagonisten.

    Mahershala Ali ist nach Hidden Figures abermals in einer einprägsamen, diesmal Oscar prämierten Nebenrolle zu sehen. Man darf auf seine erste Hauptrolle gespannt sein.

    MOONLIGHT gebührt Anerkennung. Die Academy hat dies erkannt. Im Oktober startete der Film in den USA in vier Kinos, im Februar lief er auf 1.014 Leinwänden. Mit einem Budget von 1.5 Mio. USD der günstigste Gewinner überhaupt und der erste Oscar für einen Film eines afroamerikanischen Regisseurs – bei der 89. Verleihung. Ein in vielerlei Hinsicht bedeutender Film.

    Barry Jenkins | USA 2016 | 115 Min.

  • The Beauty and the Beast

    The Beauty and the Beast

    Die Realverfilmung des Disney Klassiker aus dem Jahr 1991 ist ab 16 Jahren freigegeben – in Russland – aber dazu später.

    1991 schrieben die Disney Studios aus mehreren Gründen Filmgeschichte und da ist bei einer Neuverfilmung erst recht Skepsis angebracht. Nicht nur, dass der Film ein großer finanzieller Erfolg war, die Musik von Alan Menken bis heute unvergesslich und die Ballsaalszene ein Meilenstein der 3D Animation ist, der Grundstein für folgende Animationsfilme war gelegt, brachte der 30. abendfüllende Animationsfilm dem Studio bei den Oscars in der Kategorie „Bester Film“ eine Nominierung ein (damals beinhaltete die Liste lediglich fünf Nominierte). Belle war anders als die anderen Disney Schönheiten. Klug und dickköpfig lehnte sie sich gegen die dörflichen Strukturen auf und wollte vor allem die Erwartungen der männlichen Bewohner so gar nicht erfüllen. Eine frühe Feministin. Die Frage nach dem Warum der Neuverfilmung erübrigt sich aber lohnt sich ein Kinobesuch?

    Bei Disney ist man sich des Potenzials der eigenen Vergangenheit natürlich bewusst. Demensprechend nahe ist der aktuelle Film am „Original“: Gesangsnummern („Sei hier Gast“ ist fulminant choreographiert), Dialoge Passagen und Kostüme bleiben nahezu unverändert. Allerdings dauert die Realverfilmung gut 45 Minuten länger und um diese Zeit auszufüllen, haben sie sich durchaus etwas einfallen lassen. Nicht nur neue Musiknummern. Gerade in diesen Sequenzen beschreitet der Konzern neue Wege und wird politisch.

    Sowohl der Charakter der Belle (Emma Watson), als auch ihre Beziehung zum Biest (Dan Stevens, angeblich) bekommen mehr Raum und somit mehr Tiefe. Sie stellen das Bildungsbürgertum dar, vom Rest belächelt und gefürchtet. Gaston (Luke Evans) hetzt den Mob zuerst gegen Belles Vater (Kevin Kline) und folglich gegen das Biest auf. Xenophobie und Rassismus sind schnell geweckt. Thematiken, derer sich Disney bereits in ZOOTOPIA angenommen hat. Länder wie Russland und Malaysia stößt aber etwas ganz anderes sauer auf. Die Rolle von Gastons Handlanger Lefou (Josh Gad) trägt homosexuelle Züge – und nicht nur der aber das scheint noch nicht aufgefallen zu sein. Dies gipfelt in der finalen Tanzszene, in der für keine 3 Sekunden Lefou mit einem Mann das Tanzbein schwingt. Die potentielle Empörung muss dem Konzern im Vorfeld bewusst gewesen sein. Die Szenen umzuschneiden wird jedenfalls kategorisch ausgeschlossen.

    Wer den Zeichentrickfilm liebt, wird auch jetzt im Kino in dieser düsteren Version gut unterhalten. Im Gegensatz zu CINDERELLA (2015) bleibt etwas vom Zauber des Vorbildes erhalten. Dies ist zu einem großen Teil Emma Watson zu verdanken. Die Rolle scheint ihr auf den Leib geschrieben. Dass sich die Darsteller, wie in diesem Genre üblich, in animierten Bilderwelten bewegen, muss man nicht mögen. Die schon in CINDERELLA entfesselt Kamera ist bei HERR DER RINGE und Co. besser aufgehoben, entfernt man sich dadurch nur unnötig von den Charakteren. Die Geschichte selbst ist stark genug und benötigt keine Effekthascherei. In Österreich auch schon für Menschen ab sechs Jahren geeignet.

    Bill Condon USA 2017 130 Min.

