Schlagwort: 2018

Einer dieser lange erwarteten Filme. „After more then 25 years in the making – and unmaking“, heisst es im Vorspann. Die Entstehungsgesichte ist legendär oder schon längst wieder vergessen. Je nach dem. Terry Gilliam hat es also doch noch vollbracht. In seinen zahlreichen Interviews ist von den Dreharbeiten die Rede, zu denen es bereits einen eigenen Film gab. Nur für den fertigen Film scheint sich kaum jemand zu interessieren.

Immer dann, wenn ein Stück Weltliteratur den Weg ins Kino findet, ruft das Kritiker auf den Plan und es wird genauer hingeschaut. Bei Gilliams neuestem Film ist das aber gar nicht notwendig. Für ihn ist der Stoff Ausgangspunkt für eine Neuinterpretation. Er hat die Handlung kurzerhand in die Gegenwart verlegt und stellt den Anspruch einer werkgetreuen Umsetzung nicht.

Toby (Adam Driver) ist Werberegisseur und eigentlich recht unsympathisch. Bei Dreharbeiten in Spanien stößt er zufällig auf eine Kopie seines ersten Films. In einem nahegelegenen Dorf inszenierte er mit den dortigen Bewohnern die legendäre Geschichte vom Ritter der traurigen Gestalt. In der Hauptrolle ein Schuster (Jonathan Pryce) und Angelica (Joana Ribeiro), die Tochter des Wirtes, als Dulcinea. Als Toby sich auf den Weg in das Dorf macht, muss er feststellen, dass es seine Darsteller mit ihren damaligen Rollen etwas zu ernst genommen haben. Angelica ging als Prostituierte in die Stadt und der Schuster ist davon überzeugt, selbst Don Quixote zu sein. In Toby glaubt er seinen Knappen Sancho Panza zu erkennen.

Der Stoff lag Gilliam am Herzen. Er spinnt das Thema weiter und die Verlegung in die Gegenwart ist ein spannender Clou. Der Film springt in den Zeitebenen aber hin und her und irgendwann artet das in einem Chaos aus. Er wirkt wie aus Fragmenten zusammengeschustert. Als hätte er sich die gesamte Produktionsgeschichte einverleibt. So ist es mehr eine tödliche Umarmung geworden, denn eine liebevolle Hommage. Ob sich Gilliam mit dem Mann im Filmtitel selbst gemeint hat, ist nicht bekannt. Ganz unschuldig ist er nicht.

Jonathan Pryce ist in der Viertbesetzung die Rolle auf den Leib geschrieben. Mit seinen 70 Jahren ist er auch im besten Alter. Aber ein guter Stoff ist nicht umzubringen? Naja. THE MAN WHO KILLED DON QUIXOTE ist ein handfestes Desaster mit einer Länge von mehr als zwei Stunden geworden. Die Erlösung hat der Regisseur nun gefunden. Don Quixote und dem Publikum bleibt sie verwehrt.

Terry Gilliam | ES, GB, FR, PT, BG 2018 | 132 Min [usr 2]

Der iranische Regisseur Asghar Farhadi kehrt seiner Heimat den Rücken zu und dreht einen Film in Spanien, mit Penélope Cruz, Javier Bardem und Ricardo Darin. Deren Familien kommen für eine Hochzeit in der Idylle einer Kleinstadt zusammen und es wäre nicht Farhadi, wenn sich da nicht zwischenmenschliche Abgründe auftun würden.

Laura (Penélope Cruz) lebt mit ihrem Mann Alejandro (Ricardo Darin) in Buenos Aires und kommt mit ihren beiden Kindern zur Hochzeit ihrer Schwester zurück in ihre Heimatstadt in der Nähe von Madrid. Die Freude ist groß, die Stimmung ausgelassen. Sie trifft auch auf ihre Jugendliebe und nunmehrigen Weinbauern Paco (Javier Bardem), der ihr vor Jahren ihre Ländereien abgekauft hat. Zu billig, wie manche meinen. In der Nacht der Hochzeit verschwindet Lauras Tochter Irene (Carla Campra) spurlos. Der Zusammenhalt der Familie wird auf die Probe gestellt, denn es gibt ein offenes Geheimnis und wie die deutsche Übersetzung des Titels lautet: alle wissen es.

