Mit gleich vier Nominierungen für Mudbound kann Netflix einen großen Erfolg für sich verbuchen: Bestes adaptiertes Drehbuch, Beste Kamera und erstmals ist mit Mary J. Blige eine (Neben)Darstellerin gleichzeitig für den Besten Song nominiert.
Ebenso auf der Streamingplattform sind folgende nominierte Dokumentationen verfügbar:
Icarus
Strong Island
Heroin(e)
Details folgen demnächst.
Willkommenspolitik und Umweltschutz, Political Correctness und Genderwahn. Medien wie Politik wird vorgeworfen, den Kontakt zu den Menschen verloren zu haben, indem sie ihnen die Themen vorgeben, die gerade relevant erscheinen und Meinungen in eine bestimmte Richtung beeinflussen wollen. Zwischen den Städten und dem Land haben sich Gräben aufgetan. Ob diese wiederum konstruiert sind oder nicht spielt erstmal keine Rolle. Seien es geschlossene Postämter oder andere fehlende Infrastruktur und Ängste vor Entwicklungen, die man nicht unter Kontrolle hat, ein gewisser Teil der Bevölkerung fühlt sich ausgegrenzt und vernachlässigt.
Missouri, der Swing State im Mittleren Westen ist für die USA in etwa sowas wie das Waldviertel für Österreich. Weiter weg von „denen da oben“ geht nicht. Ein Mikrokosmos, dem sich Martin McDonagh in seinem erst dritten Spielfilm annimmt, genauer gesagt der fiktiven Kleinstadt Ebbing. Hier gehört Rassismus zum Alltag wie am Sonntag der Gang in die Kirche.
Mildred Hayes (Frances McDormand), die Frau mit den tiefen Augenfalten, dem verbissenen Blick und dem blauen Overall, ist eine, die von ihrer Umgebung als Unruhestifterin gesehen wird. Eines Tages mietet sie drei Werbetafeln (engl.: Billboards) auf der Einfahrtsstraße nach Ebbing. Darauf ist „Raped While Dying“, „Still No Arrests?“ und zuletzt „How come, Chief Willoughby?“ zu lesen. Vor sieben Monaten hat Mildred ihre Tochter verloren. Sie wurde vergewaltigt, ermordet und verbrannt. Vom Täter fehlt jede Spur, was sie Sheriff Bill Willoughby (Woody Harrelson) nun ganz plakativ vorwirft. Man kann den Schmerz der Mutter nachvollziehen.
Der Sheriff, in den USA von der lokalen Bevölkerung gewählt, erfreut sich hoher Beliebtheit. Mildreds Provokation stoßt auf wenig Verständnis. Wer in Willoughby den kratzbürstigen und empathielosen Beamten vermutet, wird bald eines besseren belehrt. Überhaupt spielt der Film mit Erwartungshaltungen und stellt das Publikum durch die Ambivalenz seiner Charaktere auf die Probe. Der Willoughby unterstellte Officer Jason Dixon (Sam Rockwell) ist ein widerlicher Rassist. Hayes ist für ihn ein Feindbild von vielen. Gerade dieser Dixon übernimmt in der zweiten Hälfte des Filmes die nicht einmal so unsympathische tragende Rolle. Kann das sein? Darf das sein? Das Drehbuch zeichnet sich durch unerwartete Brüche aus, die das Publikum auf eine emotionale Achterbahnfahrt mitnehmen.
Der Film wirft allerhand Fragen auf. Kann es in so einem Fall etwas wie Gerechtigkeit geben? Hayes macht deutlich, zu welchen Taten ein tiefer Schmerz verleiten kann. Ein Urteil über einen Menschen ist schnell gefällt aber lassen sie sich, wie im Fall der Polizisten, so einfach charakterisieren? Das Recht auf Läuterung kann wohl niemanden vorenthalten werden, reicht es aber aus, einfach einmal die richtigen Entscheidungen zu treffen?