  • DIE LANGEN GROSSEN FERIEN

    DIE LANGEN GROSSEN FERIEN

    Frankreich 1939. Colette (6) und ihr großer Bruder Ernest (11) fahren mit ihren Eltern über den Sommer aufs Land zu den Großeltern. Die Mutter muss bald aus gesundheitlichen Gründen in die Schweiz. Doch dann bricht der Krieg aus und der Vater muss an die Front.

    Die beiden Geschwister bleiben bei ihren Großeltern zurück. Was folgt sind Jahre der Abenteuer aber auch der Unsicherheit und der Angst. Die Serie wird aus der Sicht der beiden Kinder erzählt. Anfangs verstehen sie nicht was vor sich geht, warum das Essen knapp wird und Freunde in der Schule auf einmal einen gelben Stern tragen müssen. Dies ändert sich im Laufe der Jahre. Mit der deutschen Besatzung entsteht eine Widerstandsbewegung, der sich auch die Kinder anschließen.

    Die Zeichentrickserie DIE LANGEN GROSSEN FERIEN des französischen Studios Les Armateurs erzählt Zeitgeschichte spannend und kindergerecht. Es wird kaum ein Thema ausgespart aber auf visuelle Gewalt weitgehend verzichtet. Auch für Erwachsene ist die Serie sehr empfehlenswert.

    Bei Netflix ist die Miniserie in fünf Folgen zu je 48 Minuten zu sehen.

    Paul Leluc FR 2015

  • OSCARS 2017 – Wer setzt sich durch?

    OSCARS 2017 – Wer setzt sich durch?

    Es gibt Kalender die richten sich nach der Sonne und andere nach dem Mond. Der eines Filmfans richtet sich nach einer, nicht minder strahlenden, goldenen Statue, dem OSCAR nämlich. Nach dieser Zeitrechnung ist heute Silvester. Geschlafen wird frühestens Montag früh oder in einem Kinosessel im Gartenbaukino oder im Burg Kino.

    Es wird davor diskutiert und auch danach. Denn in jeder Kategorie gibt es „will win“ und should win“ KandidatInnen. Das trifft auf Casey Affleck und Denzel Washington zu und alle Kategorien, in denen LA LA LAND nominiert ist (das musste jetzt sein). Auch der Auslands-Oscar fällt darunter. Eines scheint im Vorfeld nämlich schon ziemlich klar zu sein: Die Eskapaden der Trump Administration werden Einfluß auf die Entscheidungen haben.

    Schon in den letzten Tagen kam es zu Protesten, nicht auszuschließen, dass dies auch während der Gala zum Thema wird. Meryl Streep wurde eben auf die Liste der LaudatorInnen gesetzt. Bei Bester Film und Beste Regie ist durchaus ein Split möglich.

    Alles Voraussetzungen, dass es in diesem Jahr eine spannende Nacht mit der ein oder andere Überraschung werden wird.

     

  • LA LA LAND

    LA LA LAND

    Es beginnt mit einer vielversprechenden Eröffnungssequenz, bei der mehr Autos demoliert werden als in Blues Brothers und im Grunde nimmt Damien Chazelle das große Finale eines klassischen Musicals vorweg. Ein Film wie eine Achterbahnfahrt. Allerdings geht es ständig bergab.

    Musical, Komödie, Drama und Romanze: Chazelle will alles aber am Schluss ist es nichts von alledem. Zuerst großes Musical, dann streckenweise durchaus witzig aber der Witz geht zur Hälfte hin verloren und übrig bleibt eine platte Liebesgeschichte zwischen einer angehenden Filmschauspielerin und einem aufstrebenden Jazzmusiker. Dass der Film kein völliges Desaster ist, verdankt er Stone und Gosling. Gosling aber das Prädikat als besten Darsteller im Jahr 2016 anzuerkennen, ist dann doch ein Armutszeugnis für das vergangene Filmjahr.

    Gut, der Song City of Stars ist ein Ohrwurm – obwohl Gosling nicht singen kann – und das Ende des Filmes entspricht erfrischender Weise eben nicht dem Hollywood-Klischee.

    Man wird jedoch den Eindruck nicht los, dass hier ein potentieller Oscar, bzw. Filmpreis Kandidat am Reisbrett entworfen wurde. Die aufkommenden Beziehungsprobleme, die dem Musical Tiefe verleihen sollen, wirken aufgesetzt. Stones Auditions Scene kann als Bewerbungsvideo für die Academie verstanden werden. Gut möglich, dass sie in diesem Jahr mit einer Statue nach Hause geht. Der Film wird mit Nominierungen übersät werden und die Chancen der Abräumer des Jahres zu werden, stehen nicht schlecht.