Auch das Publikum tappt nicht ewig im Dunkeln. Regisseur Farhadi hatte aber auch keinen klassischen whodunit im Sinn. Wie in seinen Vorgängerfilmen interessiert er sich vielmehr für zwischenmenschliche Beziehungen, die er neuerlich präzise ausgearbeitet hat. Nichts passiert hier unüberlegt. Das obwohl es kein fertiges Drehbuch am Set gibt. Ein Drehbuch, das in einer Sprache verfasst ist, die der Regisseur nicht versteht. Nach eigenen Aussagen keine große Herausforderung für ihn.

Fernab von politischem Kleingeld und Manipulation von Meinungen hat uns Farhadi mit seinem scharfen Blick für familiäre Beziehungen vorbei an der Zensur im Iran viel über die Unzulänglichkeiten des Alltags, den sozialen Druck und der Angst vor der Obrigkeit erzählt. OFFENES GEHEIMNIS ist der europäischste von Farhadis Filmen geworden. Erstmals bestimmt nicht die Anonymität der Großstadt das Setting. Auf dem Land kennt jeder jeden und ist jeder verdächtig. Dem Thema des Familiendramas ist er aber treu geblieben.

Penélope Cruz‘ Darstellung erinnert an Sophia Loren, ihre Natürlichkeit ist beeindruckend und Javier Bardem ist ohnehin einer der gewaltigen des Kinos. Beide geben mit ihrer Leinwandpräsenz ein Traumpaar auf der großen Leinwand ab.

OFFENES GEHEIMNIS war der diesjährige Eröffnungsfilm bei den Filmfestspielen in Cannes. Dort ging er leer aus, für eine neuerliche Oscar Nominierung stehen die Chancen aber nicht schlecht. Trotz der Zugeständnisse an das europäische Arthauskino und die Loslösung vom iranischen Kontext festigt der Film einmal mehr Asghar Farhadis Status als ganz großer Regisseur unserer Zeit.

Asghar Farhadi | E/F/I 2018 | 133 Min | [usr 3,5]

Foto © Thimfilm

Die Geschichte ist wahr. Brady Jandreau spielt sich selbst. Noch vor dem Unfall hatten sich er und Regisseurin Zhao kennengelernt. Auch der Rest der Familie konnte für den Film gewonnen werden. Die Folge sind halbdokumentarische Charakterstudien. Das Publikum ist Bradys Verzweiflung und Traurigkeit so nahe wie nur irgendwie möglich. Die Authentizität ist erstaunlich. Dabei ist der Mythos des Westerns allgegenwärtig. Die schier unendlichen Weiten der Landschaft eröffnen sich in wunderschönen Panoramen. Wenn die Kamera dann groß auf Bradys Gesicht verweilt, wird klar, dass er trotz all der Tragik immer ein Teil dieser Welt sein wird.

Zhoa hat einen nur auf den ersten Blick apolitischen Film gemacht. Ihre Herangehensweise eröffnet uns einen humanistischen Blick auf eine Gesellschaft, die uns sonst nur als stockkonservativ und hinterwäldlerisch bekannt ist.

Den Tiefpunkt seiner Hunderte Millionen Jahren andauernden Evolutionsgeschichte erreichte der Hai im Jahr 2013, als er in Form eines Hai-Tornados, sprich Sharknado, auf der Theke eines Pizzakoches landete und es Haie über ganz New York regnete. Einen unrühmlichen Höhepunkt erlebte er keine 40 Jahre davor in Steven Spielbergs Der Weiße Hai (Jaws, 1975). Ein Filmklassiker, dem unzählige überwiegend trashige Imitationen folgten. Der Hai wurde zum Schrecken der Weltmeere. Gleichzeitig ist seine Schwanzflosse in manchen Ländern eine Delikatesse. Sie wird ihm brutal abgeschnitten und der Rumpf zurück ins Meer geworfen. Obwohl der Hai kaum natürliche Feinde hat, wurde ihm das Leben in den letzten Jahrzehnten nicht leicht gemacht und auch diese Woche wird es nicht besser.