THREE BILLBOARDS OUSIDE EBBING, MISSOURI ist ein sehr unterhaltsamer Film voll zynischem und derbem Humor. Die Pointen sitzen und im nächsten Moment bleibt einem das Lachen im Hals stecken. Durch die heiteren Momente vor dem ernsten Hintergrund dieser brutalen Geschichte erlangt der Film eine emotionale Tiefe, die durch eine exzellente Ensembleleistung noch verstärkt wird. Bei den Golden Globes erhielt der Film Preise für den besten Film, das beste Drehbuch (ebenso in Venedig ausgezeichnet) und Darstellerpreise für Frances McDormand und Sam Rockwell. Nun auch noch neun Oscar Nominierungen, darunter die wichtigsten Kategorien. Einer dieser Filme des Jahres.
Martin McDonagh USA 2017 116 Min. [usr 4]
Heute wurden die OSCAR NOMINIERUNGEN in 24 Kategorien bekannt gegeben.
In den letzten Wochen hatten sich bereits ein paar Favoriten herauskristallisiert. Da und dort wird um Publicity gerungen und der wahre Kampf findet wohl hinter den Kulissen statt, wenn es darum geht innerhalb der Academy Aufmerksamkeit und Sympathien zu gewinnen.
Guillermo del Toros “The Shape of Water” führt die Liste mit 13 Nominierungen an. Gefolgt von Christopher Nolans „Dunkirk“ mit 8 Nominierungen und Martin McDonaghs “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri” mit 7.
Mit Greta Gerwig ist erst zum vierten Mal eine Frau in der Kategorie Beste Regie nominiert. Sie darf zudem auf einen Oscar für ihr Drehbuch zu „Lady Bird“ hoffen.
Die Verleihung findet in der Nacht vom 4. auf den 5. März statt. Hier ist die komplette Übersicht: Oscar Nominierungen 2018
Die auf dem Filmplakat angedeutete Runenschrift zeigt, was die Ermittler 12 Jahre lang ausgeschlossen hatten. Sie vermuteten in den Anschlägen von Nürnberg und Köln Täter im migrantischen Umfeld der Opfer. Nur durch einen Zufall stieß man Jahre später auf den Nazionalsozialistischen Untergrund (NSU). Nicht Banden- und Drogenkriminalität sondern der Hass auf Ausländer war das Motiv der Terroristen.
Fatih Akin macht dieses ruhmlose Kapitel der jüngeren deutscher Geschichte zum Thema seines neuen Filmes. Ausgehend von dem Nagelbomben-Attentat in Köln rückt er Katja (Diane Kruger) ins Zentrum. Wie aus dem Nichts hat sie bei dem Anschlag Mann und Sohn verloren. Der Schicksalsschlag wird noch dadurch verschärft, als die Polizei ihren Mann ins Zentrum der Ermittlungen rückt. Ein vorbestrafter Deutschtürke und eine offenbar drogensüchtige Ehefrau. Das Vorurteil ist schnell gefällt. Katja muss irgendwann erkennen, dass es in ihrer Welt keine Gerechtigkeit geben kann.
Es ist Krugers erste deutschsprachige Rolle und sie ist ein Beispiel dafür, zu welcher Leistung ein Regisseur eine Schauspielerin bringen kann. Ihr Schauspiel ist von einer natürlichen Emotionalität, wie man sie bei dem Hollywoodstar bisher nicht sehen konnte. Es ist die Rolle ihres Lebens. Zu Recht wurde sie in Cannes als beste Schauspielerin ausgezeichnet.
Was Krugers Leistung angeht, sind sich auch alle einig. Bei Akins Film als Ganzes gehen die Meinungen allerdings auseinander. Während der Film in den USA gefeiert wird und den Golden Globe für den besten fremdsprachigen Film erhielt, stieß er in Europa auf weniger Euphorie. An die Mischung von realen Ereignissen und Genrefilm und ist man in den USA gewöhnt. Ist die Gradwanderung zwischen Rachethriller und Drama von gesellschaftlicher Relevanz geglückt? Im Mittelteil kommt es zum Prozess. Da sich Akin in erster Linie für die Geschichte seiner Hauptfigur interessiert, ist die Schilderung der Verhandlung stark verkürzt, trocken und technisch. Die Anklage steht und fällt mit der Aussage des Vaters (Ulrich Tukur) einer der Täter und Katjas Drogenkonsum, auf den sie der Verteidiger (Johannes Krisch, herrlich unsympathisch) festnageln möchte.