    Hollywood-Nostalgie pur in den Farben der französischen Filmmusicals der 1960er Jahre. In jedem Fall ist der Film eine gute Gelegenheit, um sich im Gartenbaukino bei einer Retrospektive den ein oder anderen, von Chazelle zitierten, Musical Klassiker auf der großen Leinwand anzuschauen.

    Damien Chazelle USA 2016 128 Min.

  • MANCHESTER BY THE SEA

    MANCHESTER BY THE SEA

    Wenn einem Kinobesuch monatelang Lobeshymnen vorangehen, läuft man Gefahr, ob der hohen Erwartungen enttäuscht zu werden. Dies ist so ein Film. Zumindest was Ersteres angeht.

    Kenneth Lonergan ist ein stilles und humorvolles Drama gelungen. Das ist seinem gut getimten Drehbuch und dem Hauptdarsteller Casey Affleck, in der Rolle des Lee Chandler, zu verdanken. Manchester ist ein Film über eine menschliche Katastrophe unbeschreiblichen Ausmaßes, ohne das erjemals laut wird. Für eine ähnliche Herangehensweise an ein tragisches Ereignis ohne falsche Sentimentalität muss man weit zurückgehen. Man ist etwa an den kanadischen Film The Sweet Hereafter von 1997 erinnert.

    Das Schicksal von Lee erschließt sich spät in von Händel musikalisch untermalten Rückblenden. Die dazwischenliegenden Auseinandersetzungen mit seinem Neffen, für den er das Sorgerecht übernehmen soll, sind voll trockenem Humor. Es ist dieser Balanceakt, der die Figuren so real erscheinen lässt.
    Es ist ein Film über Verlust und die Ohnmacht (der Männer), Gefühle nicht ausdrücken zu können, außer vielleicht noch in Schlägereien in der Bar und sich jeglicher Hilfe von außen zu verschließen.

    Dramaturgie und Reduktion der Geschichte lassen in Manchester Merkmale eines Theaterstückes erkennen. Nicht verwunderlich, Lonergan ist vor allem Theaterregisseur.

    In Manchester wird besonders deutlich, warum Nebenrollen in Hollywood supporting actor/actress genannt werden. Selbst Michelle Williams macht das in ihren kurzen einprägsamen Auftritten klar.

    Mag sein, dass Lonergans eisig kalte Version eines Fischerdorfes zu aufgeräumt erscheint. Das schmälert jedoch nicht die Leistung von Casey Affleck. Ein Gesicht, gezeichnet vom Leid, das Lee widerfahren ist, die Hände in der Hosentasche, in der Kälte stehend. Ein Bild das bleibt. Eine tiefgründigere Charakterstudie hat man schon lange nicht mehr im Kino sehen können.

    Kenneth Lonergan USA 2016 136 Min

  • PERFECT SENSE

    PERFECT SENSE

    Zum Jahreswechsel wurden in DIE ZEIT Autoren aus allen Resorts dazu befragt, ob die Kunst die Welt verändern kann. Gibt es diese Erweckungsmomente, Werke von denen jeder wissen muss? Neben Salgado, Kafka und Melville, Giorgione, Dylan und Mendelssohn Bartholdy scheint neben Casablanca ein zweiter Film auf: PERFECT SENSE. Ein Grund, einen näheren Blick auf dieses Science-Fiction-Drama zu werfen.

    Der Film bietet ein spannendes Gedankenexperiment. Was wäre, wenn wir nach und nach unserer Sinne beraubt würden? Eine Pandemie geht um in der Welt. Auf unerklärliche Weise verlieren immer mehr Menschen ihren Geruchsinn. Alles geht zu schnell, um ein Gegenmittel oder gar die Ursache herauszufinden. Terroranschlag nicht ausgeschlossen. Willkommen im 21. Jahrhundert.
    Bald ist ein Muster erkennbar. Jedem Sinnesverlust geht ein kurzzeitiger emotionaler Kontrollverlust voran: Trauer, Angst, Wut und Glück. Die verbliebenen Sinne werden geschärft und übernehmen immer mehr Funktionen. Ein Konzert beispielsweise wird über die auf große Kisten übertragenen Schallwellen erlebt.
    Die audiovisuellen Sinne werden auch dem Publikum geraubt. Bis zur letzten Konsequenz.
    Eva Green und Ewan McGregor spielen ein Liebespaar, das sich mit Beginn der Katastrophe kennen lernt. Sie ist Virologin und er Chefkoch. Die Küche der Ort zentraler Sinneserfahrungen. Wie stellt man den Betrieb um und wie fällt eine Restaurantkritik aus, wenn weder Geruch noch Geschmack ein Kriterium sind?