Die Ausgangslage in Jon Turteltaubs The Meg ist vielversprechend. In einer internationalen Unterwasserforschungsstation glaubt man kurz vor einer sensationellen Entdeckung zu stehen. An einer Stelle im Marianengraben, wo man bisher den tiefsten Punkt des Meeresgrunds vermutete, geht das Team von Wissenschaftlern rund um Dr. Zhang (Winston Chao) und seiner Tochter Suyin (Li Bingbing) davon aus, dass es sich nur um eine Art Schutzschicht aus Gasen handelt und darunter eine völlig unbekannte Welt verborgen liegt. Sie liegt, der Traum eines jeden Tiefsehforschers. Allerdings ist der Mensch gleichzeitig in das Habitat einer Spezies eingedrungen, die seit gut einer Million Jahren als ausgestorben galt: der Megalodon, die wahrscheinlich größte Haiart, die je die Erde bevölkerte. Mit einer vermuteten Körperlänge von an die 20 Meter mutet der große Weiße im Vergleich wie ein Baby an. Es geht schief, was schief gehen kann. Das Forschungs-U-Boot wird attackiert und der ehemalige Taucher Jonas Taylor (Jason Statham) muss herbei um die festsitzenden Wissenschaftler zu retten. Der Einzige, der je eine Rettungsaktion in 10.000 Meter Tiefe überlebt hat.

Soviel zur Handlung, die so voll von Stereotypen ist, dass man nie sicher sein kann, ob es sich um eine Persiflage handelt oder das alles ernst gemeint ist. Zumindest im Falle von DJ (Page Kennedy), Afroamerikaner und Nichtschwimmer, ist Zweiteres zu befürchten. Als zwei TV-Helikopter beim Rennen um das beste Bild frontal zusammenstoßen, kann man am ehesten noch von einem kritischen Moment sprechen. Nicht dass man dies von so einem Film erwarten würde. Die eindimensionalen Charaktere sind dem Bestsellern Meg von Steven Alten entsprungen. Also bei einem etwaigen Erfolg (die ansprechende Plakatkampagne wird ihren Teil dazu beitragen) ist mit Fortsetzungen zu rechnen, wo es einzig darum geht, wer überlebt und wann und auf welche Weise es die auserwählten Opfer erwischt.

„This is the worst thing, I’ve ever seen.“ Wenn ein Film so beginnt, kann man ihm zumindest einmal keinen Mangel an Selbstironie vorwerfen. Am spannendsten war es immer, wenn sich die vermeintlichen Opfer und mit ihnen das Publikum im selben Element befanden. Das passiert hier gerade nach fast 90 Minuten. Nichts stellt diese Ausweglosigkeit besser dar, als wenn die Gefahr aus allen Richtungen kommen kann und man orientierungslos im Wasser schwimmt. Dabei hat der Hai bereits nach 40 Minuten seinen ersten Auftritt. Spielberg legte in Der Weiße Hai Wert darauf, dass dieser in der ersten Stunde nicht zu sehen ist und steigert die Erwartungshaltung so ins unermessliche. Dieser Spannungsaufbau fehlt hier völlig. Auch weil einem die Charaktere völlig egal sind.

Aber zurück zum Star des Filmes und somit zum Kernpoblem. Dass es sich beim Meg um eine Bestie handelt, liegt im Wesen des ganzen Genres. Anders als der Weiße Hai ist dies auch eine prähistorische Art. Mit einem Schlag jedoch sämtliche vorkommenden Haiarten als aasfressende Ungeheuer darzustellen ist gelinde gesagt ein Skandal. Gerade im Kontext einer Forschungsstation hätte man diese Tiere als das darstellen können was sie sind, nämlich hochintelligent, mit über Jahrmillionen perfektionierten Körpern und Verhaltensweisen und für Menschen relativ ungefährlich. Somit befördert der Film neuerlich, dass Haie gejagt werden. Eine verpasste Chance, dem Hai ein besseres Image zu verpassen.