Fatih Akin findet wieder zu der Intensität und Dringlichkeit von „Gegen die Wand“ zurück. Das Unheil kündigt sich nicht an. Umso eindringlicher kommt es. Der Film lässt sich Zeit und ist trotz aller Dramatik unaufgeregt. Die Explosion sieht man nicht. Dafür eine unerträglich explizite Beschreibung des Tatorts vor dem Gericht.
„Aus dem Nichts“ hat es auf die Shortlist für den Oscar in der Kategorie „Bester Fremdsprachiger Film“ geschafft. Die Konkurrenz ist wie gewohnt stark aber sie scheinen den Film da drüben zu mögen. Alles ist möglich.
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Fatih Akin D/F 2017 100 Min. [usr 3.5]
Der Jänner im Österreichischen Filmmuseum und METRO Kinokulturhaus.
Ingmar Bergman ist einer der großen Namen in der Filmgeschichte. Gehört haben vemutlich schon die Meisten von ihm aber gesehen haben seine Filme schon viel weniger. In diesem Jahr hätte Bergman seinen 100 Geburtstag gefeiert und aus diesem Anlass zeigt das Filmmseum ab 5. Jänner sein Gesamtwerk und bietet Gelegenheit, seine Filme wie „Wilde Erdbeeren“ (5./21.1) oder „Fanny und Alexander“ (6./20.1.) neu oder wieder zu entdecken.
Auch im Filmmuseum:
Am 16. Jänner hält Peter Kubelka zu ehren von Hans Hurch unter dem Titel „WAS IST FILM – ein Ausblick nach 22 Jahren“ einen Vortrag.
Am 17. Jänner wird als Nachtrag zur Retrospektive vom vergangene Herbst Robert Franks „Cocksucker Blues“ gezeigt.
Einem weiteren Jubiläum widmet sich das Filmarchiv Austria. Der Geburtstag des deutschen Schauspielers Conrad Veidt jährt sich zum 125. mal. In über 40 Filmen wird „Veidts beeindruckende Entwicklung vom Stummfilm zum Tonfilm, vom Expressionismus zur Neuen Sachlichkeit, vom Schurken hin zum Charakterdarsteller“ gezeigt. Am 14. und 26.1 läuft das Meisterwerk „Das Cabinett des Dr. Caligari“ mit Live-Musikbegleitung.
Weitere Infos zu den Programmen:
Filmmuseum
Filmarchiv
Nachdem sich Alexander Payne in seinen beiden letzten hoch gelobten Filmdramen „The Descendants“ (2011) und „Nebraska“ (2013) auch auf humorvolle Weise ernsten Themen angenähert hatte, versucht der Regisseur sich nun im Fach der Science-Fiction Komödie. Das kommt etwas überraschend aber zumindest der Trailer zu „Downsizing“ war originell und vielversprechend. Auf die Wirkung und Bedeutung von Trailern an sich lohnt es sich einmal gesondert einzugehen. Dieser Trailer zählt jedenfalls zu jenen, die ein Versprechen abgeben, dass sie nicht einhalten können. Ja, man muss es leider sagen, „Downsizing“ ist bei weitem weniger geglückt als seine Vorgänger.
Dabei beginnt es tatsächlich vielversprechend. Die Welt stöhnt unter der drohenden Überbevölkerung und just in diesem Moment gelingt es einem norwegischen Wissenschaftler in einem bahnbrechenden Verfahren Menschen auf eine Körpergröße von 5 Zoll zu schrumpfen. Schon allein das Sounddesign des mikrowellenähnlichen Schrumpfungsapparates entbehrt nicht einer gewissen Komik. Die ersten geschrumpften Menschen lösen eine Welle der Euphorie aus und wirken auch auf das Kinopublikum verblüffend. Der Film aber verschießt in dieser Vorgeschichte schon einiges an Munition.
Paul Safranek (Matt Damon) ist die Hauptfigur oder zumindest folgt die Handlung seinem Leben. Ein Langeweiler. Er und seine Frau (Kristen Wigg) sehnen sich nach einem besseren Leben. Da kommt die zellulare Schrumpfung gerade recht. Wer sich nämlich dafür entscheidet und in das neu entstandene Leisureland umzieht, kann mit einer empfindlichen Vervielfachung seines Vermögens rechnen. Keine große Überraschung, die beiden entscheiden sich dafür. Keine große Überraschung, Wigg entscheidet sich in letzter Sekunde dagegen. Der Trailer verrät es bereits. Sie verschwindet an dieser Stelle aus dem Film.