    Etwas irritierend bleiben zwei Gestaltungselemente: die Rolle der Erzählerin mit der Stimme der Hauptdarstellerin. Der erklärende Blick von Außen aber doch nicht allwissend. Hat man dem Publikum nicht zugetraut, der Handlung ohne zusätzliche Erklärungshilfen zu folgen?
    Und dass im Haupthandlungsort Glasgow nur Weiße zu leben scheinen, während immer wieder durch Montagen das globale Ausmaß der Katastrophe mittels Bildern von ebenso betroffenen Menschen in Afrika vermittelt werden soll. Alles in allem aber ein sehenswerter Film.

    David Mackenzie D/GB/DEN/SWE/IRE 2011 92 Min.

  • DIE GETRÄUMTEN

    DIE GETRÄUMTEN

    Die Geträumten erzählt von der ungewöhnlichen Liebesbeziehung zwischen Ingeborg Bachmann und Paul Celan. Die Regisseurin Ruth Beckermann hat sich dazu entschlossen, kein typisches Biopic zu drehen, sondern die Musikerin Anja Plaschg und den Schauspieler Laurence Rupp die Briefe, die sie sich über mehr als zehn Jahre von ihrer ersten Begegnung bis zu ihrem Tod geschrieben haben, vorlesen zulassen. Die beiden sollten nicht in die Rollen schlüpfen, sondern die Briefe wie in einem Hörspiel vortragen. Soweit die Anweisung. Die intensive Vorbereitung erfolgte ohne die Darsteller.

    Gedreht wurde in einem Tonstudio im Funkhaus in Wien und die Kamera verfolgte die beiden Protagonisten auch während der Pausen. Wir sehen Plaschg und Rupp auf der Leinwand und im nächsten Moment Bachmann und Celan.

    Der Film zeigt, was ein Text mit Schauspielern innerhalb einer Woche Drehzeit macht und wie unterschiedlich ihn die Charaktere verarbeiten. Darüber hinaus ist die Montage von Die Geträumten ein überwältigendes Beispiel dafür, wie man einen Raum dramaturgisch nutzen kann. Gedreht wurde mit der Handkamera, um den Darstellern eine größtmögliche Freiheit zu lassen und sie nicht durch Regieanweisungen einzuschränken.
    Die Geträumten ist ein kurzweiliges von Spannung aufgeladenes Drama. Die Reduktion auf den Text und die Konzentration auf zwei Schauspieler und einen Raum macht aus Die Geträumten ein Filmdokument von größter Bedeutung. Ein Höhepunkt des Filmjahres!

    Nebenbei wurde der Film zu einem kleinen Denkmal für das Funkhaus. 60 Prozent des Hauses sollen verkauft werden.

    Ruth Beckermann Ö 2016 89 Min.

  • Rogue One: A Star Wars Story

    Rogue One: A Star Wars Story

    Vorweg: Ich verrate nichts über den Inhalt. Am heutigen Tag nur soviel: Carrie Fisher hat das letzte Wort und wird vom vollen Kinosaal mit Applaus verabschiedet.

    Rogue One fügt sich inhaltlich schön zwischen Episode III (2005) und IV (1977) ein und steht für sich. Obwohl doch Bestandteil der Serie, war ein Film von solch Blockbuster Format wohl noch nie so abgeschlossen. Das ist schon ziemlich konsequent. Damit geht man mit dem Star Wars Franchise völlig neue Wege.

    Star Wars war immer Familienprogramm. So sehr wie diesesmal ist es mir aber noch nie aufgefallen. Die Krieger auf beiden Seiten sterben wie die Fliegen aber sie tun dies Disney-like, so harmlos wie möglich. Jedenfalls frei von jeglichem Realismus, wenn nicht gar die Kamera wegschwenkt. Ob das der richtige Weg ist, sei dahingestellt.

    Hinsichtlich der Verwundbarkeit einer Supermacht wagt der Film und eigentlich auch der Vorgänger von 1977, einen Blick in unsere reale Zukunft. Die militärische und technologische Übermacht nutzt nichts gegen einen vermeintlich schwächeren Gegner. Was zur Zerstörung des Todesstern in Episode IV führt ist ja bekannt. Wer die Daten hat, beherrscht die Welt, oder das ganze Universum.

    Rogue One wirft ein Thema von ethischer Dimension auf, das uns in Zukunft noch beschäftigen wird. Für die Rolle des Governor Tarkin, dem Commander des Todessterns, wurde Peter Cushing (1913-1994), der die Rolle 1977 übernommen hatte, komplett animiert. Das Ergebnis ist verblüffend, wie der gesamte Film im CGI Sektor neue Maßstäbe setzt.

    Eine Empfehlung. Der beste Star Wars Film seit 1983.

    Gareth Edwards USA 2016 134 Min.