Der wahre Horror spielt sich gegen Ende am Strand von Sanya auf der Hainan-Insel ab. Tausende Menschen im Meer, dicht gedrängt mit ihren bunten Schwimmreifen. Das Wasser ist kaum zu sehen. Ein paar schöne Happen für den Meg. Das Auge isst bekanntlich mit. Regisseur Turteltaub ist mit dem fertigen Film nicht ganz zufrieden. Man kann es sich aufgrund der FSK Freigabe ab 12 Jahren denken: die blutigsten Momente wurden herausgeschnitten. Die hohen Produkionskosten machten dies notwendig. Mit der unzensurierten Version kann man mit Erscheinen der DVD/Bluray rechnen. Unter bestimmten Einflüssen kann The Meg schon Spaß machen, aber nicht mehr also dutzende derartige Filme davor auch. The Shallows (2016) mit Blake Lively war zuletzt ein gelungenerer Versuch, den Kampf Mensch gegen Natur keine 200 Meter vom Strand spannend umzusetzen. „You’re going to need a bigger boat.“ hieß es in Der Weiße Hai. Richtig geraten, das Boot ist in The Meg immer noch zu klein. Der Mensch hat vor und hinter der Kamera nichts dazugelernt.

Jon Turteltaub | USA 2018 | 115 Min | [usr 2]

Schneller. Höher. Spektakulärer. Der Actionfilm muss seit jeher den Anforderungen gerecht werden, alles bisher Gesehene in den Schatten zu stellen. Nun ist ein halbes Jahrhundert vergangen, seitdem die ersten Kriminalfilme über die Leinwände flimmerten und James Bond sich aufmachte, die Welt zu retten. Lichtblicke gab es immer wieder und zwar immer dann, wenn neben neuen Ideen und atemberaubenden Stunts die Story rund um eine charismatische Heldenfigur nicht zu kurz kam. Trotzdem war der Trend zu beobachten, dass, auch dank der technischen Entwicklungen, die Sequenzen immer unglaubwürdiger wurden und die Filme zunehmend langweiliger. Das Budget, das für die Materialschlachten aufgewendet wurde, war zum Marketinginstrument geworden und musste oft schon alleine reichen um Publikum anzulocken. Wenn es um Superlative in Kombination mit Qualität geht, ist die 1996 gestartete Mission: Impossible-Reihe im Laufe der Jahre zum Maß aller Dinge geworden und der nunmehr 6. Teil zeigt mehr den je warum das so ist.

Ethan Hunt hat einen Fehler gemacht. Oder doch eher Tom Cruise, denn in einer unvergleichlichen Art und Weise sind Hauptdarsteller und Filmfigur hier miteinander verschmolzen. Ohne Cruise gäbe es die Reihe in dieser Form nicht. Wir haben es hier erstmals mit einer direkten Fortsetzung des Vorgängers (Rogue Nation, 2015) zu tun und an dessen Ende lässt Hunt seinen Gegenspieler Solomon Lane (Sean Harris) am Leben. Dieser kehrt nun zurück und möchte mit seinem Netzwerk an Terroristen, genannt die Apostel, durch einen Atomkrieg der jetzigen Weltordnung ein jähes Ende setzen. Leid schafft Frieden, ist deren Motto. Getrieben wird Lane aber von etwas anderem. Doch von was wird hier nicht verraten.

Unterstützung erhält Hunt wie gewohnt von seinen von Film zu Film leicht variierenden Sidekicks. Diesmal sind Luther (Ving Rhames), Benji (Simon Pegg) und die ehemalige MI6 Agentin Ilsa (Rebecca Ferguson) mit dabei. Benji hat in seinem dritten Auftritt die Wandlung vom Clown im Innendienst zum Agenten abgeschlossen. Die albernen Sprüche sind weniger geworden. Das schlägt sich auf die gesamte Tonart des Filmes nieder, trotzdem ist der typische Witz erhalten geblieben. Ilsa verfolgt teilweise eine eigene Agenda und bei ihr weiß man nie so recht, was als nächstes kommt. Alec Baldwin gibt als IMF (Impossible Mission Force) Chef Alan Hunley Rückendeckung, zumindest solange er kann.

Es gibt auch ein paar Neuzugänge. Von der CIA Direktorin Erika Sloane (kurzer aber starker Auftritt von Angela Bassett) bekommt Hunt einen Aufpasser: August Walker (Henry Cavill) entpuppt sich als Mann fürs Grobe und verleiht der Handlung einen neuen Twist. Vanessa Kirby ist die weiße Witwe. Mittelsfrau, Waffenhänderlin und Hunts Pendant. Eine Versuchung. Als sie sich an der Seine gegenüberstehen, fragt man sich unweigerlich, ob der ganze Film nur Cruise‘ Aufforderung zum gemeinsamen Abendessen mit offenem Ausgang ist („Schau, ich hab ganz Paris für dich absperren lassen.“).