Im Miniaturland angekommen macht Paul die Erfahrung, dass hier doch nicht alles so rosig ist und das Publikum die, dass wenn die Bezugspunkte zur großen Welt fehlen, diese Idee nicht ganz so toll funktioniert. Ein paar Gags hat man sich einfallen lassen. Man kann diese aber an einer Hand abzählen.
Im Leisureland sind längst bekannte soziale Gefüge entstanden. Es putzen die in Ghettos lebenden Menschen aus dem Süden. In der Nachbarwohnung von Dusan (Christoph Waltz) macht Paul die Bekannschaft mit Ngoc Lan Tran (Hong Chau), vietnamesische Dissidentin und jetzt Putzkraft. Es ist sie, die von nun an diktiert, wo die Geschichte langgeht und Paul nur mehr zum Mitläufer macht. Seine therapeutischen Fähigkeiten sind gefragt und so muss er mit in die heruntergekommene Siedlung, in der die Außenseiter der Gesellschaft ihr Dasein fristen. Paul durchläuft aber nicht wirklich eine Entwicklung zum besseren Menschen. Schon als Großer kümmert er sich aufopferungsvoll um seine kranke Mutter. Somit funktioniert die Entdeckung seiner sozialen Ader mitnichten.
Waltz stellt als serbischer Schmuggler neuerlich seine sprachlichen Talente zur Schau und ist obwohl seine Figur zweidimensional bleibt, ein Lichtblick. Im Grunde ist er aber genauso unterfordert wie sein Kompagnon Udo Kier. Beide sitzen immer wieder nur im Hintergrund herum und haben wenig zu tun. Einzig Chau verleiht dem Film mit ihrer quirligen und bestimmenden Art Leben und treibt die Handlung voran.
Migration, Bürgerrechte, Umweltschutz. Payne hat sich viel vorgenommen und vergisst dabei auf das Hauptthema. Dass man in einem Film mit lauter kleinen Menschen sitzt, hat man bald vergessen. Schade drum
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Regie: Alexander Payne | USA 2017 | 135 Min. | [usr 2]
Die Italienerin Eva Sangiorgi, Gründerin des International Film Festival of the National University of Mexico (FICUNAM) in Mexiko City, ist die neue Direktorin der Viennale.
Ende der 1950er Jahre fahren viele New Yorker am Wochenende nach Coney Island um dem Alltag zu entfliehen oder sich flüchtigen Träumen hinzugeben. Vergnügungspark und Sandstrand bieten eine willkommene Abwechslung. Ginny (Kate Winslet), die gescheiterte Schauspielerin, träumt auch, lebt aber mitten im Freizeitpark zusammen mit dem Karussellbesitzer Humpty (James Belushi) und muss sich ihren Unterhalt als Kellnerin verdienen. Was für die ei…nen Abwechslung, ist für die anderen lähmende Normalität. Sie flüchtet sich in eine Affäre mit dem Bademeister Mickey und angehenden Schriftsteller (Justin Timberlake). Als auch noch unerwartet Humptys Tochter Carolina (Juno Temple) auftaucht und sich herausstellt, dass ihr Gangster auf den Fersen sind, gerät alles im Stile Woody Allens aus den Fugen.
Es entladen sich die vorprogrammierten Spannungen zwischen den Protagonisten. Allen inszeniert sie in einer bühnenähnlichen Kulisse in warmen Rottönen, als ginge ständig die Sonne unter. Die Vorbilder des Regisseurs Tennessee Williams oder auch Arthur Miller schlagen unübersehbar durch. Belushi ist gewaltig und laut. Alles Drama. Am Ende hat man das Gefühl, dass während des ganzen Filmes nur geschrien wurde.
Die Schönheit der romantisch nostalgischen Bilder von Kameramann Vittorio Storaro stehen im Kontrast zu den überhand nehmenden Konflikten. Die Besetzung ist wie von Allen gewohnt exzellent. Belushi schrammt aber haarscharf am Overacting vorbei. Ein Drama mit Unterhaltungswert, der große Wurf ist es aber wieder einmal nicht. Das hohe Arbeitspensum von jährlich einem Film hinterlässt seine Spuren.