Die Besetzung ist eine Stärke von Mission: Impossible. Bekanntheit erlangte die Serie aber durch ihre spektakulären Stunts. Stand bisher ein Highlight pro Film auf dem Programm, gibt es in Fallout gleich eine ganze Reihe. Etwa einen „High Altitude Low Opening“ (kurz: HALO) Sprung aus 8000 Meter Höhe. Dafür wurde eigens ein Helm entworfen, damit man die Gesichter der Schauspieler erkennen kann. Weil eines ist längst bekannt: Tom Cruise macht das alles tatsächlich selber. Über 100 Sprünge sind notwendig, bis man in der Lage ist einen HALO Sprung mit einer bestimmten Choreografie auszuführen. Für eine Verfolgungsjagd durch Paris wurden große Teile der Stadt gesprerrt. Das Ergebnis kann sich sehen lassen. Es scheint, als hätte Tom Cruise eine To-do-Liste, die er abarbeitet. Dafür durfte er nach den Dreharbeiten mit einem Pilotenschein nach Hause gehen. Hubschrauberstunts inklusive Spiralflug – Check. Knöchelbruch? Ein paar Wochen später rennt er schon wieder über die Dächer Londons. Unter Schmerzen.

Auch wenn sich Fallout nicht mit großen Reden aufhält, verkommt er nicht zu einer Aneinanderreihung von Actionsequenzen. Dafür sorgt das Drehbuch von Regisseur Christopher McQuarrie, das er während des Drehs immer wieder geändert hatte. Der Spruch „Wer ein Leben rettet, rettet die ganze Welt“ wird in M:I 6 groß geschrieben. Hunt vermeidet jeglichen Kollateralschaden und verliert dadurch immer wieder die Kontrolle über seine Missionen. In den Chefetagen ist man der Meinung, dass einzelne Opfer zum Wohl der Allgemeinheit in Kauf genommen werden müssen. In einer schönen Szene kommt das gut zum Ausdruck. Am Rande der Verfolgungsjagd durch Paris versucht Hunt eine unbeteiligte Polizistin, die ins Kreuzfeuer gerät, zu schützen und riskiert dabei selbst in eine auswegslose Situation zu geraten. Diese Eigenschaft machen sich die Anarcho-Terroristen zum Vorteil und versuchen Hunt dort zu treffen wo es am meisten Weh tut. Dabei spielt Hunts Frau Julia (Michelle Monaghan) eine Rolle. Am Ende von Phantom Protokoll (2011) erfuhr das Publikum, dass sie noch am Leben ist. Dafür war es notwenig, erstmals auch mehr über den Charakter von Hunt selbst zu erfahren.

Das Spiel mit den Masken war seit Anbeginn ein markanter Bestandteil von Mission: Impossible. Diesmal gerät deren Einsatz allerdings allzu vorhersehbar. Hier kann das Publikum dem Drehbuch hin und wieder einen Schritt voraus sein. Bei all der Fülle an Action kommt man unweigerlich in die Überlänge, da hätte man sich die ein oder andere Idee aufsparen können. Aber vielleicht hat Tom Cruise schon die Torschlusspanik. Mit dem nächsten Teil nähert er sich unfassbarerweise schon seinem 60er. Erstmal läuft ein Film der Reihe in 3D. Darauf kann man getrost verzichten. Vermutlich eine Auflage des Studios. Man hat jedenfalls in der Produktion keinen Gedanken daran verschwendet.

Alle, die sich auf diesen Film gefreut haben, werden nicht enttäuscht sein. Es ist der ausgereifteste Film der Serie, schafft die Balance zwischen Action und Handlung, bringt diese weiter und eröffnet neue Möglichkeiten für Fortsetzungen. Wo Antman gerade bloss Unterhaltung war, regt Fallout durchaus zum Nachdenken über das ganze Genre an. Wohin auch immer die Reise geht, man wird sich an Ethan Hunt orientieren müssen.

Christopher McQuarrie | USA 2018 | 148 Min | [usr 4 ]