Woody Allen, immer kreativ bei der Suche nach Geldgebern, hat bei Amazon Studios eine neue Heimat gefunden. Erstmals übernahm das Studio nicht nur die Produktion, sondern auch den Vertrieb eines Filmes.
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Woody Allen | USA 2017 | 101 Min. | [usr 3]
Die Reaktionen waren verheerend. Diese Fotos können nur von jemanden stammen, der Amerika hasst! Es ist das Jahr 1958 und der schweizamerikanische Fotograf Robert Frank hatte gerade seinen Bildband „The Americans“ veröffentlicht. Nach einer mehrjährigen Reise durch die USA wählte der Fotograf und Filmemacher aus 27.000 geschossenen Fotos 83 aus. Es sollte aber mehr als ein Jahrzehnt dauern, bis klar war, dass Frank mit seiner Arbeit die Fotografie revolutioniert hatte. Die erste Edition von „The Americans“ ist heute nur mehr antiquarisch zu Höchstpreisen erhältlich. Aus dem Jahr 2008 gibt es eine Neuauflage.
Franks Cutterin Laura Israel lässt gemeinsam mit dem damals 90-Jährigen dessen Leben in dokumentarischen schwarzweiss Bildern Revue passieren. Fotos, Filmausschnitte Interviews und dazu ein großartiger Soundtrack, unter anderen mit Lou Reed, Bob Dylan, Charles Mingus und The Kills, geben einen Einblick in ein umfangreiches Lebenswerk.
Die Dokumentation ist an Ästhetik von Franks Fotos angelehnt. In seiner Arbeit stehen die Menschen im Mittelpunkt. Es sind Schnappschüsse, manche buchstäblich aus der Hüfte geschossen, mit sozialkritischem Hintergrund. Frank vermeidet eine Interaktion mit den Portraitierten und beschönigt nichts. Das beste Foto ist für ihn das Erste, wenn die Menschen die Kamera noch nicht bemerkt haben.
Roberts Franks filmisches Werk ist nicht weniger umfassend. Filmemacher wie Richard Linklater oder Jim Jarmusch bezeichnen ihn als Vater des Independent Films. Zum legendär gewordenen Auftragswerk „Cocksucker Blues“ (siehe Foto), in dem er die Rolling Stones auf der USA Tour 1972 begleitete, meinte Mick Jagger: „It‘s a fucking good film, Robert – but if it‘s shown here in America we‘ll never allowed in the country again.“ Der Film wurde nie offiziell veröffentlicht. Das Österreichisches Filmmuseum zeigt die Dokumentation einmalig am 17. Jänner.
Bis zum 21. Jänner zeigt das Albertina Museum eine Werkschau und die Dokumentation läuft aktuell täglich im Top Kino in Wien.
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Laura Israel | USA 2015 | 82 Min.
Die heimlichen Stars eines Disney Animationsfilmes sind zumeist putzige Tiere. Manch einer mag sich denken, den Kinosaal verwechselt zu haben. Diese Woche startete nämlich auch „Ferdinand“ von Blue Sky/Fox. Aber nein, wir sind schon richtig. Star Wars hat jetzt auch seine Tierchen, die Porgs. Auch sonst ist einiges anders, in Rian Johnsons „Star Wars: The Last Jedi“.
Nicht nur Filmfans werden dieser Tage mit Neuigkeiten zu Star Wars regelrecht überschwemmt. Die Maschinerie läuft auf Hochtouren. Die Euphorie ist groß. Die Presse spielt brav mit. Es scheint sich allerdings eine größere Divergenz zwischen den Meinungen der Kritiker und denen des Publikums anzubahnen. Die Saga ist ein Franchise mit Sonderstellung. Die Fangemeinde ist riesig und umfasst mehrere Generationen. Man braucht nur nächste Woche unter die Christbäume zu schauen. Klar, dass viele eine Meinung dazu haben.
Wie schon „The Force Awakens“, lebt auch der achte Teil der Serie von vergangenen Tagen. Die Chronologie der Geschichte erlaubt es, die Lieblinge der Fans neuerlich einen Teil des Abenteuers sein zu lassen. Nostalgie als zentrales Geschäftsmodell. Die Zeit ist aber auch im Star Wars Universum nicht stehen geblieben. So nimmt Luke Skywalker (Mark Hamill) die Rolle des Obi Wan Kenobi ein. Prinzessin Lea (Carrie Fisher) tritt ein letztes (?) Mal auf. Nur Meister Yoda (CGI) hat sich gut gehalten. In seinem Alter machen ein paar Jahre mehr oder weniger auch nichts aus. Das alles hat nach dem langersehnten Wiedersehen von vor zwei Jahren diesmal bereits eine geringere Effektwirkung. Also wäre es an der Zeit für Neues.
Die Geschichte ist eine Variation des immer gleichen Themas. Rebellen kämpfen gegen eine vermeintliche Übermacht, versuchen mit bescheidenen Mitteln irgendetwas Großes kaputt zu machen und die Hauptfiguren hadern damit, den Verführungen der dunklen Seite der Macht zu widerstehen. Am Ende stellt sich aber die die Frage, welche Fortschritte die Geschichte in den 152 Minuten getan hat. Rey (Daisy Ridley) hat sich nicht wirklich weiterentwickelt. Adam Driver als Kylo Ren ist weiterhin die eigenwilligste Besetzung der Filmgeschichte. Supreme Leader Snoke (Andy Serkis, wer sonst) wird für immer ein Mysterium bleiben. Ein Superbösewicht ohne Hintergrundgeschichte. Poe Dameronund (Oscar Isaak), Finn (John Boyega) und die anderen Kämpfer im Widerstand sind blosses Beiwerk neben dem Haupthandlungstrang, der aber nicht so recht vom Fleck kommen möchte.
Johnson erweitert das Star Wars Universum um zwei wesentliche Aspekte. Soviel Humor gab es noch nie. Manche Szenen erinnern gar an eine Star Wars Persiflage. Marvel scheint hier leider das Vorbild zu sein. Das hat vor allen Einfluss auf die Darstellung der dunklen Seite der Macht und nimmt ihr einiges an Schrecken und Ernsthaftigkeit. Darüber hinaus wird die Saga politisch. Auf dem Planeten Canto Bight lassen es sich die Waffenhändler in einem Casino gut gehen. Es sind die wahren Profiteure der Kriege der Sterne. Mit Star Wars hat das alles nichts zu tun.
Allerhand skurile neue Wesen hat man sich einfallen lassen, nicht nur die Porgs, sondern auch Füchse, die aus austro–chinesischen Glasscherben zu bestehen scheinen oder riesige Rennpferde mit Köpfen von Wüstenmäusen, elefantenähnliche Kühe und als Nonnen verkleidete Alien-Arbeiterinnen.
In Star Wars mussten die Menschen von je her wie die Fliegen ihre Leben lassen. Das Verhältnis zu Gewaltdetails war aber ein ambivalentes. Es gibt faktisch keine. Nicht einmal Verletzungen, außer sie dienen der Dramaturgie. Bei explodierenden Todessternen fällt das weniger auf als bei Säuberungsaktionen wie zu Beginn von „The Force Awakens“. Familientauglichkeit steht nicht erst unter Disney im Vordergrund. Ob eine derartige Verharmlosung von exzessiver Gewalt ein gangbarer Weg ist, muss ernsthaft hinterfragt werden.
Schnitt und Rythmus des Filmes sind gelinde gesagt uninspiriert. Einzig John Williams hat mit seinen 85 Jahren neuerlich einen grandiosen Soundtrack komponiert. Seine Musik ist das Herzstück von Nummer VIII.
Langweilig ist der Film deswegen noch lange nicht und bietet tolle visuelle Schauwerte. Star Wars ist aber eine Marke, die bestimmten Ansprüchen genüge tun und Erwartungen erfüllen muss. Gegen eine Weiterentwicklung ist nichts einzuwenden. Wenn das Ergebnis ein austauschbares, beliebiges Produkt ist aber schon.
Im Burg Kino Vienna gibt es die Möglichkeit den Film in der Originalfassung ohne Pause und ohne 3D zu genießen. Manchmal ist weniger mehr. Kann man eine Ermäßigung in Anspruch nehmen, bekommt man hier für den Preis eines 3D Tickets noch Popcorn und ein Getränk dazu. Allerdings wird davor kein Live Laserschwert Kampf geboten.
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Rian Johnson | USA 2017 | 152 Min.